АРХИВ  17.10.2002    N1


^ 28 августа - 22 сентября в МДФ  "АКАДЕМИЯ" Наталии Жерновской
Наталия Жерновская (1972) – художник. В восемь лет стала заниматься рисованием в изостудии Дзержинского р-на Москвы, в двенадцать – поступила в художественную школу №3, с шестнадцати – в течение трех лет брала частные уроки рисунка, живописи, композиции, истории искусств и литературы. В 1991 году поступила в Новую Академию Изящных Искусств в Санкт-Петербурге, в 1993 – в школу кураторов при Центре Современного Искусства в Москве.

Избранные групповые выставки: 1994 – ИСКУССТВО УМИРАТЬ, Якут галерея, ЦВЗ Манеж, Москва. 1996 – NARCISSUS, гостиница Метрополь, Москва. 1997 – С ТОГО СВЕТА, Якут галерея, ЦВЗ Манеж, Москва. НОВЫЙ РУССКИЙ КЛАССИЦИЗМ, Новая Академия, ЦВЗ Манеж. КОПИ ЦАРЯ СОЛОМОНА, студия Борисова, Москва. 1998 – ФОТОБИЕННАЛЕ, МДФ, ЦВЗ Манеж, Москва. НОВЫЙ РУССКИЙ КЛАССИЦИЗМ, Музей Классического Искусства, Рига. 250.000 МИЛЬ, Якут галерея, ЦВЗ Манеж, Москва. 1998 – НОВЫЕ СЕРЬЕЗНЫЕ, галерея Ротонда, Москва. 1999 – Конкурс проектов для Венецианской Биеннале, Новый Манеж, Москва. 2000 – ФОТОБИЕННАЛЕ, МДФ, ЦДХ, Москва. ВОЙНА И МИР, АртМосква, ЦДХ, Москва. НЕКРОРОМАНТИЗМ, Музей Городской Скульптуры, С.Петербург. НОВОЕ РУССКОЕ БАРОККО, галерея James, Москва.

Персональные выставки: 1997 – ГАЛАНТНЫЙ НАТЮРМОРТ, НАИИ, С.Петербург 1998 – СТРОГИЙ ЮНОША, НАИИ, С.Петербург

«Академия трех знатнейших искусств» в Санкт Петербурге была учреждена в 1757 году И. И. Шуваловым (1727-1763). Новая Академия Изящных Искусств была основана в 1989 году Тимуром Петровичем Новиковым (1958-2002). Здание первой из двух академий было построено в 1788 году архитекторами Деламотом и Кокориновым, вторая, несмотря на почтовый адрес, своего дома не имеет. Таким образом, одна из них, институция до сих пор вполне реальная, с музеем и библиотекой, в то время как другая, хотя и с живыми студентами – платоновская, виртуальная. И когда студенты Новой Академии посещают Академию старую, они в ней оказываются пришельцами из другого мира, призраками. Но зеркальность (почти фотографическая) ситуации заключается в том, что в здании реальной академии виртуальные пришельцы встречаются не с реальными образцами академического искусства (скульптурой и архитектурой), а их копиями (слепками и макетами), иначе говоря симулякрами, или по-простому, – привидениями. Экскурсия призраков из одного мира в дом с привидениями из другого и есть предмет фотосинтеза трех искусств, среди которых живопись давно уступила место фотографии». (Юр. Аввакумов)


^ 27 августа в 19:00 в галерее клуба "Муха" открытие выставки Марии Константиновой "Раздвоения". Вторая выставка проекта "Биографии". Куратор Леонид Тишков.  

Московский художник Маша Константинова входила в легендарный круг московского романтического концептуализма, была близким другом участников артгруппы "Коллективные действия", сохраняя в своем искусстве индивидуальность на протяжении многих лет. Немногочисленные работы раннего периода художника уже давно стали музейными шедеврами, а современные концептуальные объекты, сшитые из ткани или созданные из деревянных кубиков, поражают своей странностью и красотой. Выставка "Раздвоения" подчеркивает мистицизм удвоений, явление мира как орнамента или знака. Искусство Маши Константиновой - реальная частная мифология, когда даже коврик на полу или игрушка для кота значат не меньше, чем картина, исполненная масляными красками.
Выставка до 9 сентября 2002.

28 августа - 15 сентября  Фотографии Натальи Силаевой.


^ "Путешествие из Москвы в С-Петербург". Пеший переход.

Фото-акция, посвященная обеим столицам и пространству между ними.

Открытие: 1 сентября

Расстояние между Москвой и Петербургом составляет около 700 километров. Когда-то известный Радищев совершил путешествие из пункта П в пункт М, и написал об этом душераздирающую книгу. Тогда главной столицей был СПб, теперь - все с точностью наоборот. Казалось бы, сейчас технический прогресс сделал это перемещение гораздо проще и комфортней. Тесное купе, чай с пресловутыми подстаканниками, мельтешение картинок за окном - можно ли назвать этот стандартный сценарий путешествием? Отказываясь непосредственно, собственными телом узнать пространство, разделяющее города, мы, возможно, теряем очень важный опыт, некоторую сумму интересных случайностей и обстоятельств, которые могут встретиться на пути. Никаких автостопов. Никакого хиппизма. Никаких палаток и дешевой туристической романтики. Никаких женщин и детей. Это - мужская акция.

Двое фотографов: Дэн Каменский (С-Петербург), Антон Володин (Москва), члены творческого объединения "Студия 110" совершили пеший переход из Москвы с нулевого километра на Красной Площади до Дворцовой Площади в Санкт-Петербурге с 20 мая по 8 июня 2002 г.

Конечно, это еще и художественная акция, и как итог ожидается серия выставок в Москве и Петербурге.

Первая из них откроется в День города Москвы 1 сентября 2002 г.
в Музее и Общественном центре имени Андрея Сахарова.
На выставке будут представлены порядка 40 черно-белых тонированных фотографий авторской печати и путевые записки SMS-сообщений и видеоряд.

Дизайн выставки - Наталья Магидова.

Выставка открыта: 1 сентября - 15 сентября
Справки по тел. 923-44-20, 923-44-01.


^ 4 сентября МОСКОВСКИЙ ДОМ ФОТОГРАФИИ ( Остоженка, 18), ФЛАМАНДСКОЕ СООБЩЕСТВО БЕЛЬГИИ приглашают на выставку фотографий КАРЛА ДЕ КЕЙЗЕРА  - одного из самых ярких фотографов легендарного агентства Magnum, основанного Анри Картье-Брессоном и Робертом Капой в 1947 году. 
Карл де Кейзер начал работать в СССР в конце 80-х. Результатом его многочисленных поездок стали две книги: «U.S.S.R» и «Homo Sovieticus», в которых он запечатлел перемены, происходившие в стране. В это время многие западные фотографы приехали в Россию. Среди сотен фоторепортажей, работы Кейзера мгновенно притягивали к себе внимание. 
Карл де Кейзер, не романтик и не циник, он не осуждает и не преукрашивает, его камера просто фиксирует события. Кейзер никогда не снимает случайно, в его композициях не существует второстепенных деталей. Для автора одинаково важно все.  Отсутствие «заднего плана» создает, своего рода, технический парадокс. Можно сказать, что Карл де Кейзер - один из наиболее «артикулированных» фотографов.
В 2000 году Кейзер начал работу над проектом «Зона». На тот момент, под влиянием произведений Александра Солженицына, у него сформировалось вполне  определенное представление о русских лагерях: мрачность и серые цвета. Кейзер готовился работать с черно-белым изображением, но «зона» оказалась цветной. Это поразило фотографа. Полгода – три месяца зимой и три - летом, Карл де Кейзер снимал  исправительно-трудовые лагеря в Красноярском крае, переболел туберкулезом, уезжал, возвращался и продолжал фотографировать. Ему удалость показать «зону» изнутри, увидеть в ней Человека, доказать, что пока продолжается жизнь, люди остаются людьми, несмотря ни на что. Они адаптируются к новым условиям: украшают свои «дома», работают, болеют, общаются, занимаются спортом, ходят в церковь. Его видение разрушило стереотипы, создаваемые десятилетиями. Кейзер не просто сфотографировал лагерь и лагерную жизнь, он отразил витальную силу, проявляющуюся в людях, изолированных от социума, и часто лишенных надежды когда-нибудь в него вернуться.
Одновременно с вернисажем в выставочных залах Дома фотографии  выставка Карла де Кейзера «Зона» отркоется на фестивале «Visa pour l`image» в Перпиньяне (Франция). 
Безусловно, очень скоро она превратится в книгу, которая перевернет наше представление о «зоне» и тех, кто продолжает в ней жить.
Биография:
Карл де Кейзер (1958) – фотограф. Родился в Бельгии. 
Независимый фотограф с 1982 года. Сооснователь и содиректор фотогалереи "XYZ - Photography" в 1982-1989 годах. 
Преподает фотографию в Королевской Академии Изящных Искусств в Генте в 1982-89 годах. В 1995 преподает в Высшем Институте Искусств в Антверпене, в 2002 – в Школе Декоративных искусств в Париже. В 1990 году становится номинантом, а в 1994 членом фотоагенства Магнум. В творческой биографии де Кейзера более 40 персональных и 90 групповых выставок.
Премии:
"Фестиваль молодых бельгийских кинематографистов", 1-я премия за экспериментальный фильм, Брюссель 1982 / "Премия Hasselblad", Брюссель 1986 / "Гран При триеннале фотографии – Открытая фотография", Шарлеруа Бельгия 1986 / "Триеннале города Фрайбурга" Гран При, Фрайбург Швейцария 1988 / Премия "Louis-Paul Boon", Гент 1990 / "Премия Книги", Международный Фестиваль Фотографии, Арль Франция1990 / "Премия Eugene Smith", Международный Центр Фотографии, Нью Йорк США 1990 / "Премия критики - Kodak", Париж Франция 1992 / Ежегодная премия изящных искусств, Брюссель Бельгия 1995 / Книжная премия Kodak, Германия 1996 / Премия Fuji, Бельгия 2002
Книги:
"Oogspanning - Fotografie Carl De Keyzer 1981-1984", 1984 / "India - Carl De Keyzer" 1987, Издательство Focus Amsterdam / "U.S.S.R. - 1989 - C.C.CP. - Carl De Keyzer" 1989, текст Карла де Кейзера. Издательство Focus/SDU, Амстердам /Гаага / "Homo Sovieticus - Carl De Keyzer", текст Карла де Кейзера. Издательство Focus/SDU, Амстердам /Гаага,1989 / "God, Inc. - Carl De Keyzer". Издательство Focus, Амстердам,1992 / "East of Eden - Carl De Keyzer". Издательство Ludion, Гент, 1996.
"Tableaux d’Histoire - Carl De Keyzer". Издательство CNP, Париж, 1997 / “Henri Van de Velde - University Library”. Издательство Университетской Библиотеки, Гент, 1998 / “EVROPA - Carl De Keyzer”. Издательство Ludion, Гент, 1999
Коллекции:
Музей Современного Искусства (SMAK), Гент / Музей Фотографии, Шарлеруа / Музей Фотографии, Антверпен / Коллекция FNAC, Париж / Министерство Культуры Бельгии, Брюссель / Международный Центр Фотографии (ICP), Нью Йорк / Центр Искусств, Саламанка.


^ 22 августа - 8 сентября в В Центральном доме художника на Крымском Современное искусство России и Белоруссии.
Центральный Дом художника (Москва, Крымский вал, 10)
и Галерея WebKunsthaus (Весслинг, Германия) представляют выставку "Этот чудесный мир". На выставке представлены работы Людмилы Шемелёвой, Владимира Литышева, Игоря Римашевского, Алексея Хусточко (Минск, Москва, Новосибирск). Выставка будет работать с 22 августа по 8 сентября в зале N11. Открытие состоится 22 августа в 17.00.
Современное искусство России и Белоруссии представлено на выставке произведениями четырех художников из Минска, Москвы и Новосибирска. Работая в разных направлениях, от наивного искусства до пейзажной лирики, они стремятся отразить в своих произведениях многообразие и красоту "этого чудесного мира"> 


^ С 6 июля III Фестиваль "Современное искусство в традиционном музее". Санкт-Петербург.

Петербургский фонд культуры и искусства «Институт ПРО АРТЕ» приглашает  посетить проекты Фестиваля «Современное искусство в традиционном музее».

Фестиваль пройдет в Санкт-Петербурге с 6 по 31 июля. 
Церемония открытия Фестиваля состоится 6 июля в 12.00 в Петропавловской крепости  (Институт ПРО АРТЕ).
6 (суббота) и 7 (воскресенье) июля между музеями будет курсировать бесплатный маршрутный транспорт.

Основная идея Фестиваля – содействие сближению традиционной культуры и современного искусства, модернизация деятельности петербургских музеев и повышение их статуса.

Как и в прошлые годы, Фестиваль проводит Петербургский фонд культуры и искусства «Институт ПРО АРТЕ» при поддержке Фонда Форда, Института «Открытое Общество» (Фонд Сороса), Государственного музея истории Санкт-Петербурга, а также Комитета по культуре Администрации Санкт-Петербурга.

В Фестивале участвует 12 музеев Санкт-Петербурга, в пространстве которых будут осуществлено 13 проектов российских и зарубежных художников.
Очень разные музеи и очень разные проекты объединяет то, что все они стали победителями проводимого «Институтом ПРО АРТЕ» субгрантового конкурса, на средства которого и существует вот уже третий год Фестиваль «Современное искусство в традиционном музее».

В 2002 году вы сможете посетить музеи и ознакомиться с творчеством художников, чьи проекты представлены в них: 
Музей антропологии и этнографии им. Петра Великого РАН (Кунсткамера) – Герман Виноградов (Москва), Музей-квартира А.И. Куинджи – Юрий Васильев (Калининград), Музей С.М. Кирова – Слава Мизин (Новосибирск) и Александр Шабуров (Екатеринбург), Музей научно-исследовательского института экспериментальной медицины Российской академии медицинских наук – Евгений Стрелков (Нижний Новгород), Мемориальный музей А.С. Попова – Егор Остров (Санкт-Петербург), Государственный музей политической истории России – Леонид Руснак (Санкт-Петербург), Музей Александринского театра – группа «Мусорщики» (Санкт-Петербург), Российский государственный музей Арктики и Антарктики – Ольга Киселева (Санкт-Петербург – Париж) и художники «Института ПРО АРТЕ», Литературно-мемориальный музей Ф.М. Достоевского – Дмитрий Булатов (Калининград), Музей истории революционно-демократического движения 1880-1890 гг. – Елена Ковылина (Москва), Санкт-Петербургский музей В.В. Набокова – Барбара Блюм (Нью-Йорк), Андрей Чежин и Дмитрий Мишенин (Санкт-Петербург), Особняк Румянцева – Александр Ракштейн и Вера Хлебникова (Москва). 

В рамках Фестиваля будут проходить Круглые столы и перформансы:

6 июля (суббота) в 16.00 в музее Арктики и Антарктики состоится символический раздел Антарктиды при участии консулов 12 стран, подписавших 1 декабря 1959 г. в Вашингтоне Договор об Антарктиде, запрещающий всяческие разработки этой территории, кроме научных.

7 июля (воскресенье) в 17.00 в музее Арктики и Антарктики - 

Круглый стол "Полярности в современном искусстве".

8 июля (понедельник) в 18.00 на выставке в Особняке Румянцева - 

Круглый стол "Искусство как вещественное доказательство". 

9 июля (вторник) в 17.00 в музее А.С.Попова (ЛЭТИ) - 

Круглый стол "Неоакадемизм в XXI веке". 

На конкурс принимались заявки от музеев Санкт-Петербурга в рамках III-го фестиваля Института ПРО АРТЕ "Современное искусство в традиционном музее". Всего поступило 45 заявок, поддержано 13 проектов в 12 музеях (4 проекта от
петербургских и московских художников, 2 проекта, подготовленные калининградскими художниками, по 1-му проекту - художниками из Нижнего Новгорода, Екатеринбурга и Новосибирска, США). Открытие третьего фестиваля "Современное искусство в традиционном музее" состоится 6 июля 2002 года. К открытию фестиваля будут изданы буклет и брошюра.

Проекты - победители:

1.Музей: Музей академика И. П. Павлова Института физиологии РАН
Проект: “Техногенез: хромофаза”
Автор: Е. Стрельцов ( Н.Новгород)

2. Музей: Особняк Румянцева
Государственный музей истории Санкт-Петербурга
Проект: “Случай А. К.”
Автор: А. Ракштейн, В. Хлебникова (Москва)

3. Музей: Мемориальный музей А. С. Попова государственного электротехнического университета “ЛЭТИ” им. В. И. Ульянова (Ленина)
Проект: “Видения профессора Попова”
Автор: Е. Остров (Санкт-Петербург)

4. Научно-исследовательский музей Российской Академии Художеств  (Музей-квартира Куинжи)
Проект: “Русский красный/Russian Red”
Автор: Ю. Васильев (Калининград)

5.Музей антропологии и этнографии им. Петра Великого (Кунсткамера)
Проект: “Бикапония Небесного леса”
Автор: Г. Виноградов (Москва)

6.Музей: Санкт-Петербургский музей театрального и музыкального искусства
Проект: “Современная Археология”
Автор: О. Головко (Санкт_Петербург)

7. Музей: Санкт-Петербургский музей В. В. Набокова
Проект: “Демонстрация незагорелых частей тела”
Автор: А. Чежин, Д. Мишенин (Санкт-Петербург)

8. Проект: “Never Odd or Even”
Автор: Барбара Блюм (США)

9.Музей: Музей-квартира Кирова
Проект: “Музейный телесериал”
Автор: В. Мизин, А. Шабуров (Новосибирск, Екатеринбург)

10.Музей: Музей истории революционно-демократического движения 1880 - 1890 годов
Проект: “Комитет “Красная обитель”
Автор: Е. Ковылина (Москва)

11. Музей: Российский государственный музей Арктики и Антарктики
Проект: Скрещенное пространство
Автор: О. Киселева (Париж)

12.Музей: Государственный музей политической истории России
Проект: “Интерполяция”
Автор: Л. Руснак (Санкт-Петербург)

13.Музей: Литературно-мемориальный музей Ф. М. Достоевского
Проект: “Территория эха. Музей лингво-акустической сдеды”
Автор: Д. Булатов (Калиниград)


^До 25 августа в Лаврушинском

Владимир Баранов-Россине, представитель русского авангарда, живописец, музыкант, разработавший теорию светомузыки.
Выставка произведений В.Д.Баранова-Россине, прежде представленная в Русском музее, демонстрируется теперь в Третьяковской галерее. В ее составе - более 100 произведений, созданных в 1900 - 1930 гг. Подавляющее большинство работ происходит из частных парижских и лондонских собраний, 6 картин привезены из Русского музея. Выставка впервые знакомит российских зрителей с творчеством художника, мало известного в России, но достаточно широко представленного в зарубежных и личных коллекциях. 200 работ из парижского частного собрания.


С 18 июля до 18 августа бутик James (Тверская, 28) представляет выставку "Раскрашенная фотография в России 1850-1950"
Многие любители фотографии в России предпочитают черно-белое: оно отстраненнее и философичнее, чем яркая броскость цвета. Однако цвет в фотографию, от рождения монохромную (читай: черно-белую), стал просачиваться с самых первых лет ее существования. Фотографию расписывали, раскрашивали, расцвечивали, по ней живописали еще в 1840-х – за пятьдесят лет до появления первых собственно фотографических способов получения цветного изображения. 
В те времена цвет позволил фотографии стать похожей на живопись маслом или акварелью и войти в гостиные богатых заказчиков наравне с произведениями других видов искусства. Позднее цвет в фотографии выполнял разные роли: он придавал фото изящество миниатюры; оживлял и молодил лица – как всякая ретушь; усиливал правдоподобие иллюзии реальной жизни на «карточке». Раскраска стала одной из тех тропинок, которая привела фотографию к современным технологиям,
мультимедиа и созданию виртуальной реальности.
Раскрашивали фотографию мастера разного полета. Среди живописцев по фотографии были и великие художники Крамской, Шишкин, и неизвестные студийные ретушеры. Между этими полюсами находились знаменитые фотографы-живописцы, сама реклама которых возвещала о возможности создания «настоящих живописных портретов» по фотографиям; их студии в обеих столицах, Петербурге и Москве, находились по центральным проспектам и улицам, располагались на Невском и Тверской.
В зависимости от заказчика стиль раскрашенных фотографий менялся: от благородных нежно-изысканных акварелей для дворян (среди которых были Романовы, Толстые, Тютчевы) до ярмарочных – для солдат и посетителей увеселительных заведений – пестрых цветовых коллажей. Именно последними фотографиями так восхищались в начале ХХ века русские художники-авангардисты, видя в них (так же, как в вывесках, ковриках и т.п.) истинное проявление городского народного искусства.
В конце XIX - начале ХХ веков раскрашенная фотография привлекла внимание фотографов-пикториалистов; ей отдали должное такие мастера, как Алексей Мазурин, Николай Андреев. Раскраска стала для них одним из способов создания уникальных синтетических произведений, соединявших фотографию и живопись, наблюдение натуры и «память души», запечатленную красками, рукотворно.
История раскрашенной фотографии продолжалась и в последующие годы: раскраску, как мастерскую ретушь, использовали для создания парадных портретов актеров, героев, вождей – например, Иосифа Сталина.
«Русская раскрашенная фотография» – выставка первых цветных фотографических картинок виртуальной реальности, точной, как сама жизнь, и искусной, как воображение ее создателя.
Экспозиция охватывает 100 лет из истории русской раскрашенной фотографии и состоит из работ разных жанров: портрет, ландшафт, натюрморт, этнографическая фотография. Фотографии выполнены в сложных техниках печати и раскраски. Выставка включает 50 произведений как известных, так и забытых ныне авторов из коллекции Михаила Голосовского.
Выставка предоставлена Государственным музейно-выставочным центром РОСИЗО>


^ До 15 августа Министерство культуры РФ, Министерство культуры Республики Греция, Государственный Исторический музей, Посольство Греции в Российской Федерации представляют выставку "На краю Ойкумены. Греки и варвары на северном берегу Понта Эвксинского". Выставка посвящена взаимоотношениям двух миров, сосуществовавших в течение тысячелетия на краю Ойкумены - мира античной цивилизации и мира варваров, представленного кочевниками причерноморских степей. В экспозиции можно увидеть как противопоставление греческой и варварской культур друг другу, так и общие для них черты.
Исторический музей на Красной  площади.


^ C 26 июля по 6 августа С.АРТ галерея (Москва, Земляной вал, дом 14, вход с Малого Казенного переулка)
приглашает в ШКОЛУ НАРОДНОГО ОБРАЗОВАНИЯ, на ЛЕКЦИЮ № 3 Константина БАТЫНКОВа - МОРСКОЙ БОЙ/ ИЛЛЮСТРАЦИИ К ИЗВЕСТНОЙ ДЕТСКОЙ ИГРЕ.

Царь Петр Алексеевич хотел видеть Россию великой морской державой и на это потратил много физических и душевных сил. Начинал с малого. С Плещеева озера, что в Переславле-Залесском. На нем кораблики запускал и игрушечные баталии устраивал. Закончил большим. Прорубил окно в Европу. На Балтийском море. Где уже с настоящим флотом шороху на весь скандинавский мир навел. Позже, на другом море – Черном, Федор Ушаков славно с турками в конфликт вступил и в полный конфуз их ввел. Силой русского оружия.
С тех пор в России принято торжественно отмечать сие случившиеся факты морской истории, присовокупляя к ним новые виктории. Но с таковыми после Ушакова появились большие проблемы. Флот, конечно же, свою жизнь продолжил. Только морской славы себе за прошедшее время с той поры не прибавил.
Когда у военных нет побед, то они их придумывают. Когда придумать сложно, то в ход они пускают самое проверенное оружие – доклады о проявленном мужестве, о невиданной силе духа, о чудесах самопожертвования. История российского флота за последние полтора века – это бесконечная история поражений. Но не простых, а героических. И это не случайно, поскольку героическая смерть подчиненных для генералов и адмиралов – это больше чем победа. Потому, что кощунственно обвинять кого-либо в ситуации, когда героически отдана жизнь за наше счастье жить. Вопрос, правда, тут возникает простой - с кем жить то? С теми же генералами и адмиралами, конечно… Поскольку умеют они патриотический пафос в народе поддерживать. Даже в самой безнадежной ситуации.
Говорят, что никто никогда в мире не смог бы потопить подводную лодку “Курск”. Никто, кроме русских адмиралов. Они свое умение миру и показали. А для того, чтобы не было огорчительно народу, мужественно подняли ее со дна моря. Со слезами победителей на глазах. При этом фирма “Мамут” просто выполняла свою работу, а наши, конечно же, в это время совершали подвиг. За что и были отмечены правительственными наградами. Не считая мелких брызг, которые всегда достают военных чиновников при заключении государственных контрактов с иностранной фирмой.
Возможно это и не так, но в другое почему-то уже никто не верит. Даже дети, которые от мутоты, рассказываемой им на уроках истории, придумали игру в настоящее морское сражение, в котором выигрывают не просто мужеством и стойкостью, а смекалкой и расчетом. Как в старые петровские времена. Когда звезды на погонах и деньги за мертвых душ не идут в счет. Морской бой – игра называется.
Что же до адмиралов, то они продолжают свои сражения проводить. Всем известные, несмотря на строжайшую засекреченность, Которые если и выходят за берега служебных кабинетов, то исключительно в целях рекогносцировки на местности, приближенной к размерам банного бассейна. Такая игра очень популярна во власти, поскольку ее представителям жизненно необходима. Кто в эту игру не играет, тот никогда ничего не выигрывает.
Помощник лектора Петр ВОЙС


^  Продолжается перформанс «12&12&12&12&12&12» Императора ВАВА. Приглашаем Вас на 8-ю часть этого годового перформанса, которая, как и предыдущие, состоится на станции метро «Комсомольская» - радиальная, середина балкона 12 августа с 18.00 до 18.12.
Часть восьмая «PS (антистадность)».
1.    Есть только одно перманентное состояние: война. Учиться бояться надо у детей и стариков, они умеют это делать по-настоящему. Они же умеют правильно переживать безысходность боли и бытия. Срединный же возраст неизлечимо спектакулярен.
2.    Смирение, -высшая форма ненависти.
3.    Пример 100% спекулятивности, -эксплуатация левого дискурса «продвинутыми» интеллектуалами. Это чистейший цинизм, от которого искусство будет избавляться.
4.    Нет чистого «внутреннего», есть компромисс с отражением «внутреннего».
5.    В российском искусстве существует единственная проблема, -проблема ликвидности произведения, в свою очередь обусловленная наличием экономического и личностного фактора.  «Личностный фактор» должен освобождаться от дешевого демократизма и мастурбирующего мазохизма «неизбежности». Соответственно, пока не может быть и речи ни о какой «буржуазности», с которой надо бороться.  Прежде чем стрелять в зверя, его надо хотя бы иметь в наличии.
6.    Следовательно, сегодня честнее, а значит, радикальнее быть сверхбуржуазным постреалистом.
7.    Если вам говорят, что «всё это уже было», значит, вы на правильном пути. 
8.    Быть сверхбуржуазным, -это значит быть аристократом по духу и пункером по мировоззрению, быть постреалистом, -это значит уметь пользоваться постсингулярным инструментарием. 
9.    Всеобщая валоризация в виду энтропии заблуждений.
10.           Отсутствие наличия пролегоменов запрещено.
11.           Любой элемент  PS консистентнен.
12.           Редукция неизбежна.
Император ВАВА                                    12 августа 2002г.


^ Выставка, фестиваль и конференция Deaf Way II состоялся в июле 2002 года в Вашингтоне. Организатор - университет Gallaudet Планируется около 10000 участников. Художников - 400. Заявку можно было оформить онлайн на сайте www.deafway.org или почтой arts@deafway.org


^ В Музее Архитектуры:

27.06 - 24.07
ПОДЗЕМНЫЙ РАЙ ПРОЛЕТАРИАТА
Девятая выставка абонемента "Год Марии Рогозиной"
Из фотоколлекции музея
Анфилада Главного здания

Открытие года Гауди.
18.06 - 27.07
Под эгидой Института Сервантеса.
Анфилада Главного здания

Антони Гауди (1852-1926) является, одним из наиболее известных архитекторов всех времен и народов. Многие уверены, что это был гений. Некоторые, даже, думают, что он был святым. Архитектурное наследие Гауди прославило Барселону и стало символом вклада культуры Каталонии в великую книгу мировой культуры. Фотографический взгляд на шедевры Гауди плавно изменялся в ходе развития самого фотоискусства. Дело не столько в росте технических возможностей фотографии, сколько в эволюции эстетических принципов. На первых порах, фотография, априори предполагающая объективность, явилась бесспорным средством создания икон «гаудинианства», ставших известными во всем мире. Позднее более очевидным явилось то, что в творениях Гауди монументальность цельного образа тесно связана с изысканностью множества мельчайших деталей. Авторы, избранные для этой выставки, – Манел Арменгол, Тони Катань, Манел Эсклуза, Марк Льимаргас, Леополд Помес, Умберто Ривас и Рафаел Варгас – вошли в самое непосредственное общение с миром Гауди, что позволило им открыть для нас многомерность поэзии, эстетики, фантазии, неоднозначности и, наконец, тайны, окружающей творения архитектора. Антони Гауди был, если можно так выразится, архитектором-реалистом – в том смысле, что он стремился к обретению утраченной, по его мнению, гармонии с реальностью. Формы, создававшиеся Гауди, берут свое начало непосредственно от природы. Пластика Гауди, при всем своем мистицизме, никогда не была выражением абстрактных идей – напротив, она была чувственной и наполненной конкретными предметами. Гауди говорил своему ученику Мартинелю: «У нас, людей средиземноморской культуры, глаза не привычны к фантастическим картинам, нам приятнее знакомые изображения; мы мыслим скорее реальными образами, чем фантазиями, и потому мы лучше выражаем себя через визуальные искусства». Первое, что приходит на ум, каждого неофита гаудианства – например, туриста, случайно увидевшего любой из домов Гауди и замершего в восхищении – это дерзновенность. Гауди жил в эпоху модерна, но его творчество перешагнуло далеко за рамки этого течения и, даже, сегодня продолжает изумлять дерзостью форм и линий. Второе качество – это скрупулезность. Дух эксперимента является секретом творчества Гауди, методичную тщательность в деталях которого в полной мере оценить может только специалист. Творчество Гауди, сопротивляется против подведения под какую-либо классификацию, оставаясь, при этом, весьма каталонским феноменом. Ведь Каталония это еще и Люль, Миро, Дали и Тапиес! Фотографы, которые сегодня запечатлели для нас образы Гауди, также демонстрируют свою каталонскую специфику. Каталонцы, язык которых в течение столетий был предан остракизму, подобно глухонемым, развили в себе особую выразительность жеста. Все, что предшествует Слову, и все, что следует после Слова, лучше всего выражается в творчестве каталонских художников. От египетских пирамид и до появления Гауди архитектура базировалась исключительно на евклидовой геометрии и осваивала пространство с помощью угломера и компаса. Гауди творит так же, как природа творит минералы и деревья, как она творит человеческое тело. Гауди строит, используя геометрию гармонического роста, движущуюся путем перераспределения напряжений и стремящуюся к динамическому равновесию. «Жизнь волнообразна» – сказал Монтень. Гауди подтвердил это. Он ясно видел, что у природы нет прямых линий, кроме тех, которые человеческий разум хочет в ней найти. Если присмотреться к текучим камням Гауди: к фасаду Дома Батльо, подобному морской волне, или к волнообразному фасаду дома Ла Педрера, подобному обветренной скале, то можно увидеть то же самое, о чем говорят нам текучие часы Дали – утверждение о многомерности мира.

^ 19 июля  в выставочных залах Московского Дома фотографии по адресу: Остоженка, 18 в рамках программы «Классики российской фотографии» музей «Московский Дом фотографии» впервые представил ретроспективу всемирно известного советского фотокорреспондента Дмитрия Бальтерманца, приуроченную к 90-летию со дня рождения автора.
Дмитрий Николаевич Бальтерманц родился 13 мая 1912 года в Варшаве, входившей тогда в состав Российской империи. В 1915 году, с началом Первой Империалистической войны, семья адвоката Бальтерманца, отчима Дмитрия, переехала в Москву. В годы революции их квартиру превратили в коммуналку, оставив Бальтерманцам одну комнату, где прошла почти вся жизнь фотографа. После смерти мужа, мать Бальтерманца, знавшая несколько иностранных языков работала машинисткой в Издательстве иностранной литературы, а Дмитрий, с 14 лет был вынужден подрабатывать в типографии «Известий», где помогал оформлять уличные витрины фотографиями, пропагандирующими лучший в мире советский строй. Одновременно, Бальтерманц  помогал устанавливать аппаратуру на съемках  мэтров фотографии того времени. 
В 1939 году Дмитрий Бальтерманц закончил механико-математический факультет Московского Государственного Университета и стал преподавателем математики в Высшей военной академии, получив звание капитана. Через несколько месяцев раздался звонок из «Известий».  Дмитрию предложили поехать в командировку и сделать репортаж о вводе Советских войск на территорию Западной Украины.  «На размышления ушло не много времени  - душа уже была отравлена фотографией, осталось взять в руки фотоаппарат», - вспоминает дочь фотографа – Татьяна Бальтерманц. В ее архиве, к сожалению,  не сохранилось негативов этого репортажа, однако именно эта поездка решила его судьбу - Бальтерманц был  зачислен в штат «Известий» и стал профессиональным фотографом.
Началась II Мировая Война. В 1941 году немецкие войска подошли к Москве. Известная ныне фотография «На дорогах войны» была сделана примерно в двадцати километрах от Москвы. Она, как и многие фотографии Бальтерманца, не была опубликована в военное время. Пресса была призвана поднимать дух народа, утверждать пафос победы, не показывая трагизма потерь. 
В 1942 году Бальтерманц на несколько дней вернулся из-под Сталинграда в Москву – он должен был проявить и напечатать фотографии о первых победах на этом фронте. Среди снимков, оставленных сушиться на ночь в редакции, были фотографии, напечатанные с пленок, снятых еще под Москвой. Ночью, в отсутствие фотографа, руководство газеты решило срочно поставить в утренний номер один из снимков Бальтерманца. Была выбрана фотография с двумя пленными немцами, и дана подпись - пленные немцы из-под Сталинграда. В действительности, это фотография была сделана еще под Москвой. Утром обнаружилась роковая ошибка. Руководство списало ответственность на фотографа, Бальтерманц был разжалован в рядовые и направлен в штрафной батальон.   Тяжелое ранение в одном их первых боев спасло его от смерти, которой обычно заканчивалась служба «штрафников». После госпиталя Бальтерманца, «смывшего вину кровью», реабилитировали и направили фотокорреспондентом во фронтовую газету «На разгром врага», в которой он проработал до самой Победы в составе войск Первого Украинского фронта. 
Большинство фронтовых снимков Бальтерманца, в частности легендарный снимок «Горе» (1942), ставших классикой мирового военного фоторепортажа, были напечатаны спустя десятилетие  после окончания войны – с началом хрущевской оттепели. Бальтерманц, постоянно работавший со своим архивом, отобрал небольшое количество снимков, ставших общечеловеческой метафорой трагедии войны.  Персональные выставки в Лондоне (1964), Нью-Йорке (1965), Париже (Первый Международный Месяц фотографии, 1990) и др. превратили эти сюжеты в символы, известные всему миру.
Дмитрий Бальтерманц был награжден многими орденами и медалями, однако, после войны от сотрудничества с бывшим «штрафником» отказывались все крупные советские издания. Лишь А.А. Сурков  - главный редактор «Огонька» - пригласил его в свой журнал, где Дмитрий Бальтерманц работал до конца своей жизни, сначала фотокорреспондентом, а затем заведующим фотоотдела. После войны, «Огонек»,  один из лучших иллюстрированных журналов СССР, начал печатать цветные фотографии, и снимки Бальтерманца стали классикой «раннего цвета».
Несмотря на то, что карьера Бальтерманца по советским меркам была очень успешна: он много снимал, много публиковался, имел возможность работать за границей, его выставки устраивались в СССР и за рубежом – Бальтерманц никогда не был советским фотографом. Его блестящий профессионализм, безупречное чувство композиции, врожденный аристократизм позволяли ему, нормально ладившему с советской властью, всегда оставаться независимым художником-космополитом. Даже в самых лиричных снимках Дмитрий Бальтерманц умел дистанцироваться от происходящего, поэтому большинство его работ – не просто фотоархивация российской истории, но и своеобразная философская метафора своего времени.
В 1985 началась Перестройка, весь мир приветствовал приход к власти Михаила Горбачева. «Огонек», в котором по-прежнему работал Дмитрий Бальтерманц, стал символом перемен в СССР. В эти годы все свободное время Бальтерманц отдавал работе со своим архивом, заново отбирая «выставочные отпечатки». С наступлением эры гласности он получил возможность публиковать свои лучшие снимки, которые в советское время не укладывались в рамки официального стиля.
Визуальный язык Дмитрия Бальтерманца, по сравнению с другими современными фотографами,  оказался более других понятным для западных экспертов и зрителей. Поэтому, он -  один из немногих советских фотографов, еще при жизни получил признание за рубежом. Джозеф Куделка делал его портреты и  дарил ему эти снимки на память; его знали и любили Анри Картье-Брессон, Марк Рибу, Робер Дуано и другие мэтры Европейской фотографии. Бальтерманца боготворили друзья и коллеги в России. Этот сильный, умный, мужественный и красивый человек написал свою историю страны, которая сегодня так востребована в России. 


^ Обескураживающий знатоков современного западного искусства факт. Самым богатым из нынешних британских художников уже не первый год является мало кому известный Andrew Vicari. TheAge назвал его "королем живописцев и живописцем королей". В прошлом году одному только Саудовскому принцу Vicari продал работ на 46 миллионов американских денег. В этом году некая фирма из Эль-Рийяда за 28 миллиолнов купила серию картин "Война в Заливе". В списке самых богатых британцев (Sanday Times) Vicary 18-й, следом за сэром Полем Маккартни и впереди актера Энтони Хопкинса.

Вообще Vicari очевидно люб восточным людям. В Китае устраивают его ретроспективные выставки. В Саудовской Аравии ТРИ музея лучшего по мнению сауди живописца. В Европе же Лучший довольствуется ролью официального художника Интерпола - не чурается любой работы.

Vicari при всех своих капиталах в обиде на британских, да вообще на западных интеллектуалов. "Я ученик Фрэнсиса Бэкона, мои работы хвалил Сартр, Труман Капоте - мой друг, мы жили рядом в Риме. Орсон Уэлс ценит мое творчество" (Николай Сафронов видно идет по его стопам. Ю П).

Мне нравится быть богатым. Что плохого в том, что я самый высокооплачиваемый художник в мире? Я, что, кому-то мешаю? Пусть другие заработают еще больше". Vicari 63 года. Родители его итальянцы, вырос он в Уэльсе, а сейчас живет в Рийяде, Монте-Карло и Ницце. В каждом из этих мест у него особняки.

Сам себя он оценивает как последнего живописца - продолжателя традиции Гойи, Рубенса, Веласкеса и Рафаэля. Он очень гордится иногда доставляемыми ему письмами с простым адресом: Королю живописи. Монако.

Не меньший предмет его гордости - Золотая медаль за достижения в живописи, которую он получил в 12 лет в Уэльсе.
Поначалу он сделал карьеру монаршего и звездного портретиста - Франсуа Миттеран, Мао Дзе Дун, София Лорен, Принц Монако - самые известные из его моделей. Деньги же потекли с 74 года, когда он стал официальным художником правящей Саудовской семьи. Известно, что правоверные не приемлют портретирования - когда художник пишет портрет, он отбирает часть души. Так вот, непостижимым образом для портретов Vicari сделано исключение. С 91 года он еще и баталист. 225 картин, некоторые высотой в 10 метров, составили серию From War to Peace in the Gulf: The Liberation of Kuwait. И не только саудовские шейхи в восторге от его батальных и портретных шедевров. Генералу Шварцкопфу настолько понравился портрет, что он подарил Vacari камуфляж, в котором прошел всю операцию.
Самое последнее достижение Короля живописцев - серия Генезис Арабских скакунов. Тут уж цены взлетят до небес. Обойдет он, похоже, не только сэра Пола Маккартни.

Ю П


^ Лондонские художники Damien Hirst и Tracey Emin настолько знамениты в Англии, что вполне могут соперничать с кино звездами по частоте попадания на первые полосы таблоидов. Похоже дело дошло до того, что они могут стать и кино звездами. По крайней мере теоретически, так как их приглашают к участию в фильме по новелле Boogie Woogie (Danny Moynihan). Подробнее>
Hirst.jpg (11959 bytes) Damien Hirst на фоне своего анатомического монстра.


12 июня – 21 июля в ГМИИ (в музее личных коллекций) выставка Бориса Игнатовича, классика отечественной фотографии.
Из собрания ГМИИ им.А.С.Пушкина, Галереи Алекса Лахманна (Кельн) и других частных коллекций.

Борис Всеволодович Игнатович (1899 –1976)- один из пионеров фотожурналистики 1920-х годов, мастер "левой" экспериментальной фотографии. Авторские отпечатки Игнатовича, хранятся в частных и музейных коллекциях, в том числе и ГМИИ им. А.С.Пушкина. Их ценность проверена временем, стала абсолютной, как и ценность работ других великих фотомастеров России ХХ века: В.Буллы, Ю.Еремина, Л.Лисицкого, М.Наппельбаума, А.Родченко, А.Шайхета. Самые известные снимки Игнатовича, такие как "Контроллеры на заводе “Динамо", "У Эрмитажа", "Исаакий", "Молодость", являются классикой не только отечественной, но и мировой фотографии. На выставке в Музее личных коллекций представлено около 90 винтаджей – авторских отпечатков, причем значительная часть экспонатов – из собрания Государственного музея изобразительных искусств имени А.С.Пушкина.

Игнатович стремился преодолеть традиционные представления о границах между репортажной и художественной фотографией. Его работы начала 30-х годов позволяют говорить об уникальной практике конструирования фотоизображения. Именно этот метод привел Игнатовича к созданию уникальных фотографических изображений, что позволило использовать обычную репортажную съемку для нового, неожиданного осмысления природы изображения, приблизило мастера к подлинным открытиям в области фотографии. Посетители выставки имеют уникальную возможность оценить фотографии не в типографском, газетном или журнальном, воплощении, – Борис Игнатович всю жизнь работал фотокорреспондентом различных газет и журналов, - а внимательно разобраться в сложной системе предпочтений и приемов, оценить новизну визуальных концепций фотомастера.


^ МОСКОВСКИЙ ФЕСТИВАЛЬ МАЯКОВСКОГО
поэзия /визуальные искусства /перформанс /видео /плакат /кино

7-19 июля 

Идея и организация: «Футуризм.Ру». Со-организаторы: Государственный музей В.В. Маяковского, Академия графического дизайна, Зверевский центр современного искусства, L-галерея, Союз молодых литераторов «Вавилон», LiniaGrafic. Партнеры: Государственный литературный музей, Московский международный форум 
художественных инициатив'02, Музей кино. Информационная поддержка: Афиша, Еженедельный Журнал. Официальный сайт http://www.futurism.ru 

Пресс-релиз

С 7 по 19 июля 2002 г. в Москве впервые пройдет Фестиваль Маяковского, приуроченный к 109-й годовщине со дня рождения самого  знаменитого после Пушкина русского поэта. Фестиваль Маяковского -  независимый культурный проект, объединяющий "музейный" подход к фигуре  Маяковского с "актуальными" художественными проектами. Фестиваль призван  собрать талантливое искусство "на всех фронтах" - в поэзии, визуальных  искусствах, дизайне.  Одной из главных площадок Фестиваля станет Музей В.В. Маяковского в  Лубянском проезде, уникальное экспозиционное пространство, организованное  вокруг рабочего кабинета поэта. В музее пройдут три поэтические программы  "Поэт и власть", "Поэт-экспериментатор", "Говоря от первого лица", а   также два вечера архивного кино. В программе фестиваля - выставка современного искусства "Маяковский продолжается" в L-галерее, выставка  "Шершавым языком. Плакат" и "Футурбал" в Зверевском центре современного  искусства, художественные акции в городе. В рамках Фестиваля пройдет  круглый стол на тему "Художник и власть. Проблемы "левого" искусства".  Владимир Маяковский (7(19).VII.1883 - 14.IV.1930) - грандиозное  событие в искусстве и общественной жизни страны. Молодость поэта прошла  под знаком футуризма, новаторства в искусстве и борьбы с канонами  прошлого. После 1917 г. Маяковский становится "глашатаем революции",  пытается включиться в строительство новой жизни. После смерти поэта его  фигура стала объектом идеологического конструирования с необходимым  замалчиванием отдельных фактов его биографии, культивированием образа  революционного поэта. Подобная политика власти надолго определила  двойственное отношение к Маяковскому в эпоху разрушения прежних идеалов.  Однако сегодня приходит время осознания обществом объективного величия и  актуальности его таланта. По словам Цветаевой, "оборачиваться на  Маяковского нам, а может быть, и нашим внукам, придется не назад, а  вперед".  Представленные на фестивале художественные проекты отражают  современное восприятие творчества и личности Маяковского, рефлексируют по  поводу мифа советской эпохи о Маяковском, обращаются к эстетике русского  искусства 10-20-х гг., задействуют ряд актуальных в контексте Фестиваля  тем, таких как проблема Автора, эпатаж и радикализм как художественные  стратегии, общественная и политическая активность художника. Кем является  Маяковский для тех, кто творит сегодня - Учителем, Оппонентом, Товарищем  или Классиком - покажет этот Фестиваль.   

программа мероприятий

7.07.вс
19:00
Открытие фестиваля
м. "Маяковская"

8.07.пн
19:00
Зверевский центр современного искусства
ШЕРШАВЫМ ЯЗЫКОМ. Плакат. Выставка до 19.07.

9.07.вт
18:00
L-галерея
МАЯКОВСКИЙ ПРОДОЛЖАЕТСЯ. Видео, инсталляция, объект, 
фотография. Выставка до 19.07

10.07.ср
18:00
Государственный музей В.В. Маяковского
ПОЭТ И ВЛАСТЬ. Поэтическая программа

11.07.чт
18:00
Государственный музей В.В. Маяковского
ПОЭТИЧЕСКИЙ ЭКСПЕРИМЕНТ. Поэтическая программа

12.07.пт
18:00
Государственный музей В.В. Маяковского
ГОВОРЯ ОТ ПЕРВОГО ЛИЦА. Поэтическая программа

15.07.пн
18:00
Государственный музей В.В. Маяковского
АРХИВНАЯ КИНОПРОГРАММА
ТРОЕ (1927); ДЕКАБРЮХОВ И ОКТЯБРЮХОВ (1927)
Автор сценария - В. Маяковский
ПРИКЛЮЧЕНИЯ МИСТЕРА УЭСТА В СТРАНЕ БОЛЬШЕВИКОВ
Режиссер - Лев Кулешов

16.07.вт
17:00
МГВЗ "Новый Манеж"
ХУДОЖНИК И ВЛАСТЬ. ПРОБЛЕМЫ "ЛЕВОГО" ИСКУССТВА Круглый 
стол

17.07.ср
18:00
L-галерея
Видеопрограмма

18.07.чт
18:00
Государственный музей В.В. Маяковского
АРХИВНАЯ КИНОПРОГРАММА
БАРЫШНЯ И ХУЛИГАН (1918) В гл. роли - В. Маяковский
КИНОГЛАЗ Режиссер - Дзига Вертов

19.07.пт
19:00
Закрытие Фестиваля
Зверевский центр современного искусства
ФУТУРБАЛ. Перформанс, поэзия, музыка

Адреса: Государственный музей В.В. Маяковского, Лубянский пр., 3/4, тел. 
921 95 60; ГВЗ "Новый Манеж", Георгиевский пер., 3/3, тел. 292 15 56; 
Зверевский центр современного искусства, Новорязанская ул., 29, стр.2, 
тел. 265 61 66; L-галерея, Октябрьская ул., д. 26, тел. 289 24 91.

официальный сайт Фестиваля - www.futurism.ru
Контактный тел. 366 0403, e-mail: lazareva@futurism.ru.

выставка ШЕРШАВЫМ ЯЗЫКОМ. Плакат 
Зверевский центр современного искусства
9-19 июля 2002 г. 
вернисаж 8 июля 2002 г. в 19:00

Татьяна Антошина, Ирина Болдырева, Герман Виноградов, Арчи Галенц, Алина Гуревич, Наринэ Золян, Максим Илюхин, Алексей Иорш, Яша Каждан, Максим  Каракулов, Елена Китаева, Анна Колейчук, Миша Косолапов, Эдуард Кулемин,  Константин Латышев, Ксения Рыщенкова, Александр Савко и Юрий Хоровский,  Владимир Строчков, Саша Турецкая, Николай Филатов, Александр Шумов 

Плакат эпохи авангарда порождает массу ассоциаций – это и нарисованные на клозетной бумаге афиши первых выступлений русских  футуристов, и лубочные Окна РОСТа, и фотоколлажи русских  конструктивистов. В плакатном жанре работали Розанова, Родченко, Моор,  Маяковский, Черемных, Кочергин, Лисицкий, Попова, Степанова, братья  Стенберги, Клуцис, Дейнека и мн. др.. Каким бы разным не был плакат в 10- 20-е годы, он был уникальным стредством пропаганды и рекламы,  художественным медиа, которое активно воздействовало на зрителя, не  позволяло пройти, не остановившись. И если в 10-е годы эта пропаганда  лежала в области художественных идей, то настоящий расцвет плаката после  1917 г. связан в первую очередь с политической тематикой. Особое место  занимают здесь Окна РОСТа: для Маяковского и многих других работа в  лубочно-частушечной манере на острие политических событий страны стала  началом бегства в «массовое искусство». Кроме политико-агитационной  функции плакат 20-х гг. используется еще и в рекламе: совместная работа  Маяковского, Родченко и Степановой над рекламными циклами для  Моссельпрома, Резинотреста, Мосполиграфа, киноплакаты Стенбергов – яркое  воплощение конструктивистских идей «производственного искусства».  Сегодня плакатный жанр взят на вооружение рекламой, которая сама  нередко обращается к эстетике русского авангарда. Однако сам поток  визуальной информации из рекламы сегодня настолько интенсивен, что  актуальной для художников стала проблема «экологии» информационного  пространства города. Кроме того, современное искусство часто пытается  найти своего зрителя именно в плакатных формах, мимикрируя под рекламу.  Сложным взаимоотношениям современного искусства и отечественного  авангарда, рекламы и искусства посвящена выставка «ШЕРШАВЫМ ЯЗЫКОМ.  Плакат», которая откроется 8 июля 2002 г. в Зверевском центре  современного искусства в рамках первого Московского Фестиваля  Маяковского. 

Вернисаж состоится 8 июля 2002 г. в 19:00.
Выставка открыта с 9 по 19 июля 2002 г.
Адрес: Зверевский центр современного искусства, Новорязанская ул., 
29, стр.2.
Контактный тел. 265 61 66, e-mail: zverev@rinet.ru.


выставка МАЯКОВСКИЙ ПРОДОЛЖАЕТСЯ. Видео, инсталляция, объект, фотография. 
L-галерея
Выставка 10.07.-19.07
Вернисаж 9 июля 2002 г. в 18:00

Ирина Болдырева, Максим Илюхин, Яков Каждан, Владимир Куприянов (Саратов), Антон Литвин, Георгий Первов, Ксения Перетрухина, группа РАДЕК, Наталья Стручкова,  Анна Титовец, Дмитрий Шубин (С.-Петербург) 

Адрес: L-галерея, Октябрьская ул., д. 26, тел. 289 24 91.


ФУТУРБАЛ
Зверевский центр современного искусства
19 июля 2002 г. 19:00

Маяковский – человек-перформанс. Он синтезирует искусства в одном драматическом образе – многомерном, но целостном. Носителем этого образа  является он сам. Всё в нём – начиная от стихов и кончая жестом, голосом, костюмом – подчинено единой художественной задаче. При этом Маяковский- перформанс чувствует себя тесно на эстраде: он стремится разрушить её  границы и шагнуть в жизнь… насколько далеко?… - По-видимому, очень  далеко… Задачу синтетического образа-поведения - сознательного и  направленного творчества, расширяющего область поэзии – поэты ставили  долго и постепенно. Немалого успеха в этом направлении достигли  символисты. Но только футуристам впервые удалось создать «личностные»  перформансы большой силы и отчётливости – за счёт конструктивистских  приёмов: обнажения техники, внутренних каркасов, стыков, разломов… Другим – необыкновенно выразительным – человеком-перформансом  является Анатолий Зверев, имя которого носит наш музей… Мы видим, что в  последние десятилетия минувшего века, после разрушения советской  эстетической тирании, снова и всё чаще художники и поэты возвращаются к  поиску синтетического художественного образа, ядром которого являлась бы  сама творческая личность. Этот поиск был отложен почти на пятьдесят лет  благодаря «над-личностному» характеру советской эстетики, которая вообще  была склонна третировать всё субъективно-выразительное. Теперь многие  художественные и поэтические проекты опять обращаются к таким  «материалам» как костюм, манера, имидж, различные body-практики,  экспрессия поведения – и таким образом становятся перформативными  проектами. Наш Футурбал, завершающий фестиваль Владимира Маяковского, – это  полигон для испытания таких проектов. На нём соберутся современные люди- перформансы, экспонирующие самих себя – вне зависимости от того, будут ли  они при этом читать стихи, исполнять музыку или совершать другие  художественные действия. Мы всё ещё стоим на рубеже, завоёванном в этой области футуристами, а  во многих случаях и не дошли до него, так что футуристы для нас по- прежнему являются людьми будущего, художниками, сильно влияющими на  направление наших поисков. Участие в Футурбале примут Анна Альчук, Татьяна Антошина, Николай  Байтов, Герман Виноградов, Яша Каждан, Эдуард Кулемин, Светлана Литвак,  Владимир Строчков, Владимир Тучков и др. авторы.  Зверевский центр современного искусства, Новорязанская ул., 29, стр.2.
Контактный тел. 265 6166, e-mail: zverev@rinet.ru.

^ 7-19 июля Фестиваль Маяковского www.futurism.ru. Выставка ШЕРШАВЫМ ЯЗЫКОМ. ПЛАКАТ в Зверевском центре. Татьяна Антошина, Ирина Болдырева, Герман Виноградов, Арч Галенц, Алина Гуревич, Наринэ Золян, Максим Илюхин, Алексей Иорш, Яша Каждан, Елена Китаева, Анна Колейчук, Миша Косолапов, Эдуард Кулемин, Константин Латышев, Ксения Рыщенкова, Александр Савко и Юрий Хоровский, Владимир Строчков, Саша Турецкая, Николай Филатов, Александр Шумов

Плакат эпохи авангарда порождает массу ассоциаций – это и нарисованные на клозетной бумаге афиши первых выступлений русских футуристов, и лубочные Окна РОСТа, и фотоколлажи русских конструктивистов. В плакатном жанре работали Розанова, Родченко, Моор, Маяковский, Черемных, Кочергин, Лисицкий, Попова, Степанова, братья Стенберги, Клуцис, Дейнека и мн. др.. Каким бы разным не был плакат в 10-20-е годы, он был уникальным стредством пропаганды и рекламы, художественным медиа, которое активно воздействовало на зрителя, не позволяло пройти, не остановившись. И если в 10-е годы эта пропаганда лежала в области художественных идей, то настоящий расцвет плаката после 1917 г. связан в первую очередь с политической тематикой. Особое место занимают здесь Окна РОСТа: для Маяковского и многих других работа в лубочно-частушечной манере на острие политических событий страны стала началом бегства в «массовое искусство». Кроме политико-агитационной функции плакат 20-х гг. используется еще и в рекламе: совместная работа Маяковского, Родченко и Степановой над рекламными циклами для Моссельпрома, Резинотреста, Мосполиграфа, киноплакаты Стенбергов – яркое воплощение конструктивистских идей «производственного искусства».

Сегодня плакатный жанр взят на вооружение рекламой, которая сама нередко обращается к эстетике русского авангарда. Однако сам поток визуальной информации из рекламы сегодня настолько интенсивен, что актуальной для художников стала проблема «экологии» информационного пространства города. Кроме того, современное искусство часто пытается найти своего зрителя именно в плакатных формах, мимикрируя под рекламу.
Сложным взаимоотношениям современного искусства и отечественного авангарда, рекламы и искусства посвящена выставка «ШЕРШАВЫМ ЯЗЫКОМ. Плакат», которая откроется 8 июля 2002 г. в Зверевском центре современного искусства в рамках первого Московского Фестиваля Маяковского (Новорязанская ул., 29, стр.2.).
Вернисаж состоится 8 июля 2002 г. в 19:00.


^ А р т М е д и а Ц е н т р “T V Г а л е р е я” представляет проект Виктора Алимпиева и Мариана Жунина
О Д А 

21 июня - 4 июля

«Ода»: жанр, тема и название. 
Проект молодых московских художников состоит из интерактивой инсталляции и 35-минутного одноименного фильма. 
В день вернисажа фильм будет показан в 22.30 и в 23.05 Открытие - 21 июня (пятница) в 22.30 

Сущность лирики чаще всего заключается в переживании чего-то отсутствующего или недосягаемого. Свойство медиа – актуализировать это отсутствующее, приближать удаленное. Когда-то ода – текст, создающий масштаб своему объекту через его «помещение на возвышенное, хорошо видное место» - была формой медиа. Ода делала своего «удаленного» адресата «реальным». И «одиозным»  одновременно. Критерием оценки удачности или неудачности одического  произведения служил восторг, именно восторг наделял героя (и заказчика) оды  свойствами достоверности. Сегодня, когда «показанное тело народонаселения мира» (Ж. Л. Нанси) заявляет  о переизбытке нерасчлененной, неразличимой реальности, достоверность уходит  в незаметность, в привычность; привычка – вот нежное место реальности,  невидимой самой себе. Отождествление с «как-бы-самой привычностью» – хорошо  известная рекламная стратегия. Подобная стратегия используется (и  тематизируется) в этом проекте: изобретая некий ряд «суррогатных привычек»,  вмененных к употреблению, наподобие медицинских процедур (дарить цветы,  комкать юбку в критические дни, бояться грозных окриков, быть счастливым,  пропускать главное…), мы постарались сделать их «хорошо видимыми»,  «достоверными», то есть медийной ценностью. Поставить «телевизор» на  «возвышенное место». Наша «ОДА» является попыткой создания «нового медиа», актуализирующего саму  удаленность, удаленность восторженного воспевания.  Покажите! Что у Вас За милая привычка


^ С 11 по 29 июня музей "Другое искусство" музейного центра РГГУ приглашает на выставку памяти коллекционера Леонида Прохоровича Талочкина
"Л.П. Талочкин. Портреты из коллекции музея "Другое искусство".

Трудно писать, когда близкие люди безвозвратно уходят от нас. Вот теперь нет и его - веселого, большого, говоруна и шутника, человека с тонким умом и мальчишеской душой. Леонид Талочкин - "король тусовки", теперь мы больше не  услышим его глубокий бас... Поколение "шестидесятников" уходит, и уходит слишком рано. Как будто решено судьбой, что "шестидесятник" должен умереть именно на своем шестом десятке. Владимир Яковлев, Борис Турецкий, Владимир Слепян, Андрей Прокофьев, Олег Скляров, Борис Козлов, Эдуард Зеленин, Гарри Файф, Борис Свешников, Генрих Сапгир, Игорь Холин+ Все они покинули нас всего за какие-то пять лет, не говоря уже о тех, кого неофициальная русская культура лишилась раньше. Эти пять лет мы создавали с Леонидом Талочкиным музей. Было много сложностей, но это было прекрасное время - время общения с человеком, безраздельно преданным искусству. Более двух лет назад музей "Другое искусство" открыл двери для посетителей - и не было большего наслаждения для коллекционера, чем гулять по его залам, рассказывая нескончаемые и необыкновенные истории о художниках или о том, как оказалась в его коллекции та или иная работа. И еще многое другое - то, что словами не опишешь... К сорока дням после смерти, которые мистически совпали с днем рождения Леонида Прохоровича, мы открываем выставку его портретов из коллекции музея "Другое искусство". Восемнадцать художников и один фотограф - двадцать восемь живописных и графических произведений и несколько фотографий из личного архива. Художники любили рисовать Талочкина. Кто-то был его закадычным приятелем, кто-то, пораженный его необычно выразительной внешностью, при первом же знакомстве пытался хотя бы несколькими штрихами оставить в памяти яркий образ. На выставке представлены произведения Валентина Воробьёва, Анатолия Зверева, Юрия Жарких, Виктора Казарина, Вячеслава Калинина, Бориса Козлова, Павла Каменева, Натты Конышевой, Игоря Каменева, Игоря Пальмина, Александра Харитонова, Владимира Яковлева и др. У каждого он получался свой, неповторимый, и в то же время всегда узнаваемый. Как говаривал Леонид Талочкин: "Моя коллекция - это жизнь, прожитая с художниками". И эта галерея портретов - замечательное тому подтверждение.
Ю. Лебедева-Грецкая,
куратор музея "Другое искусство".

Проезд: метро Новослободская, ул. Чаянова, д. 15, РГГУ, главное здание, 2 этаж.


^ 29 мая открылась галерея Дача в Жуковке.
Для состоятельных любителей брендов, но желательно в модной упаковке,
поэтому на открытии был перформанс Андрея Бартенева «Нашествие хлебных крошек» и Гарик Сукачев с «Неприкасаемыми»

До 30 июня Марк Шагал и Эрнст Неизвестный - авторские литографии первого и ранние гравюры второго соседствуют с авторскими женскими сумками итальянских и американских дизайнеров (из коллекции галереи). Себе - гравюру или литографию, жене - сумку. Можно еще прикупить явно вошедшей в моду фотографии. Марка Патлиса (тоже до 30 июня).

Аккредитация на вернисажи обязательна. Контакт: Наташа Шарымова, afura@mail.ru Тел.: 267-4114


^ С 10 июня в галерее «Ковчег» (ул. Немчинова, 12)  выставка Федора Семенова-Амурского (1902 – 1980).
Пейзажи.

Художник родился в Благовещенске-на-Амуре, куда его родители приехали на приработки из села Покровское Томской губернии. В 1920 в городе открылось Художественно-промышленное училище, и Федор начал посещать его наряду с учебой в средней школе. С 1923 работал иллюстратором в областных газетах «Амурская правда» и «Молодая гвардия».
Подобно многим современникам, в середине двадцатых по путевке губкома комсомола отправился на учебу в Москву, в недавно созданные Высшие художественно-технические мастерские. В числе его учителей на графическом факультете Вхутемаса-Вхутеина были Владимир Фаворский, Николай Купреянов, Петр Львов, Петр Митурич; среди «музейного» искусства Семенов-Амурский в годы учебы особо выделял для себя Михаила Врубеля. Работ двадцатых-тридцатых годов сохранилось мало: служба в Красной Армии и поденный труд в издательствах не позволили сберечь многие графические листы, выполненные в любимой с юности технике рисунка тушью. К тому же, требовательный к себе художник не раз переписывал или уничтожал собственные произведения, казавшиеся несовершенными.
Семенов-Амурский старался следить за процессами в мировом искусстве, а с некоторыми его представителями (например, с Пабло Пикассо), вполне всерьез, хотя и заочно, соревновался. В живописи Семенова-Амурского присутствует влияние французской традиции – импрессионистов, Матисса и Ван Гога; анализу их творческого метода посвящены сохранившиеся записи художника. Изучение египетского и византийского искусства, не менее внимательное отношение к рисункам детей позволили художнику отказаться от трехмерности изображений, возникающих в графике и на холстах.
Несмотря на то, что послевоенные годы – период творческого расцвета художника, именно в это время его произведения почти исчезли с выставок, а все творчество, как недостаточно отвечающее господствующему стилю искусства «советских передвижников», получило ярлык формализма. В чем-то этот ярлык соответствовал содержанию творчества: свойства изображения занимали Семенова-Амурского гораздо сильнее сюжета. «Самим сюжетом давно пресытились из-за его стародавности…»
И все же, сегодня кажется странным, что декоративные и изысканные по цвету пейзажи, как и натюрморты, и жанровые композиции, могли восприниматься «угрозой» для официозной живописи в духе Лактионова или Решетникова.
Произведения для выставки, подготовленной при содействии Art Consulting Services (ACS) и Modern and Contemporary Art – Information Agency (MCA – IA), предоставлены из московских частных коллекций.  


^ 21 мая -  30 июня выставка Александра Пономарева “Дым без огня” в Сахаровском центре (Земляной вал 57, стр. 6).
дым без огня
движение без направления
форма без содержания
слова без смысла
пространство без времени
искусство без художника
информация без правды
правда без кпсс
секс без любви
мы без памяти
прошлое без будущего
религия без веры
политика без совести
тревога без надежды
жизнь без изменения
дым без огня

Репрезентация зрительного образа в этом контексте доказывает, что дым без огня – бывает.

Призрачно все. Тема призрачности и реальности жизни, тревоги и надежды реализуется в виде инсталляции внушительных размеров. Инсталляция представляет собой конструкцию, работающую в автоматическом режиме. В ее прозрачных элементах (рессиверах, трубопроводах, соплах) дым совершает сложные динамические движения.

Александр Пономарев


^  14 мая в Московском музее современного искусства  состоялся круглый стол "Художник новых технологий в музее современного искусства".
Организаторы: Москвовский музей современного искусства, РОСИЗО, Отделение истории искусств Исторического факультета МГУ, Московский государственный ун-т печати (Полиграф), TV-галерея, photorgapher.ru и Информационное агенство Артинфо.
Среди участников: Владимир Сальников, Нина Зарецкая, Ирина Горлова, Лариса Кашук, Владимир Куприянов, Влад Ефимов и Аристарх Чернышев, Андрей Великанов, Андрей Безукладников, Алексей Шульгин, Юрий Пластинин.
Модератор дискуссии Ирина Чмырева.
Круглый стол посвящен проблемам эволюции сознания художников и зрителей в эпоху новых технологий, участию художников, работающих с новыми технологиями, в работе музея и вопросам музеефикации и экспонирования произведений современного искусства, созданных с помощью новых технологий.
Тема столь обширна, что этот круглый стол представляется организаторам первым в ряду других, посвященных различным аспектам присутствия в экспозиционном пространстве музея новых технологий, осмысленных художниками.
Сегодня и цифровые технологии, и, тем более, новые возможности создания музейных экспозиций современного искусства - поле эксперимента. Уровень его сегодняшнего освоения позволяет нам не разделять аудиторию круглого стола на специалистов и неспециалистов. Мы приглашаем к диалогу экспозиционеров музеев и галерей, искусствоведов и критиков, художников, работающих с новыми технологиями, для выработки новых стратегий взаимодействия современного искусства и музея.
Круглый стол проводится в рамках учебной и образовательной программ Москвовского музея современного искусства, проводимых при поддержке Отделения истории искусств Исторического факультета МГУ и Московскго университета печати (Полиграфа).
Первые впечатления, скорее даже телеграфный отчет <пишется онлайн - прямо здесь; каждую выпавшую свободной минуту>
После коротких вступлений Куприянова и Чмыревой, обозначивших круг обсуждаемых вопросов - см. выше; первым выступил Андрей Великанов. "Загрузил" собравшихся "новым средневековьем" искусства, в котором медиа следует трактовать как информационную среду, а не как технологическое средство. И коль информационная среда основа новейшего искусства, самым музейным делом становится поддержание онлайнового информационного агентства, инфильтрующего и модерирующего информационные процессы, в том числе актуализирующего их как явления современного искусства. Привел пример великого медиа художника Ким Чен Ира, чьи замыслы воплотятся разноцветными человеческими "пикселями" на корейском стадионе. И уж совсем художнически предложил начинать музеефикацию процессов медиа арта "с чистого листа".
Алексей Шульгин говорил о двусмысленности диады "музей - новые технологии". Конечно же здраво разделить проблематику использования новых технологий в музейной деятельности и работу музея с искусством новых технологий. Во втором случае надо исходить из того, что искусство новых технологий как правило имеет дело не с объектами, но с процессами (что, на мой взгляд - ЮП - спорно; к примеру даже коммуникативный нет арт можно свести к объектам; музеефицировать и серверы, и архивы переписки, и даже симулировать real time; в итоге, представив все в музее, "заморозить" объект в условиях нарастающих скоростей апгрейда программных и аппаратных средств, в которых осуществился тот или иной проект нет арта; другой вопрос - нужно ли это истории культуры?). Знакомый с осторожными шагами западных, прежде всего американских, музеев современного искусства в сторону медиа арта и искусства новых технологий, которые заключаются в первую очередь в копировании организующей и собирательной деятельности стихийно сложившихся онлайновых ресурсов и/или в партнерстве с ними, Шульгин был столь же осторожен в своих конкретных проектных предложениях.
Ирина Горлова (ГЦСИ) сказала несколько слов, но - при всем к ней уважении - как-то вскользь к заявленной теме. Все-таки искусство новых технологий и проблематика его взаимоотношений с музеями - не ее тема. Хотя... - поймал себя на мысли - возможно это опытность; на таких потенциально идеегенерирующих сходках просто послушать.
И вероятно еще о большем опыте свидетельствует предпоследнее выступление заместителя директора РОСИЗО Евгения Березнера. Классика. Речь неспешная, с хорошими паузами, без лишних слов, но с четкими акцентами: среди собравшихся нет специалистов культурологов, которым только и пристало обсуждать заявленную проблематику и тем-паче формулировать рекомендации музею - "пироги должен печь пирожник, а сапоги тачать - сапожник".
До него еще выступили Ефимов - Чернышев и Пластинин, то есть Ю П, и в этом случае могу обозначить лишь тезисы сказанного мной. С оговоркой, что я не только не культуролог, но и не искусствовед, не арт критик и, уж тем более, не художник. Просто работающий в области современного искусства наобум, в первую очередь на интуиции желания и более, чем скромного понимания, скорее даже ощущения современного интеллектуального контекста. При таких предпосылках я поделился догадками, что наше информ агентство Артинфо уже 10 лет в той или иной мере выполняет функции музея современного искусства. Собирательство и поддержка мультимедийного архива современного актуального, не очень актуального и вовсе архаичного искусства 70-х -2000-х. Издание CD-ROM, представляющих более 400 художников самого разного позиционирования. Более 1000 художников - в онлайновом банке данных. Бесплатный хостинг, техническая и, если требуется, методологическая поддержка более, чем 20 онлайновых проектов. Поддержка онлайнового фестиваля современного искусства da-da-net. Новости Искусства@ARTINFO, которые вы сейчас читаете. Безусловно наши собственные ресурсы невелики, для основных арт институций долгое время мы были, в лучшем случае, малограмотными выскочками, в худшем - работящими идиотами, чьими услугами можно воспользоваться, но не воспринимать же нас всерьез. Но время - замечательная субстанция -
продолжение последует завтра 16 мая, часов в 10 утра; сейчас убегаю к 4 на 5-летие Пинакотеки; потом в 7 в МДФ последний вернисаж Фотобиеннале (ниппонский), да еще в 8 в ДОМе начинается фестиваль "музыкального шума" :( - так что сегодня этот текст не закончить.
16.05, 10:00. Так вот, все-таки время - замечательная субстанция. Когда работаешь, делаешь дело, а не только строишь концепции. Спору нет, когда концепции работают, реализуются, это еще лучше. В любом случае в основе всегда есть и будет практический результат. И ТОЛЬКО на таких результатах можно строить концепции для достижения следующих, еще более весомых результатов. "Наобум"  готов к концепции информационного агентства, равно как и к не менее концептуальной поддержке процессов медиа арта. Причем готов не в силу понимания глубины замыслов, а по гораздо более прозаической, но от этого, на мой взгляд, более весомой причине - мы этим уже занимаемся. И ищем, как искали и ранее, партнеров. Просто замечательно, если такое партнерство сложится в результате общения на такого рода круглых столах.
Еще одним практически полезным из возможных направлений работы музея с искусством новых технологий стало обсуждавшееся с подачи Ефимова предложение выездных мастер-классов. Причем не спонтанно-случайные выезды московских художников в случайные города, а продуманная Программа, призванная помочь художникам, философам и дурим гуманитариям, равно как и технарям-компьютерщикам в различных российских городах разобраться во взаимодействии и взаимосвязях современного искусства и новых технологий.
От себя я добавил, что и широкую общественность не мешало бы настойчивее знакомить с тем, как искусство осваивает новые технологии, а заодно и апроприирует и деконструирует новую мифологию - мифологию информационного общества. Причем в этом случае начать следует со столичных городов, где такое общество сложилось в большей мере. Например, начать с Дня Города Москвы. А для провинциальных городов нужен амбициозный проект, типа тех, что делали для большевиков авангардисты, а сейчас делают американцы - снарядить Поезд Нового Искусства. Хорошо технически оснащенный. Но самое важное - и вот здесь экспертный совет специалистов должен сказать свое слово - оснащенный самыми интересными, не дискредитирующими современное искусство, но способными вызвать интерес более, чем 50-100 человек, художниками + персонажами способными, не боясь профанации, еще интереснее комментировать и интерпретировать их работы, сделанные, а еще лучше делаемые на глазах зрителей и соучастников с помощью новых технологий. А для обеспечения дискуссионности, может быть, и работы уже ставшего в столицах в какой-то мере привычного contemporary арта, обходящегося безо всяких новых технологий ( а то и вовсе нонспектакулярных :). И то, и другое в большинстве случаев будет внове. И возможна так любимая страной кэвээнов соревновательность: кто победит: слон или кит, если сойдутся?
Завершился круглый стол эмоциональным выступлением Славы Лена, рассказавшего о собственных кураторских планах - предложениях для музея. И уж совсем завершился пивом на Пушкинской площади, до которой, впрочем, добрались не все, и я в том числе - бегом рванул сюда, к новостям.
Ю П
м б завтра еще чего-н допишу, а сейчас пора на мастер-класс Филипа Старка. Точнее на то, что затеяла компания Голден Телеком - real time дистанционный мастер-класс, в котором смогут принять участие не только посетители Арх-Москвы в ЦДХ, но и посетители выставки "Связь" на Пресне.
17/05, как обещал, чуть-чуть.
но не про круглый стол - про Старко-Телекомовский мастер-класс>

<стенограмма (фрагмент)>


III Медиа Форум XXIY Московского Международного кинофестиваля
Организаторы: <МедиаАртЛаб>, <Интерфест>
При поддержке: АНО <Интерньюс>, Посольства королевства Нидерландов в Москве, Британского Совета, Москва
Место проведения: Музей кино (7 зал)
24-27 июня
http://www.mediaforum.danet.ru

В программе Медиа Форума:
Первая презентация программы  <Антология российского видео-арта> из коллекции <МедиаАртЛаб> 
Программа новейшего британского киноавангарда и видеоарта "Городские мечтатели" 
Ретроспективный показ шедевров видеоарта из коллекции Montevideo/Times Based Arts, Амстердам Номинация <MuVi-Reel> (приз за лучшее музыкальное видео) Международного фестиваля короткометражного кино <Oberhausen>, Германия 
Программа "4 избранные работы"  (куратор - Ян Шуйрен, Нидерланды) 
(подробнее с расписанием и программрй Вы можете познакомиться в аттачменте и на сайте Медиа Форума - www.mediaforum.danet.ru)

<Антология Российского Видеоарта>

Медиа Форум 2002, как официальная программа ММКФ, третий год представляет зрителю классику и новейшие течения современного видео искусства, а также знакомит зрителя с актуальными тенденциями в области новых экранных ехнологий. За эти годы на площадках кинофестиваля прошли показы и презентации крупнейших западных коллекций видео искусства  - Центра Жоржа Помпиду-Париж, архива <Vasulkas>-Санта Фе, <Electronic Arts Intermix>- Нью-Йорк; архива <Антология> -Нью-Йорк, Lux-Лондон, <235 Media>-Берлин, Montevideo/TBA - Амстердам, презентация видео программ западных и российских фестивалей видео-арта, экспериментального кино и медиа искусства: <Transmediale> Германия, <KIMAF> Украина, <EMAF> Германия, <WRO> Польша, <ROOT> Англия. Первые два года задачей организаторов Медиа Форума была популяризация медиаисскусства в России на основе показов западных шедевров и классиков жанра. В этом году на Медиа Форуме будет представлена <Антология Российского видеоарта>. Показ антологии - это своего рода политическая акция или манифестация современного видеоискусства, как состоявшегося явления, выражающего и представляющего интересы культурного и профессионального сообщества. Антология-это история самоидентификации российского авангарда последних тридцати лет, зафиксированная в формах видео  эксперимента, о чем вчера мы могли только догадываться. Видеофильмы, собранные в антологию, представляют  стилистические направления, синтезирующие различные практики современного искусства от радикального акционизма  до эстетических опытов с технологией кино- и видеопроизводства. Совокупность этих практик, их идеологический контекст позволяют нам в полной мере понять масштаб, социальное и культурное значение, а так же уровень амбиции современного видеоискусства. 

Алексей Исаев
Комиссар <Медиа Фopума>
MediaArtLab


^ 22 июня в 21.00 в Зале МАНЕЖ 
ТЕАТР ШКОЛА ДРАМАТИЧЕСКОГО ИСКУССТВА 
ЦЕНТР НОВОЙ МУЗЫКИ
DEVOTIO MODERNA
Культурный Центр ДОМ
представляют 

УЗКИЙ ВЗГЛЯД СКИФА
лаборатория погоды тела и звука
МИН ТАНАКА - движение /Япония/ 
ВЛАДИМИР МАРТЫНОВ - музыка /Россия/
ТАТЬЯНА ГРИНДЕНКО  и ансамбль OPUS POSTH - звучание /Россия/

в перформансе

ПИСЬМА МАСТЕРА ДЗЕН
МАСТЕРУ ФЕХТОВАНИЯ

Адрес театра: ул. Сретенка, 19, м. Сухаревская.
Справка и заказ билетов т.291-4443, 290-4796, 
teatr_vasilyeva@mail.ru
 
Билеты продаются: касса театра на Сретенке, 19 (м. Сухаревская), тел. 923-6204 PARTER.RU: 363-5555

МИН ТАНАКА
Мин Танака родился 10 марта 1945 года в Хатиодзи, пригороде Токио. С 1966-го по 1973-й он изучает  модерн-данс и выступает в нескольких спектаклях. С 1973-го  по 1975-й начинает разрабатывать свои оригинальные  танцевальные идеи, открывая значение тела и танца,  основанного на импровизации. Он часто танцевал обнаженным,  как в городском пространстве, так и на природе в  стремлении освободить тело от функционализма и  конвенциональной эстетики. 
С 70-х годов ведет занятия по собственной танцевальной системе (Body Weather Workshop), разрабатывая серии  специальных упражнений. В 1981 году создает группу  ?Маи-Дзюку?, а в 1982 году становится одним из основателей  экспериментальной площадки ?Плэн-Би? (?Plan-B?) в Токио. В  1982 вместе с участниками этой группы открывает ?Body  Weather Farm? (?Ферма Погоды Тела?) в горном селе Хакушу,  чтобы изучать происхождение танца через  сельскохозяйственную жизнь. В 1988 году в сотрудничестве с  художниками, архитекторами, музыкантами, театральными  режиссерами, писателями, актерами и фотографами он  открывает ежегодный фестиваль искусства ?Artcamp Hakushu?.  В 1996 году создает проект ?Dance Resources of Earth?  (?Истоки танца на Земле?).  Мин Танака работал в тесном контакте с Тацуми Хидзиката,  основателем и вдохновителем уникального направления в  современном японском танце Буто. Танака называет себя  ?законным сыном Тацуми Хидзиката?; они вместе оставили  одну из лучших последних работ Хидзиката ?Рен-аи-Буто-ха  Тэйшо: Основание танца любви?.


ВЛАДИМИР МАРТЫНОВ
Родившись в Москве в 1946 году, Мартынов после окончания Московской академии музыки (класс композиции и фортепиано)  сразу же посвятил себя сочинению минималистской музыки. Он  был организатором и участником авангардных фестивалей и  работал в студии электронной музыки в музее Скрябина. В  середине семидесятых Мартынов совершил радикальный переход  от структурной утонченности серийной музыки к "новой  простоте". "Пярт, Сильвестров и я одновременно и  независимо друг от друга нашли разгадку", - говорит он. 
В поисках "музыки своего народа" Мартынов объездил  северную и центральную Россию, северный Кавказ, Памир,  Таджикистан. То, что он нашел (услышал) дало начало  абсолютно новому пониманию музыки. Он занялся поиском в  библиотеках рукописей, которые бы позволили реставрировать  традицию древнерусского хорового пения. По этой теме он  опубликовал несколько книг и преподавал в знаменитой  Троице-Сергиевой лавре.   Мартынов известен как один из ведущих композиторов позднейшего русского авангарда. Его музыкальные сочинения  представляют собой некую целостность, в которой традиции  востока и запада, духовное и мирское, фольклор и авангард  сплавляются в новом синтезе. "Апокалипсис" Владимира  Мартынова был заказан ему кафедральным собором в Майнце,  его опера "Exercises and Dances of Guido" Евангелической  академией Локума, и представлена на фестивале  SACRO-ART-97. "Плач пророка Иеремии" Мартынова исполнялся  в старинном соборе Авиньона. Премьера его "Requiem"  состоялась на 14-м Фестивале барокко в Бад-Арольсере в  1999 году.

ТАТЬЯНА ГРИНДЕНКО
В возрасте восьми лет она сыграла свой первый скрипичный концерт И. С. Баха с Харьковским симфоническим оркестром.  В 1968 году она получила первую премию и золотую медаль на  Международном молодежном конкурсе в Софии, в 1970 году она  была лауреатом Конкурса Чайковского и через два года  завоевала первую премию на Конкурсе Венявского в Польше. В  период с 1978 по 1988 из-за своей диссидентской  деятельности Татьяне Гринденко было запрещено выезжать за  границу. После перестройки она стала одной из самых  признанных в мире исполнителей на скрипке. В 1998 году  совместно с Гидоном Кремером она выступала на зальцбурском  Festspielwochen, в том же году на берлинском Festwochen и  в США. 
В 1982 году Татьяна Гринденко основала "Московскую  академию старинной музыки" - первый ансамбль музыки  барокко в восточной Европе. Группа выступала и выступает  во многих городах по всей Европе. Шнитке, Артемов,  Мартынов, Пярт, Сильвестров и другие хорошо известные  русские композиторы посвящали ей свои произведения.  Последнее сочинение Луиджи Ноно "Hay gue camminar" для  двух скрипок посвящено ей и Гидону Кремеру. Записи Татьяны  Гринденко (Мелодия, Eurodisk, Ondine, RCA, ECM, Wergo,  Deutsche Grammophon) включают Сонату Бартока для скрипки  соло, двойной концерт с Гидоном Кремером и вновь открытый  скрипичный концерт Рославца. 

Ансамбль OPUS POSTH
"OPUS POSTH" - название российской музыкальной группы, а также определение культурной ситуации, в которой эти  музыканты находятся. Группа была основана Татьяной  Гринденко и Владимиром Мартыновым и состоит из членов  "Московской академии старинной музыки" (основанной  Татьяной Гринденко в 1982 году). OPUS POSTH исполнял  "Magnificat", "Stabat Mater", "Canticum Fratres Solis", "Exercises and Dances of Guido", "Requiem", "Ночь в  Галиции" Мартынова, а также "Fratres", "Tabula Rasa" Арво  Пярта и "Утреннюю молитву" и "Вечернюю молитву" Гии  Канчели. 
OPUS POSTH - производное от "OPUS POSTHUMUM" - обозначения музыкального произведения, опубликованного после смерти  композитора. Идея лежащая в основе OPUS POSTH гласит, что  музыка может прекрасно обходиться без композиторов. Вся  старая музыка и музыка большинства мировых культур  является не-композиторской музыкой. Композитор важен  только в европейской классической музыке. Согласно  Владимиру Мартынову и Татьяне Гринденко композиторы на  самом деле искажают и насилуют природу музыки, навязывая  ей свои структурные решения. 
В "посткомпозиторскую эпоху" композитор, исполнитель и публика участники коммуникативного обмена со Вселенной и  космическим бытием. Музыкальный опыт сродни ритуалу внутри  "культурных канонов". Именно по этой причине лица  исполнителей закрыты масками. Лицезрение их лиц отвлекло  бы исполнителей и публику от "потока контекста" и таким  образом разрушило бы саму основу исполнения. Музыка OPUS  POSTH призвана продемонстрировать, как могут быть сломаны  общепринятые рамки и нормы традиционного концерта.


^ Крокодил, кусающий свой хвост, небесный лес, полный ласточек, звенящий, сияющий, вечный звук: художник Герман Виноградов. Беседа Леонида Тишкова с художником 7 июня 2002 года для выставки «ГерМания» из цикла «Биографии» в галерее клуба «Муха».

Герман Виноградов, 44 года, житель мегаполиса Москва, обитатель Небесного леса, высокий  бородатый  мужчина, родился в Казани 19 декабря 1957 года на Николу Зимнего на Николо-Ямской улице, крещён в церкви Николая Чудотворца священником отцом Николаем. Поэтому его покровителем по жизни и стал Дед Мороз, фигурки которого стоят во всех углах квартиры художника. Добрые Дедушки сопровождают Германа всю жизнь: прадед –Виноградов первый, «дедушка с усиками», был священником собора Св.Андрея в Крондштадте, дед –Виноградов второй, - металлург, главный инженер  Магнитогорского комбината, оставил Герману квартиру в московском сталинском доме у Курского вокзала, которую после он превратит в уникальную художественную инсталляцию. Фотографии белобородого Порфирия Иванова, народного мыслителя и целителя, его книги занимают в ней немалое место.

   Родители, по рассказам Германа, были вода и пламень, и эти две стихии стали темами  в творчестве художника. Мама Татьяна Николаевна, изумительной красоты женщина, артистичная и вдохновенная, была, со слов Германа, настоящая living artist. Она могла обходиться без вещей и украшений, но музыка и поэзия сопровождали ее всю жизнь. Для Германа она стала эталоном энергетических воплощений и психоделического сознания, ее переход в чистое дионисийство послужил примером игрового отношения к жизни. Образы матери, ее старые фотографии соединяются им в причудливые ассамбляжи, присутствуют как художественный объект в инсталляциях. Маленькое старинное фото внутри острого металлического круга – один из таких впечатляющих объектов.

   Высокая игра, а не лицедейство – естество Германа Виноградова. Общаться с тонким миром и высокими энергиями  он начинает с детства. Детский сад, маленький Гарик стоит на лестнице веранды и запускает пёрышки в воздух, с которыми играют пролетающие ласточки. 

   Учась в институте Землеустройства на архитектурном факультете, занимался легкой атлетикой, изучал древнерусскую живопись, освоил мастерство штукатура, его кумиром был архитектор Мис ван де Роэ.

   С 1979 года начинает создавать коллажи, ассамбляжи и первые звуковые объекты. Учится играть на гитаре, сочиняет музыку, стихи, как его кумир гениальный Шри Чинмой, нарисовавший тысячи картин, сочинивший миллионы мелодий, музыкант и бегун. Читает мыслителей – индуса Шри Ауробиндо, Платона, проникаясь идеализмом, погружаясь в мистицизм, из которого ему уже не будет суждено выбраться.

  Квартира их семьи превращена после смерти деда в «коммуналку», Герман жил в маленькой комнате с матерью, в других комнатах –  соседи-люмпены.

В это время происходит духовное совершенствование, увлечение поэзией, аккумуляция внутренней энергии, которая вырвется на волю в 1984 году, - в мастерских-сквоте «Детский сад», заброшенном детском саду в центре Москвы, где уже обосновались художники Филатов и Ройтер. Там Герман Виноградов живет со своей женой и дочкой, и впервые реализует звуковую инсталляцию, называя ее «Бикапо», словом из своего стихотворения, написанного под влиянием Крученых.

  Так повседневная жизнь стала фактом искусства, и теперь уже сам художник не может провести грань между своей частной жизнью и публичным существованием. Начинается космогоническое построение мира «Бикапо», «Небесного леса», постоянное создание все новых объектов из металла, собирание и конструирование музыкальных инструментов, построение частной мифологии. Его приглашают в театр на Таганке, потом с 1987 по 1989 год он создает свой акумастический мир в театре Анатолия Васильева. Получает там зарплату как актер второй категории. Потом был Петровский бульвар, сквот Петлюры,
после его разгрома, Герман возвращается в свою квартиру, где в течение многих лет каждое воскресенье устраивает публичные выступления. 

После смерти мамы глубоко переживает утрату, меняет облик, - расслаивание образа,
метаморфозы собственной личности, со слов Германа, помогали ему выходить из

кризисов и обретать новые силы. Так Герман Виноградов занимается поиском своего Я – лучезарного многогранного существа, всю энергию игры и трансформации направляя на окружающий мир. Каждый предмет в его доме – знак, тотем, наполненный смыслом и душой. Это как бесконечный поиск Бога путем отрицания, говорит Герман, - Бог – это не полотенце, Бог – это не лимон…  Он собирает предметы, которые появлялись в его жизни, составляет их, как шаман, в гирлянды образов и они становятся священными предметами. Все, что являлось Виноградову в течение его жизни, было освящено великим смыслом, все становилось кирпичиками для построения его космического Дома по имени Бикапо. Перепетии жизни, жизненные драмы меняли его облик, у него вырастала борода, менялась походка, но он никогда не сходил со своего главного Пути, ведущего в светлый храм слепящего звука, влажного огня, небесного света. Он живет среди нас, растворенный в природе, принимающий все как оно есть – вот мерный постоянный шум Садового кольца за окном; он становится частью его мира после того, как Герман создал огромную трубу-уловитель этого звука и сделал его частью своего Мира. Две кошки сопровождают его по жизни, одна черная, другая белая, а однажды у острова Ньюфауленд маленький корабль с Германом окружила стая китов и они плавали вокруг него, ныряли под суденышко, - он и сейчас слышит их голоса. Жизнь – фантастическое представление – если всё получается.

   Позвонил телефон, - это звонил из Австрии его тринадцатилетний сын, которого зовут Валерий Иоханнес Бикапония. Что же такое жизнь, а что искусство? И то и другое – всего лишь легкий звенящий звук Небесного леса. Иногда громкий, иногда тихий, но никогда не исчезающий для умеющих слышать.

 Леонид Тишков


^ Выставочные залы Всероссийского фонда культуры (м. Тургеневская, Милютинский пер, 19/4 стр. 1. Тел. 923-41-12) 14-28 июня. Выставка "Неформалы новой формации": Константин Шейко, Светлана Демина (живопись, флористические композиции),
Анна Атаева (графика, живопись, инсталляция)"

"Неформалы новой формации"
Молодость. Поиск нового, остановка на найденной форме, движение дальше, отказ от прошлой минуты, оформление каждого нового мига - в красках, в простом наброске- 
Неформальность бывает внутренняя и внешняя. Первая - ценнее. Всероссийский фонд культуры представляет творчество трех молодых художников, обретших собственное лицо и создавших свой стиль в искусстве.
Константин Шейко наделяет ощущением трагизма пространство своих картин. Претворяет его фактуру то в плотную пастозную поверхность, то в акварельную прозрачность, то в витражно-графическую плоскость. Но главное в его поисках - человек. Движущийся в своем внутреннем мире и отдающий это движение вовне - дрожащим краскам и клубящемуся пространству.
Картины Светланы Деминой традиционно декоративны. Но соединение разнородных фактур, то подчеркнуто объемных, то плоскостных форм дают эффект новизны. Для графики Анны Атаевой характерны фотографические ракурсы. Приемы макро-изображения наделяют предметы жизнью и движением. Ее акварелям свойственны мягкость и лиризм. Столь же лиричны графические образы Президента РФ, в которых художник уходит от банальности парадного портрета. 
Несмотря на различия в технике и живописной манере, молодых мастеров объединяет новый, неформальный взгляд на традиционные сюжеты.


^ 19 июня – 7 июля в "Новом Манеже" выставка новых работ Владимира Брайнина
Он по-прежнему удерживает в фокусе своего искусства Москву, а художественный мир столицы по-прежнему считает Брайнина наиболее адекватным живописцем Москвы. Впрочем, на нынешней выставке узнаваемых городских мотивов будет немного. Художник декларирует детали, преграды и иллюзии. Не зря в подзаголовке выставки и каталога – штукатурка, фонтаны, решетки, лужи. Переходное состояние времени каждый чувствует по-своему. Брайнин фиксирует и длит "переходность" открывая и показывая в ней больше возможностей (несмотря на опасности) и интереса (несмотря на риск) чем в однозначной стабильности. Уровень и масштаб предъявления ценностей позволяет переводить образы Брайнина в социальные, этические, философские плоскости. Решетки разделяют мир на "здесь" и "там", "свое" и "чужое", из слоев штукатурки прорываются или прорастают скульптуры, но ценность их не столько в пластике, сколько в изменчивости двоякой зависимости от людей и природы… Нет, Брайнин не перевертывает свои картины "вверх ногами", насмотревшись на знаменитого немца Базелица – это город перевернулся, отразившись в своих же городских лужах. Возвращать что-либо к прежнему состоянию, а равно переосмысливать и переделывать, "переворачивать" – сложная, болезненная операция на умах и жизни людей. Серия "Лужи" – это предупреждение и знак времени. Гуляя по Москве после того, как однажды увидел работы Брайнина, обнаруживаешь их в реальности. Но это не обозначает, что вы увидели "похожее здание", нет, это за трещинами фасадов и поворотами улиц, в просветах между домами становится ощущаемой и почти осязаемой странная тайна большого и старого города – одновременно западного и восточного, памятника и непрерывного в своем развитии организма... Теперь, к узнаванию и проникновению добавилось предчувствие. Простая логика, простые конструкции, простые сигналы и ответы на них – от такой "новой стабильности" и "нового единства" живопись Брайнина защищает человека. Она непроницаема для "телевизионных волн" и не понимаема с помощью стереотипов. Брайнин не зависит от моды, не принадлежит к каким- либо течениям или группам в искусстве, не пишет на заказ, не состоит в культурных кругах обслуживающих властные, дипломатические или экономические клубы. (Даже его выдвижение на звание "Художника Москвы" вряд ли сможет испортить его репутацию.) пресс-конференция 18 июня в 16.00 открытие выставки 18 июня в 17.00 дополнительная информация по тел. 924 66 93, e-mail nikich@aha.ru 


^ 31 мая - 7 июля 10-я Биеннале визуального искусства CROSSINGS- 2002
С 1981 года это была выставка югославской скульптуры, но позднее трансформировалась в международную биеннале.
Сейчас на Биеннале представлены и инсталляции, и скульптура, и видео, и цифровые технологии. Помимо югославских участвуют художники из Великобритании, Герамании, Австрии, Канады, Нидерландов, Финляндии, Дании, Франции, США, Японии, Словакии, Румынии, Македонии, Словении и Италии.

ПРОГРАММА:

31.05

04.00 PM
The Gallery of Contemporary Art
Formal opening

04.30 PM
Nata a Teofiloviж, performance

04.30 - 06.30 PM
Red Warehouse
Andrei Velikanov, projection of the video-work

06.30 PM
Cafe "Coupe"
Szombathy Balint, performance "Waver"

04.30 - 08.00 PM
Cafe "Plato", the Cultural Centre
DJ Vlada Jovanoviж & DJ Aleksandar Nedeljkoviж, Radio Panиevo


08.00 - 12.00 PM
Cafe "Plato", The Cultural Centre
Yupika quintet

3.06

12.30 Noon
The Cultural Centre Entrance Hall
Andrei Velikanov, lecture: 
"Theoretical Problems of Contemporary Art "

01.30 PM
The Cultural Centre Entrance Hall
Portrait of the artist
Du an Ota eviж
Keynote Je a Denegri PhD


21 июня

07.00 PM
The Cultural Centre Entrance Hall
"Views - Biennial, Panиevo 2002.", photographs
Professors, assistants and students of The Academy of Art Novi Sad
Mentor: Рorрe Odanoviж

Thursday, 27th June 2002.

10.00 AM - 07.30 PM
Chambers of Commerce Panиevo - Conference room
''Regional-Universal'', 
seminar of the art critics, historians and theoreticians of art from ex
Yugoslavia
Participants:
Aleksander Bassin, Ljubljana
Slaven Tolj, Dubrovnik
Neboj a Vilic, Skopje
Asja Mandiж, Sarajevo
Sara Vujkovic, Banja Luka
Petar Жukoviж, Podgorica
Sava Stepanov, Novi Sad
Svetlana Mladenov, Panиevo
Je a Denegri, Belgrade
Stevan Vukoviж, Belgrade
Irina Subotiж, Belgrade
Jovan Despotoviж, Belgrade
Ljiljana Жinkul, Belgrade
Zoran Eriж, Belgrade

06.00 PM
Guest
Irina Grabovan, director of The Gallery "Aorta" Kishniev (Moldavia)

06.30 PM
Flying island Low - Fi Video - CROSSINGS -
Presentation prepared by Aleksandra Sekuliж, Belgrade


28 июня

10.00 AM - 07.30 PM
Chambers of Commerce Panиevo - Conference room
''Regional-Universal'', 
seminar of the art critics, historians and theoreticians of art from ex
Yugoslavia
Participants:
Aleksander Bassin, Ljubljana
Slaven Tolj, Dubrovnik
Neboj a Vilic, Skopje
Asja Mandiж, Sarajevo
Sara Vujkovic, Banja Luka
Petar Жukoviж, Podgorica
Sava Stepanov, Novi Sad
Svetlana Mladenov, Panиevo
Je a Denegri, Belgrade
Stevan Vukoviж, Belgrade
Irina Subotiж, Belgrade
Jovan Despotoviж, Belgrade
Ljiljana Жinkul, Belgrade
Zoran Eriж, Belgrade

06.30PM
Portrait of the artist
Mrрan Bajiж

Sunday, 7th July 2002

Closing of 10th Biennial of Visual Arts ''CROSSINGS'' Panиevo 2002
Performance: Max Jan Schumacher and Hiroko Tanahashi
Town streets, during the day
The Gallery of Contemporary Art, 09.00 PM


УЧАСТНИКИ:

1. Laura Anderson Barbata, USA
2. Igor Antiж, France
3. Mrрan Bajiж, YU
4. Sombati Balint, Hungary
5. Lucia Bruni, Italy
6. Dejan Dimitrijeviж, Canada
7. Zoran Dimovski, YU
8. Mirjana Рorрeviж, YU
9. Darko Gajiж, YU
10. Gabriel Glid, YU
11. +ivko Grozdaniж, YU
12. Adad Hannah, Canada
13. Jelena Janev, YU
14. Robert Jankuloski, Macedonia
15. Dragan Jelenkoviж / Lidija Merenik, YU
16. Zdravko Joksimoviж, YU
17. Stevan Kojiж, YU
18. Ivan Kucina, YU
19. Shaoji Liang, China
20. Shu-Min Lin, USA
21. Gregory S. Maass, Germany
22. Barbara Madsen, USA
23. Danio Man, The Netherlands
24. Rutf Margraff, USA
25. Eva Masarykova, Slovakia
26. Sreten Milatoviж, YU
27. Mihael Milunoviж, France
28. Milorad Mladenoviж, YU
29. Branislav Nikoliж, YU
30. Vladimir Nikoliж, YU
31. Petre Nikoloski, UK
32. Louis Nixon, UK
33. Tanja Ostojiж, YU
34. Du an Ota eviж, YU
35. Branko Paviж, YU
36. Lucy Pedlar, UK
37. Sanja Peri iж,YU
38. Romelo Pervolovici and Maria Manolescu; Romania
39. Mileta Prodanoviж, YU
40. Tobias Putrih, Slovenia
41. Jelica Radovanoviж and Dejan Anрelkoviж, YU
42. Ismet Ramiиeviж, Macedonia
43. Isabella Schmidlehner, Austria
44. Mustafa Skopljak, Bosnia and Hercegovina
45. Predrag +iрanin, The Netherlands
46. Nata a Teofiloviж, YU
47. Wolfgang Thaler, Austria
48. Milica Tomiж, YU
49. Иedomir Vasiж, YU
50. Andrey and Julia Velikanov, Russia

panart@panet.co.yu 
http://gallery.pancevo.com  


^ До 16 июня Государственная Третьяковская галерея, Министерство Культуры РФ 28 мая 2002 года открыли выставку Михаила Филиппова "Набережная. Графика и проекты". Выставка проходит в Третьяковской Галерее (Крымский вал,10, залы № 40, 41) 

Проект реконструкции стрелки Острова на Москве-реке 1988
Мастерская М.Филиппова при участии Международной архитектурной студии
Петербургской Академии Художеств (руководитель С.Михайловский)
Архитекторы: М.Филиппов, М.Атаянц, Т.Денискина, А.Кирилловский, А.Свистунов, В.Пак, А.Филиппов.


^ C 23 мая по 12 июня в С.АРТ галерее (Москва, Земляной вал, дом 14, вход с Малого Казенного переулка)ЧАЙ ВДВОЕМ с  участием Ирины КОТОВОЙ и Павла АНТИПОВА.
Насколько известны всему народу забойные ребята Денис Клявер и Стас Костюшкин, настолько никто из этого самого народа не знает художников из С-Петербурга Ирину Котову и Павла Антипова. Пока. Но очевидно, что тех и других объединяет любовь к чаепитию вдвоем. С одинаковой задачей – чтобы как можно больше людей об этом знало, поскольку ни художники, ни музыканты без публики обходиться не могут.
Презентация нового музыкального альбома Дениса Клявера и Стаса Костюшкина, состоявшаяся на днях в Москве, удалась на славу. Растроганный отец Дениса популярный городошник Илья Олейников был весь в слезах от счастья за сына, поздравить которого пришел даже Максим Галкин. Вместе с Примадонной, естественно. Которая не решилась отпускать Максима одного, несмотря на свою простуду.
Живописцы из Петербурга презентацию своих работ также решили провести в Москве. Пока скромно, но с большим желанием быть замеченными. Чем же они хотят привлечь внимание? Павел Антипов - жанром эротического натюрморта, в котором чайник является одним из главных объектов, Ирина Котова – бытовыми ракурсами образа современной женщины, который, как она считает, эротическим должен быть всегда. И то и другое не ново, но имеет смысл в том случае, если художник преподносит публике нечто ей еще неизведанное. Делать это в традиционных жанрах сложно, но как показывает практика можно. Нельзя ждать глобальных открытий там, где уже все открыто. Но они происходят каждый раз в срезе жизни каждого, кто является участником художественного процесса. И Антипов и Котова – представители совсем еще юного поколения художников считают, что самое современным завтра будет традиционное искусство, возможности которого далеко не исчерпаны. Денис Клявер и Стас Костюшкин тоже.


^ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНЫХ ИСКУССТВ ИМЕНИ А.С.ПУШКИНА, ИТАЛЬЯНСКИЙ ИНСТИТУТ КУЛЬТУРЫ, ПОСОЛЬСТВО ИТАЛИИ
Массимо Сколари
Тридцать лет творчества
Живопись, графика
21 мая – 23 июня

Массимо Сколари — один из известнейших в Европе современных художников, завоевавший авторитет чистотой стиля и интеллектуальностью своего искусства. Итальянские критики в исследованиях творческой эволюции Массимо Сколари подчеркивают влияние на его развитие наследия великих мастеров: флорентийскую четкость композиционных конструкций, утонченность венецианской живописи, фламандскую образность и непосредственность, эпичную монументальность искусства Древнего мира.
Собственно, вся живопись Сколари — наглядное воплощение мыслительных абстракций художника, зримая проекция его архитектурных фантазий, контролируемая разумом урбаниста. Среда, созданная интеллектом, модель Вселенной, спроектированной современным творцом.
Чаще всего художник работает акварелью, но не использует всех изобразительных возможностей этой техники, подчиняя материал другой задаче: его приемы схожи с методами работы живописцев до изобретения масляной живописи, усердием и настойчивостью преодолевавших сопротивление клеевых красок. Он обогащает фактуру поверхности, шлифуя бумагу и картон до бархатистости или, наоборот, прессует и укатывает до блеска с помощью гладила. Точными микроскопическими мазками вбивает изображение, достигая эффекта беспристрастной натуралистичности.
Для российского зрителя выставка произведений Массимо Сколари является первым знакомством с творчеством венецианского художника, открытием нового автора, состоявшимся благодаря активному участию и хлопотам сотрудников Итальянского института культуры в Москве.


Правительство Москвы, Комитет по Культуре Москвы, Московский Дом Фотографии - 15 мая открытие персональной выставки Нобуёси Араки (Япония) "Токийский натюрморт" в залах Московского Дома Фотографии. Выставка представлена галереей Ikon, Бирмингем в рамках IV Международного Месяца Фотографии в Москве "ФОТОБИЕННАЛЕ 2002".
До 15 июня.
Нобуёси Араки (Nobuyoshi Araki, 1940-) за шестьдесят, а его фотокарьере - за сорок, но до сих пор его работы ставят в тупик. Даже кураторов знаменитых музеев, которые теперь гордятся тем, что у них есть свой Араки. Араки тотально заполняет стенды самых престижных галерей на всех мировых ярмарках современного искусства и фотографии.  Музейно-выставочный комплекс "Московский Дом фотографии". Москва, ул. Остоженка, 16. (095) 202-7612  www.mdf.ru


^ В Музее личных коллекций   ГМИИ им. Пушкина с 30 марта по 2 июня живопись Петра Кончаловского - "Неизвестный Кончаловский". Работы из собрания семьи художника.

Неизвестный Кончаловский
Живопись из собрания семьи художника, частных коллекций и ГМИИ им.А.С.Пушкина.
К 125-летию со дня рождения художника.

Кончаловский Петр Петрович (1876 – 1956) – живописец, график, автор пейзажей, натюрмортов, портретов, театральных декораций. На выставке в ГМИИ им.А.С.Пушкина будут экспонироваться около 80 работ, принадлежащих наследникам Петра Петровича Кончаловского, а также картины из частных собраний, - произведения 1892 - 1955 годов, - с самых ранних, включая картины бубнововалетского периода, работы 1920-30-х годов, вплоть до самых последних, написанные незадолго до смерти. Многие из них незнакомы зрителям и специалистам или выставлялись много лет назад. Нужно особо отметить роль наследников Кончаловского, сохранивших его произведения. Они приняли активное участие в подготовке выставки.

Петр Кончаловский – один из организаторов общества художников “Бубновый Валет” и его бессменный председатель. Он был одним из немногих художников-авангардистов, получивших признание в советское время. Кончаловский был заслуженным деятелем искусств, академиком, имел персональные выставки. Упоминание о его раннем творчестве с конца 1930-х годов было нежелательным. В постперестроечное время ситуация изменилась, - было вновь оценено его творчество авангардного художника, а поздние вещи стали признаваться конформистскими.

Организаторы выставки “Неизвестный Кончаловский” надеются, что юбилейная выставка расширит знакомство зрителя с художественным наследием мастера и позволит составить непредвзятое мнение о его творчестве.

К открытию выставки в ГМИИ издан каталог, куда вошли статьи известных историков искусства А.И.Морозова и Джона Боулта, подробная хроника жизни и творчества Кончаловского, статья Александра Бенуа 1916 года “Машков и Кончаловский” с комментариями, а также около 100 цветных репродукций произведений, отобранных для выставки.


возврат в рубрику архив

© 1994-2017 ARTINFO
дизайн ARTINFO
размещение ARTINFO