ЕЖЕДНЕВНЫЕ
НОВОСТИ ИСКУССТВА@ARTINFO
В МИРЕ
В МОСКВЕ
В РОССИИ
В ПИТЕРЕ
В
ИНТЕРНЕТЕ ПЕРИОДИКА
ТЕКСТЫ
НАВИГАТОР
АРТ ЛОНДОН
- РЕПОРТАЖИ ЕЛЕНЫ ЗАЙЦЕВОЙ АРТИКУЛЯЦИЯ
С ДМИТРИЕМ БАРАБАНОВЫМ АРТ
ФОН С ОКСАНОЙ САРКИСЯН МОЛОЧНИКОВ
ИЗ БЕРЛИНА SUPREMUS
- ЦЮРИХ ОРГАНАЙЗЕР
ВЕЛИКАНОВ
ЯРМАРКИ
ТЕТЕРИН
НЬЮС ФОТОРЕПОРТАЖИ
АУДИОРЕПОРТАЖИ
УЧЕБА
РАБОТА
КОЛЛЕГИ
АРХИВ
Русская абстракция во Франции середины ХХ века
|
|
<<10 апреля - 15 июня 2006 года в галерее
"Наши художники"
выставка «Русская
абстракция во Франции середины ХХ века». |
|
|
|
Эти
четыре художника не были объединены в
одну группу, каждый из них стремился к
выработке индивидуальной живописной
концепции. Тем не менее, в истории
искусства ХХ века и трудах, посвященных
абстрактному искусству или «второй
парижской школе», их имена всегда стоят
рядом, а на знаменитой выставке «Русские
художники парижской школы» в Сен-Дени
(1960) и Париже (1961) были представлены
работы каждого из них. Значение поисков
и свершений в области нефигуративного
искусства этих выдающихся художников
уже давно оценено во всем мире – их
работы хранятся в крупнейших
государственных и частных собраниях, им
посвящены десятки монографий на многих
языках мира. К сожалению, в России до сих
пор творчество этих художников-эмигрантов
мало известно не только широкой публике,
но даже специалистам. |
|
Сергей
Шаршун (1888, Бугуруслан – 1975, Вильнев-Сен-Жорж)
– покинул Россию в 1912 году, участвовал в
деятельности знаменитой группы «Дада».
В 1920-е разрабатывал версию «орнаментального
кубизма». Позже орнаментальный кубизм
сменился абстрактно-геометрическими
формами, натюрмортами в духе пуризма и
монохроматическими композициями со
сложной рельефной фактурой. Чаще всего
обращался к теме воды и музыки. Его
работы выставлялись на многочисленных
персональных и групповых выставках в
культурных столицах мира, а в 1971 году
прошла большая ретроспективная
выставка в Национальном музее
современного искусства в Париже. Шаршун о творчестве: «Мои полотна никогда не закончены, каждая моя картина проходит два периода – горячий и ремесленный. Я вижу рисунок с закрытыми глазами, как красочный фильм. Сначала вижу в красках очень ярких. Я делаю полосы телепатические на полотне. Это делается орнаментом. Очень декоративно. Вечером я подписываю картину. Утром вижу – совсем не то, и я снова начинаю работать». «Художник думает глазами». «Пикассо - самый проворный охотник за случайным». «Дали – непревосходимый виртуоз мертвого завитка». «Клавесинную музыку Куперсона и Баха воспринимаю как живопись Кандинского и Клее. Это мой орнаментальный, родной мир». Андрей Ланской (1902, Москва – 1976, Париж) – попал в Париж в 1921 году. С 1923 года выставлялся в групповых выставках русских художников, участвовал в парижских салонах, в 1925 провел первую персональную выставку, его работы начали покупать крупные коллекционеры. С 1937 года од влиянием В.Кандинского и П.Клее начинает отходить от предметного искусства, в 1942 году проводит персональную выставку только абстрактной живописи. Знакомится с Н. де Сталем. На устроенной галерей «Луи Каре» в марте 1948 года персональной выставке художник выступает как сложившийся мастер «лирических абстракций». В 1950-е работает в декоративно-прикладных техниках – ткани, мозаика, книги. При жизни провел десятки персональных выставок в Европе и Америке, работы Ланского хранятся и экспонируются в лучших мировых собраниях искусства ХХ века. Андрей Ланской о творчестве «Невозможно выйти за пределы природы, это единственная цель, которая есть у художника». «Я пишу беспредметное с натуры, или – вернее – с жизни и всегда в согласовании с жизнью». «Все подчинено и живет благодаря свету». «Чем ближе к абстрактному, тем больше выявляется ритм и живопись приближается к музыке». «В религии, как и в искусстве, нет прогресса. Но, чтобы остаться неизменным, надо меняться. То есть, если бы существовал один единственный художник на все эпохи и если бы он жил вечно, он говорил бы всегда об одном и том же, но каждый раз – иначе». «Я начинаю набрасывать композицию с помощью угольного карандаша или пастели; это скелет картины, всегда достаточно эластичный. Первая волна цвета его изменяет, но он [рисунок] полностью не исчезает. Потом я углубляю формы и изучаю их отношения, занятый техникой и колоритом. Иногда я снова ввожу графический рисунок, черный или белый, в зависимости от идеи». «Я спрашиваю себя, действительно ли есть основание ставить проблему фигуративного – абстрактного в аспекте конфликта. Живопись всегда была абстрактной, но этого не замечали… Время сделает свое дело, и, когда перестанут искать на картине яблоки, деревья или девушек, – это слово «абстрактное» исчезнет. Когда кладешь краску на палитру, она уже не фигуративна, когда предназначена изобразить цветок, и, в то же время, не абстрактна, если должна породить воображаемую форму…» Сергей Поляков (1900, Москва – 1969, Париж) – поселился в Париже в 1923 году, в течение тридцати лет зарабатывал на жизнь игрой на гитаре в парижских кабаре, снимался в кино. С 1929 года серьезно начал заниматься живописью, с 1931 года участвовал в выставках. В 1937 году познакомился с В.Кандинским и С.Делоне, в 1938 выставил первую абстрактную картину. Поляков в своем абстрактном творчестве сосредатачивался на постижении свойств живописной материи, на возможностях, которые предоставляет работа с колоритом. Часто для этого он использовал найденные лично им технические приемы. В конце 1050-х годов к Полякову пришла мировая известность, ‑ его персональные выставки состоялись в восьми европейских столицах, а в 1962 году он с триумфом участвовал в Венецианской биеннале современного искусства. В 1970-м году состоялась его посмертная персональная ретроспектива в Национальном музее современного искусства в Париже. Сергей Поляков о творчестве «Я чувствовал себя перед Кандинским так, как чувствует себя маленький врач перед великим хирургом… глядя на его живопись я думал, что лучше будет мне продолжать писать натюрморты. Тем не менее, импульс был слишком силен, и я вернулся к абстрактному искусству… но это был другой вид абстракции и другие формы. Кандинский в это время обращался с искусством как математик или инженер. Но для меня оно должно было быть естественным. Существует тысяча способов делать искусство, и слишком много науки могут его убить». «Я мог считать раньше, что абстрактная живопись это легко. Но мне понадобилось более 10 лет, что б найти мой стиль». «Каждая форма имеет два цвета, один внутренний и один внешний». «Я долго ищу оттенки, каждая форма требует равновесия. Существенен именно оттенок, а не цвет. Ван Гог мог писать небо зеленым, хотя этот цвет не существует на небе. Но его картины были успешными, потому что оттенок был правильным. Оттенок зеленого был абсолютно необходим по отношению к оттенкам соседних цветов». Контур «…должен быть точным, но свободным и форма должна казаться вырезанной ножницами». «Для художников-символистов красный круг означает солнце. Ничего подобного, красный круг — это именно красный круг». «Если вы возьмете линейку, что бы начертить квадрат: он умрет… Это значит, что форма существует, когда она точна и свободна. С помощью линейки она точна, но не свободна» «В природе формы определенные, связанные внутри ее, но никогда не идентичные. Эти формы геометрические, пластические, органические, такие, какие они есть, иначе говоря, произведения времени…. Все эти формы должны найти себя в композиции картины… Многие люди говорят, что в абстрактной живописи ничего нет. Что касается меня, я знаю, что если бы моя жизнь была бы в три раза длиннее, ее бы не хватило что бы высказать все то, что я вижу». «У всех настоящих художников материя живет, даже у Малевича. Я был просто потрясен, увидев его знаменитый «Белый квадрат на белом фоне». Там была вибрирующая материя. Тогда и мне открылась… главенствующая роль вибрации материи. Даже если нет цвета, картина, на которой материя вибрирует, остается живой». «Качество тени больше не учитывается. Больше не известно где фон. Все части композиции могут играть роль форм. Они в любом случае являются … главными или вторичными формами». «Когда картина тихая, это значит, что она удалась. Некоторые из моих работ начинались с шума. Они взрывные. Но я не удовлетворен, пока они не станут тихими» Никола де Сталь о творчестве: «Надо всегда и прежде всего делать хорошую традиционную живопись и необходимо повторять это самому себе каждое утро, одновременно по всей видимости порывая с традицией, ибо она ни для кого не является одной и той же». «Всю жизнь мне надо было думать живописью, видеть картины, писать, чтобы помочь самому себе жить, освобождаться от всех впечатлений, всех ощущений, всех тревог, из которых я так и не нашел иного выхода кроме живописи» «Мы никогда не пишем того, что видим или полагаем, что видим; мы пишем с тысячей вибраций тот шок, что мы получили или должны получить, сходный, различный… Палитра – это тембр, звук, голос» «Как Вам известно, я не верю в названия» «Я хочу достичь гармонии. Я пользуюсь материалом, которым является живопись. Мой идеал определяется моей личностью, а тот индивидуум, которым я являюсь, соткан из всех впечатлений, полученных из внешнего мира до и после моего рождения». «Восприятие художника ограничивается одним измерением, которое сближает его с его творением или отдаляет от него. У него рука рабочего. Чаще всего я пишу без концепции, без концептуальной манеры. Иногда я исхожу из чисто реального образа. В обоих случаях восприятие не должно быть раздробленным». |
