ЕЖЕДНЕВНЫЕ НОВОСТИ ИСКУССТВА@ARTINFO




В МИРЕ  В МОСКВЕ В РОССИИ  В ПИТЕРЕ  В ИНТЕРНЕТЕ  ПЕРИОДИКА  ТЕКСТЫ  НАВИГАТОР МАН с ЛЮДМИЛОЙ НОВИКОВОЙ ART_PUZZLE artontheground АРТ ЛОНДОН - РЕПОРТАЖИ ЕЛЕНЫ ЗАЙЦЕВОЙ АРТИКУЛЯЦИЯ С ДМИТРИЕМ БАРАБАНОВЫМ АРТ ФОН С ОКСАНОЙ САРКИСЯН МОЛОЧНИКОВ ИЗ БЕРЛИНА ВЕНСКИЕ ЗАМЕТКИ ЛЕНЫ ЛАПШИНОЙ SUPREMUS - ЦЮРИХ  ОРГАНАЙЗЕР  ВЕЛИКАНОВ ЯРМАРКИ ТЕТЕРИН НЬЮС ФОТОРЕПОРТАЖИ АУДИОРЕПОРТАЖИ УЧЕБА РАБОТА КОЛЛЕГИ АРХИВ

СЕГОДНЯ В МОСКВЕ:
 

◄14 - 23 мая 2012 в галерее ВХУТЕМАС (Москва, Рождественка, 11) выставка художника и архитектора Игоря Ширшкова "Движение белого". Живопись Игоря Ширшкова метафизична. Чтобы передать в пластических знаках свой мир, он идет по пути, открытом Малевичем, используя свои собственные протообразы. Архитектор по образованию и в настоящее время профессор МАРХИ Игорь Ширшков мыслит универсальными категориями художественного языка – пространство, объем, рельеф, цвет. В проекте «Движение Белого» автор проводит исследование белого цвета как пространства. Часть произведений специально создана для выставки>http://www.vkhutemas.ru

◄15 мая - 10 июня 2012 в ММСИ (Тверской бульвар, 9) выставка Магги Корделус "Тотальная среда", на которой представлены работы художницы, посвященные исследованию темы дома и семьи как основы человеческого существования.. В день открытия 14 мая в 18:00 Магги Корделус проведет экскурсию по выставке для журналистов. В руках Магги семейный фотоархив превращается в красивое кружево, в котором застывшее мгновение буквально разворачивается во времени и пространстве, отсюда и название московской выставки Магги Карделус — «Тотальная среда». "…Я открыла, что семейный альбом, из-за центральной роли, которую он играет в семейном быту, является эффективным и действенным материалом для моего творчества. Это хранилище наших глубинных страхов — страха проходящего времени, страха потери, страха смерти, страха бездны — но это также и объект, который увековечивает для будущего и для тех, кто находится вовне, самопрезентацию семьи. Семейные фотографии часто являются самым драгоценным имуществом людей. Художество и материнство очень давно слились в моей работе в едином стремлении  сохранить процветание обоих этих миров">

◄14 - 28 мая 2012 на территории дизайн-завода «Флакон» (Москва, ул. Б. Новодмитровская, д. 36.) в галерее “Palitra-S”  новый проект художника Алексея Жучкова «Натюрморт с бутылями, белыми кофейником и блюдом, керосиновой лампой». Алексей Жучков Работает в различных монументальных техниках (роспись, фреска, мозаика) в светской и церковной архитектуре.Открытие состоится 17 мая в 19:00>

◄11 - 27 мая 2012 в Выставочном зале ГЦСИ (Москва, Зоологическая, 13) выставка "Координаты поколения LXXV". Куратор Леонид Бажанов. Представлены работы: Виктора Пивоварова, Игоря Шелковского, Эдуарда Штейнберга. В 2012 году два известных российских художника – Виктор Пивоваров и Игорь Шелковский отмечают 75-летние юбилеи. 28 марта, едва отметив свой 75-летний юбилей, ушел из жизни один из ярчайших представителей отечественного искусства второй половины XX – начала XXI века Эдуард Штейнберг. Настоящая выставка является данью уважения мастерам, в значительной степени определившим пути развития независимого русского искусства нескольких десятилетий>

◄3 мая - 3 июня 2012 в Крокин галерее (Москва, Большая Полянка, 15) выставка Константина Батынкова "Цирк". Открытие 3 мая. 4 ответа КОНСТАНТИНА БАТЫНКОВА на вопросы Александра Петровичева по выставке “ЦИРК”. Глядя на названия твоих основных выставок, переживаешь нечто вроде дежавю. Это же программа детской художественной школы или художественного училища! «Космос», «Парады», «Дети», «Война», «Натюрморт», теперь «Цирк»? КБ Там ещё обязательно была тема «Производство», «Театр», «Порт», «Зоопарк». У меня всё это в том или ином виде есть. Можно, конечно, название придумать позаковыристее как для биенналле, дискурс обозначить, что-нибудь ещё прикрутить. На заборе-то много, что написано, а за ним всё те же дрова лежат. Одни и те же художники рисуют одни и те же сюжеты, но по-разному. Одни рисуют лучше, другие хуже, но в итоге-то получаются всё те же «Дети», «Парады», «Животные» и «Цирк».

Да и мою любую картину можно запросто переименовать в «Цирк». Стереть старое название и угольком написать новое и ничего не изменится. Каждая моя картинка – стопроцентный цирк. Кто-то куда-то летит, бежит, падает… У меня в каждой второй картине натянута проволочка, и по ней идёт человечек. Ну, вот смотри, написано «Баррикады», а там сплошные эквилибристы, один висит, другой идёт по канату. Я рисовал цирк всю жизнь, ну, по крайней мере, регулярно возвращался к этой теме. На самом деле цирк нас окружает, куда не посмотри. Многие, если не все твои темы «родом из детства», они там как бы запитаны на его энергиях, образах, историях. Детство в твоих работах далеко вышло за границы узкой темы. Это априорная составляющая твоего искусства, его выразительная феноменология. Даже твои «Дети» именно из твоего детства. И твой «Цирк» оттуда? КБ Просто, когда я был ребёнком, цирк был наиболее значимым видом искусства для нас тогдашних. Впечатление, полученное в детстве, хорошо укореняется. Ведь мы постоянно ходили в цирк. Во всех маленьких и крупных городах были открыты цирки, в Сочи, Красноярске. Когда я играл в баскетбол, и мы приезжали на соревнования в какой-нибудь город, то культурной программой было обязательное посещение местного цирка. Музей-то не всегда был, а цирк-то всегда. Причём гастролировали в основном одни и те же артисты. Какого-нибудь Вальтера Запашного я посмотрел раз сто, наверное. Ну а фильмов про цирк сколько было. «Цирк» Александрова, постоянно показывали по телевизору. Взять тех же Бергмана, Феллини, Чаплина. В детстве, я, конечно Бергмана и Феллини не смотрел. Но «Трёх толстяков» смотрел, с канатоходцем Тибулом, которого играл Баталов. Во всех этих фильмах, цирк это срез жизни. У Александрова сквозь его «Цирк» просматривается вся модель советской идеологии. Потом уже появились «Укротительница тигров», «Полосатый рейс». Сплошной цирк, как без него? Причём цирк на экране сильно отличается от цирка на арене. Я вживую видел много раз Никулина, Енгибарова, Шульгина, Карандаша, Олега Попова, который, почему-то, сильно не нравился детям, но официально считался самым великим клоуном. Когда в программке было его имя, дети говорили «УУУУУУ!!!!!». Все хотели Никулина, Енгибарова, которые были дико смешными и остроумными. Цирк был частью нашей жизни. Окуджава про цирк пел «Она по проволке ходила, болтала белою ногой»… Ещё лет десять назад показывали какие-нибудь фестивали цирка. А сейчас он исчез из телевизора, исчез из жизни. Может просто сама жизнь превратилась в цирк? Цирк уехал, клоуны остались, просто они сейчас иначе выглядят и называются по-другому. Хотя в Европе там цирк достаточно распространённое явление. Я много видел цирков-шапито во Франции. Маленький городок пара выступлений в выходные, снимаются с места и поехали дальше. Они приезжают с животными, со специальной техникой. Цирк это красиво, интересно. Там климат теплее, у нас с этим проблема. Девять месяцев зима. Сегодня как-то не так. Ну, понятно, что кого-то туда водят. Но, по моему, только приезжие ходят сегодня в цирк. Потом, помнишь, был «Уголок Дурова», есть ли он сейчас, даже не знаю? У тебя в этой серии исчезло, свойственное тебе динамичное развитие сюжета. Всё происходит как в мгновение ока, одновременно. Ты в последнее время заметно меняешь стилистику в сторону большей экспрессии. Сама тема способствовала этому прыжку через голову? КБ Да у меня нечто подобное уже было. Цирк у всех разный. Очень многие художники рисовали цирк. У Шагала цирк, у Пикассо цирк. Я нарисовал все эти работы на виниле цветом. Прошлая выставка была чёрно-белая, эта цветная. Цирк должен быть в цвете, хотя я и в ч. б. рисовал. Да тут цвет относительный, хотя его много. Насчёт сюжета тоже не заморачивался. У меня там всё сразу происходит. Все летят, по верёвочкам ходят, автобусы какие-то, дрессированные черепахи. Когда начинаешь рисовать, не знаешь, чем всё это закончится, рисование напоминает цирковое представление. Здесь как в цирке ты идёшь по канату и без страховки и без батута под тобой. Последствия не гарантированы. Но в этом вся и прелесть. Ты вспоминаешь детство, но цирк какой-то у тебя не детский получился. Очень личный такой. Не то чтобы детям это смотреть нельзя. Но при первом взгляде не то дух захватывает, не то оторопь берёт? Радикально ново! КБ А как иначе? В цирке-то всё бывает. Тигры, слоны, собачки выступают, бегают по кругу, считают. Обезьяны, опять же. Но ни одного самолёта и вертолёта! Сначала нарисовал арену, на неё вышла лошадка, потом лошадку зарисовал, нарисовал человечков, потом вышли клоуны. Потом что-то прилетело из под купола, какой-нибудь эквилибрист посыпался. Одно проистекает из другого. Батуты, канаты. Это моё ощущение цирка. Оно своеобразное, но моё. Я не откуда не срисовывал, хотя желание было. Я сам миллион раз всё это видел. Что я лошадь не нарисую? Или какой-нибудь собирательный образ животного? То, что получилось, скорее, напоминает цирковые рисованные афиши. Отсюда всё подряд. Цирк это ведь, когда всё сразу - летит, сыпется, обезьяны орут и музыка играет! Тревожно? Ну, так это детские страхи. С возрастом пройдёт. Оторопь берёт, говоришь? Но так я же про жизнь…

◄С 3 по 13 мая 2012 в ЦДХ (зал 21, 3-й этаж) выставка живописи «Дорогами Грузии». <Л. Урушадзе. Натюрморт>

◄4 - 31 мая 2012 в галерее МАМ (Москва, Ленинградский проспект, 17) выставка ГЦСИ "Формальные отношения". Куратор Наталья Гончарова. Представлены работы: Галины Мызниковой, Сергея Проворова, Владимира Башлыкова. Открытие 3 мая>

◄С 3 по 20 мая 2012 в Выставочном зале МСХ (Москва, Кузнецкий Мост, 11) на выставке «Романтики Реализма. Московские живописцы» будет представлено 150 картин современных мастеров романтического реализма из коллекции галереи Арт Прима и частных собраний.

◄Cо 2 мая 2012 в Зверевском центре (Москва, Новорязанская, 29) выставка Светланы Шебаршиной "Внутренняя миграция". В хаотичном море стилей и направлений современного молодого искусства даже искушенный зритель часто тонет, не находя спасительной опоры в чем-нибудь действительно интересном и интригующем, цепляющем зрение и другие органы, отвечающие за впечатления. Стремясь попасть в топ столичной художественной богемы, многие механически следуют приемам и темам модного искусства, не привнося в него собственного мессаджа или делая это неубедительным образом. Существует также большое сообщество «честных» художников, которые по-настоящему любят изобразительное искусство и не представляют своей жизни без запаха красок.

Но и в этой среде редко кому удается стать «художественным явлением». Причин этому может быть много, но основная связана с элементарным отсутствием таланта, чего нельзя сказать о Светлане Шебаршиной. Живопись и графика молодой художницы из Тольятти смотрится абсолютно независимой от внешней конъюнктуры. Если посмотреть её работы в хронологическом порядке, отчетливо видно, как она постепенно приходит к собственному стилю, в котором осмысленно звучат отголоски русского авангарда, особенно конструктивизма, а также сезанизма и геометрической абстракции. Но это лишь вопрос технических приемов. Самое ценное в её последних работах – создание почти сновиденческого пространства, нереального из-за отсутствия воздуха и теней, но наполненного реальными объектами, полностью подчиненными геометрии современного урбанизированного мира. Постепенно отдаляясь от живописности объектов и фактур, она приходит к лаконичной, почти плакатной манере использования локальных цветовых плоскостей, сочетающейся со сдержанной динамикой линий, но при этом в ее работах отсутствует плакатная риторика навязываемых идей. В мире, который она создает, человек не является центральной фигурой, а будто бы сторонним наблюдателем, иногда просто композиционно необходимым элементом. Он существует в пространстве придуманных и созданных им конструкций, как Демиург – невидимый, но ощущаемый во всем. Елена Романова>

◄С 28 апреля 2012 в ЦДХ (16-й зал) выставочный проект "Сны о Черногории". Галерея «N-Prospect» совместно с Международным фондом «Культурное достояние», при поддержке Российской Академии художеств, посольств России и Украины в Черногории, представит зрителям результаты программы международных художественных пленэров, которая вот уже 5 лет успешно реализуется во Дворце творчества «Castello di Boca», на берегах легендарного Которского залива. С 2008 по 2012 год фондом «Культурное достояние» было проведено 22 пленэра более чем для 350 живописцев из разных городов России, Украины, Эстонии, а также Сербии, Македонии, Голландии и других стран>

◄С 28 апреля по 29 июля 2012 в ГМИИ им. Пушкина (Главное здание) выставка "Воображаемый музей". К 100-летию ГМИИ собраны известнейшие памятники Древнего мира, шедевры живописи XV –XX веков из собраний музеев мира (Лувр, Британский музей, Прадо, Государственные собрания Берлина и Дрездена и многие другие), представленные в контексте постоянной экспозиции Музея. Впервые зрители увидят в Москве картины Босха и Морони. Отсутствующие в постоянной экспозиции Музея произведения Веласкеса, Гейнсборо, Гольбейна, Дельво и Дикса, Дюрера и Карпаччо. Большая редкость – полотно Климта, прибывшее в ГМИИ имени А.С. Пушкина из Вены. Интересны скульптуры Джакометти и Колдера. Полотна Франса Халса, Эль Греко, Мемлинга, братьев Ленен, Рене Магритта. Всего в рамках проекта «Воображаемый музей» представлено 46 шедевров из 27 государственных и частных собраний мира>

◄28 апреля - 1 июля 2012 в Аптекарском приказе МуАра выставка "CANAL GRANDE. Главная улица Венеции в итальянских фотографиях конца XIX – начала XX века". Открытие 27 апреля. Архитектурные сооружения, оформляющие берега Большого канала, позволяют проследить смену стилей дворцовой архитектуры Венеции – от готики и ренессанса до неоклассицизма и историзма. Это лучшие произведения Мауро Кодусси, Якопо Сансовино, Антонио да Понте, Балтассаре Лонгена и других итальянских зодчих.  Коллекция, которая будет представлена в Музее архитектуры, по уровню сопоставима с собранием всемирно известного итальянского музея фотографии Алинари. Здесь собраны уникальные экспонаты – подлинные фотографии, созданные в знаменитых итальянских фотомастерских Алинари, Андерсона, Сальвиати.

На выставке будут представлены и редкие виды Большого канала – фотографии, раскрашенные вручную и напоминающие живописную технику.  Выставка является беспрецедентным событием в культурной жизни Москвы: большая часть уникальных экспонатов, не имеющих аналогов в российских и зарубежных музеях, будет показана впервые.

◄27 апреля - 31 мая 2012 в Восточной галерее (Москва, Пушкарев переулок, 10) выставка Эдуарда Яшина "За предел". В своей новой серии, которую по праву можно назвать "портреты дверейв современной среде", Эдуард Яшин одержим бытованием "портала" в его забытом, буквальном, отнюдь не хай- тэковском,смысле. Ведь, любая дверь, даже калитка, всегда портал - символ входа и выхода.А что делать, когда выход практически не просматривается?

◄27 апреля - 28 июня 2012 в Трапезных палатах музея «Новый Иерусалим» выставка, приуроченная к VII Пасхальному фестивалю духовной хоровой музыки - "Лето Господне 2012. Пасхалия". Первое, что увидит зритель, входя на выставку под своды Трапезных палат, - монументальная композиция «Вход Хриса в Иерусалим» и сияющие золотой смальтой медальоны с фигурами евангелистов, выполненные Александром Корноуховым. Рядом с монументальными образами Корноухова, мозаики Феликса Буха и Анны Замулы, выполненные на маленьких дощечках.

◄С 26 апреля 2012  в Pecherskiy Gallery (Москва, Дмитровский переулок, 7) выставка Олега Котельникова "Теория Хаоса от М. Мауса".

◄27 апреля - 17 июня 2012 в Анфиладе главного здания МуАра выставка Алессандро Папетти "Москва. Фабрики утопии" . Выставка современного итальянского художника Алессандро Папетти представляет около 30 живописных полотен, в которых автор исследует и воссоздает образы советской индустриальной эпохи. Своеобразными символами времени становятся крупные московские заводы – ЗИЛ, «Москвич» (АЗЛК), ГПЗ-1. «Индустриальная археология» – одна из главных тем творчества Папетти.

Изображая промышленные объекты прошлого века, художник передает осязаемую атмосферу полузаброшенных заводских помещений, которые, однако, хранят следы былой деятельности. Эффект усиливается еще и тем, что эти огромные площади как будто ждут переломного момента судьбы: скорее всего, в ближайшее время их постигнет полная реконструкция. Алессандро Папетти родился в 1958 году в Милане. После участия в Венецианской биеннале 2003 года он стал приобретать известность как один из крупнейших современных художников Италии. На протяжении последних 20 лет Папетти глубоко исследует и разрабатывает тему индустриальной археологии. Первыми результатами этой работы стали промышленные пейзажи из цикла «Судоверфи», где художник изображает локации судостроительных заводов, и урбанистическая серия «Утроба города». В дальнейшем тема получила развитие в серии живописных работ, посвященных бывшему зданию завода Renault и представленных в 2007 году в Музее 30-х годов (Париж). Выставка «Москва. Фабрики утопии» является прямым продолжением исследования темы индустриальной археологии в творчестве художника. Куратор Умберто Дзанетти (Umberto Zanetti) Открытие 26 апреля>

◄26 апреля - 27 мая 2012 в галерее Гельмана (Винзавод) выставка Сергея Пахомова (Пахома) "Altare". Открытие 25 апреля. Сергей Пахомов: Привет, Толя, я Сережа Пахомов. Ты меня знаешь. В детстве я посмотрел итальянский фильм про художника-маньяка, который всю дорогу там убивал каких-то девочек. У него был домашний алтарь, похожий на складень или шкафчик. И меня тогда это очень тронуло, во-первых, потому, что все буржуазное меня, как любого советского мальчика, влекло, а во-вторых, АЛТАРЬ... И этот неприятный человек, этот маньяк приходил домой, хотя, возможно, я сейчас что-то домысливаю, и раскрывал свой складень, лишенный конфессионального смысла, но наполненный именно алтарным традиционным смыслом поклонения. Так вот я хочу поговорить об этом. Скажи, что является алтарем для тебя? Анатолий Осмоловский: Привет, Сережа! Это серьезная тема. Мне кажется, у алтаря есть определенная форма, а вот наполнение может быть разным. И современные художники последние лет пять-семь как раз на эту тему активно размышляют. Поэтому твоя работа мне представляется очень интересной. Прежде всего интересна позиция юродивого, безумца. Позиция родом из девяностых, да ты ведь и сам человек из девяностых.

СП: Конечно. Преемственность для меня очень важна. АО: И заметь, звучит эта актуальная тема не только в художественной, но и в обычной жизни вокруг нас. В России происходит некая актуализация церкви, каких-то церковных ритуалов. Миллионы стоят в очереди к поясу Богородицы. Люди тянутся к духовному, правда, понимают они под духовностью только религию и ритуалы. Но я сейчас не собираюсь это обсуждать или критиковать… СП: ...и может быть, даже тянутся к таким таинствам, как смерть… АО: Подожди, я свою позицию высказываю, сейчас закончу, и ты добавишь. В этом смысле художники, чувствующие художники не могут на это не реагировать. Я тоже делал подобного рода работы и делаю, и размышляю на эту тему… И у меня даже есть своя гипотеза, что существует некая субверсивная атмосфера, на которую мы, с одной стороны, вынуждены реагировать, а с другой стороны, нам на нее интересно реагировать. Ну вот, и в этом смысле мне очень интересно будет посмотреть, что ты сделаешь, потому что у тебя своя собственная очень оригинальная позиция. Бескомпромиссная. Ты даже начал наш разговор с жесткого, хардкоровского примера – с маньяка. Поэтому мне представляется в высшей степени интересным посмотреть, чем ты эту форму наполнишь. СП: Я бы хотел отказаться от пересмешничанья. Потому что все направления в искусстве уже давно питаются друг другом, давно друг друга обезличили. Нет концептуализма, абстракционизма, акционизма. Есть единое информационное поле, поэтому я опираюсь на то единственное, что знаю сам. И знаю абсолютно точно. На собственные воспоминания, ощущения, чувства… Вот у меня был дядя покойный. Дядя Жёня. Алкоголик и поэт. Действительно алтарный человек. Сейчас я это понимаю. Он меня встречал на Шаболовке в своей комнате в коммуналке, держа в руках сковородку с картошкой, по которой ползали тараканы… АО: …а почему они по ней ползали? СП: Ну потому, что он не мог уделить достаточно внимания быту… Не получалось у него. Он был такой сгорбленный немножко, но при этом величественный. Настоящий поэт. А потом он скончался при странных обстоятельствах. Женился под давлением на какой-то чеченской девушке, на следующий день его, разумеется, нашли мертвым в его же собственном дворе, и еще через день после свадьбы он уже лежал в морге 62-й больницы. Ну, то есть попросту отжали комнату… И мой алтарь, одна из его частей или даже скелетон этого алтаря, и есть судьба такого дяди Жёни, моего дяди Жёни. Или вот еще картонки, с которыми люди стоят в метро, на вокзалах: «Я бывший профессор…», «Одна рощу сына...», «Родился я в Покрышкино…». Я вижу в этом шизоидную географию и пульсацию графики. Графики тонкой, рукодельной, ты вспомни, каким шрифтом, каким почерком эти таблички написаны. И вешают их на грудь, как иконы. В общем, мне захотелось сделать не алтарь пересмешничества, а алтарь поклонения, алтарь понятия и принятия того, что ад уже наступил. Трагический алтарь… АО: …драмы человеческой… СП: …и тщеты. АО: Да, тщеты. Это интересно. Он будет деревянным? СП: Деревянным. Семь рядов (сакральная семерка) по двенадцать работ, выстроенных до потолка, там даже невозможно разглядеть, что наверху. Специально. Обычно в церквях размер увеличивается, чтобы можно снизу что-то увидеть. Ну а я хочу таким образом обыграть тему масштаба в пластике культовых сооружений. АО: А какого размера работы? СП: Очень маленькие. 25 на 30 сантиметров. Восемьдесят четыре объекта. Семь линий: линия отказов, линия приказов, линия извне, линия снаружи... Какие-то странные формы, но в то же время точные и определяющие нашу жизнь, мою жизнь. По краям два стражника. Две деревянные большие скульптуры. АО: Ты их сам сделал? СП: Да. АО: Вырезал из дерева? СП: Да. АО: Интересно. СП: Стражники, потому что алтарь – это врата. Дверь между прошлым и будущим, между живительным и смертельным, между бытием и небытием. АО: Мне кажется, только в православной традиции пространство за алтарем недоступно никому, кроме священника. Ни в католицизме такого нет, ни в исламе, там вообще нет ничего скрытого. И мне кажется, что эта скрытая область… СП: …ИСКУШАЕТ. АО: Да, да, да, ты у меня, как говорил Энди Уорхол, снял слова с языка. Искушает. Это место, где бушуют неясные энергии. С одной стороны, искушает, выступает в роли места тайны, божественного загадочного присутствия, а с другой – провоцирует в русском народе (и раньше, и сейчас, если судить по последним событиям в храме Христа Спасителя) чудовищные интенции. Ворваться туда, насрать, какие-то гадости сделать, вспомним, что в семнадцатом году происходило. СП: Произвести тотальное кликушество. Кликушество, возведенное в родственника церковнослужения. Потому что юродство и кликушество – часть благостности. АО: Оборотная сторона. Да, ворваться и что-то сделать совсем уж запредельное. Потому что ты стоишь перед этой тайной, заговорен этой тайной, ты перед ней преклоняешься и делаешь это так бесконечно долго, что возникает неудовлетворенность. Ты просишь у Бога каких-то поблажек, даров, а он, как тебе кажется, не дает. Неудовлетворенность растет, копится, а потом превращается в непотребные действия. Это одна из черт русского характера. Где-то на дне всегда бродит неприятный, неподконтрольный, неприручаемый двойник… И мне кажется, ты, Сережа, занимаешься тем, что этого двойника исследуешь. Это твоя позиция в культуре, когда ты снимаешься в фильмах Светланы Басковой или в других фильмах. К сожалению, в «Шапито-шоу» тебя было немного, но ты там создал необычайно интересный образ. Во-первых, архетипичный для тех южных мест, во-вторых, в традициях немого кинематографа, Чарли Чаплина. Ты в «Шапито» не так уж много и говоришь, но твои движения, жесты отсылают к немому кино. Твоя позиция выражается одновременно и в кинематографе, и в перформанс-арте (если говорить о московской сцене), и в изобразительном искусстве. СП: То есть ты мог бы мне доверить такую тему, как алтарь? АО: Абсолютно. Я считаю, что ты можешь ее решить необычайно оригинально, так, как никто не смог бы сделать. Это будет уникальная работа, и я ее жду с нескрываемым интересом.

◄25 апреля - 27 мая 2012 в Выставочном зале Парадного корпуса РОСФОТО выставка Барбары Клемм «Свет и тень. Фотографии из Германии». Открытие 24 апреля Большая часть представленных на выставке работ была сделана для газеты «Франкфуртер Альгемайне Цайтунг», с которой Клемм сотрудничает уже много лет. Ценность этих фотографий составляют не только их несомненные художественные достоинства, но и их историческая значимость: обладая важнейшим для репортера даром оказываться в нужное время в нужном месте и умением «выхватить кадр», который потом становится символом целой эпохи, Клемм отразила в своих снимках всю историю Германии с начала 1960-х годов до наших дней.

◄24 апреля 2012 в Фонде Stella Art комиссаром Российского павильона на 55-й Венецианской биеннале 2013 года был объявлен художник, который будет представлять Россию - Вадим Захаров. Более подробная информация о проекте и о кураторе выставки будет объявлена в конце 2012> Так же были объявлены участники выставки в павильоне Москвы на 9-й Шанхайской биеннале (октябрь 2012 - февраль 2013): Юрий Альберт,  Дмитрий Гутов, Анатолий Осмоловский, Андрей Филиппов. Одним из кураторов биеннале стал Борис Гройс>

◄24 апреля - 15 мая 2012  в выставочном зале "Замоскворечье" (Москва, Серпуховской вал, 24, корпус 2) выставка белорусских художников, членов одной семьи Поплавских, около 100 живописных и графических работ художников. Георгий Поплавский, Наталья Поплавская и Екатерина Поплавская>

◄22 апреля  - 24 июня 2012 в Гридчинхолле (Московская обл., Красногорский район, село Дмитровское, ул. Центральная, 23) выставка Марии Агуреевой "Раскопки. Слой 0". Куратор выставки Александр Евангели. Открытие 21 апреля с 16 до 20.

Художница из Петербурга Мария Агуреева воспринимает действительность как объект для фотосъемки и как холст для живописи. Свои работы Маша создает так: наносит краску на предмет или на тело модели, выстраивает кадр, фотографирует, печатает фото. В проекте «Раскопки» художница развивает эту технику и добавляет в свой арсенал несколько новых методов. Она использует гуммибихроматную печать, цианотипию, шелкографию, струйный принт, печать на холсте, пластификацию. Экспозиция «Раскопок» основана на сериях, в которых изображения предъявлены в разных техниках и форматах. Художница отправляет образы в своего рода медиальное приключение, наделяя свое повествование чертами античного циклического времени. Метаморфозы изображения, выполненного в разных техниках, сообщают зрителю об относительной неизменности и повторяемости разных сюжетов, о возвращении домой. На фоне идеального изображения, сделанного на современных машинах, работа со старыми техниками иногда создает впечатление случайного, испорченного отпечатка, но иногда ручная техника наделяет изображение обаянием подлинности, недостижимым при серийной печати. Мария Агуреева через тематизацию техник исследует само повторение события и находит общие структуры времени в современном сериале и в древнегреческом мифе. Александр Евангели>

◄20 апреля - 15 мая 2012 в двух залах галереи "Триумф" новый ежесезонный проект МЕТОД: Кarik & Valya Александра Захарова и «Репродукция» Таисии Коротковой, которые работают темперой и маслом по дереву. «…а я лежу в высокой траве у быстрого ручья и, прильнув к земле, вижу тысячи всевозможных былинок и чувствую, как близок моему сердцу крошечный мирок, что снует между стебельками, наблюдаю эти неисчислимые, непостижимые разновидности червяков и мошек и чувствую близость Всемогущего …» И. В. Гете. «Страдания юного Вертера».

Вокруг Александра Захарова кипит художественная жизнь: огромные форматы, трехмерные и четырехмерные изображения, движущееся всё, бесконечный запас новых медиа, который юные и не очень авторы с упорством пытаются исчерпать и освоить, но технологии того и гляди их опередят. Сегодня зрительский глаз и сознание атакуют сложносочиненные мультимедийные проекты, мы готовы с легкостью воспринять одновременно звуковую, зрительную и чувственную информацию. И тут Александр Захаров показывает лаковые миниатюры, выполненные в традиционной технике, которые требуют внимательного всматривания, и в нас, отвыкших от серьезных сюжетов, просыпается детский азарт, увлеченность в духе «что дальше» и «чем кончится». Время выделило художнику Захарову карман, каким-то непостижимым образом уберегло его, и между сквотом в Фурманном переулке (где Захаров когда-то начинал), Америкой и теперешней Москвой живет серьезное искусство в игрушечном формате. Два маленьких персонажа Карик и Валя, взятые из книжки Яна Ларри, путешествуют среди огромных, словно тропических растений и насекомых, приспосабливают исполинов под качели и гамаки, спасаются от монстров-богомолов, муравьиных львов и стрекоз с самолетным размахом крыльев. Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения – тут и мильтоновские душистые рощи, где «пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...», и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия. При этом Захарову хватает крепкого академического навыка на максимальный сюжетный диапазон – от писающих мальчиков до изгнания из рая, он на редкость последователен в травестии классического живописного канона, ловко варьируя, играючи перебирая сюжеты. Захаров находится в заведомо безопасной, китчевой зоне, кажется, единственно свободной от убийственной серьезности новых поборников художественной чести. Свифтовская революция, которая отозвалась и у Кэролла, и у Ларри, и во всей фантастической литературе, заканчивая фильмом «Дорогая, я уменьшил детей», теперь в исполнении Александра Захарова снова обучает иронии, санирует современную культуру. У его работ есть еще одно важное свойство: «сверхплотность» поверхности – она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров. Чудесные приключения могут приобрести тотальность действия, странным образом конкурировать с реальностью или, по крайней мере, создавать параллельный поток, который не так уж далек от вертеровского приступа любви к миру, открывшего гетевскому герою микроскопическое зрение, когда он разглядел тысячи былинок и ощутил «веяние Вселюбящего». Екатерина Иноземцева> Живая матрица. Французский семиолог Ролан Барт писал, что литератор никогда не сидит перед абсолютно чистым листом бумаги. На этом листе в силу многовековой практики письма уже что-то написано, в сам процесс заложен его исход – слова, предложения, формулировки, фабулы и развязки. Задача опытного писателя заключается в том, чтобы распознать эту речь прошлого текста и противопоставить ей свой собственный голос, не заблуждаясь на счет того, что и он тоже сконструирован из многочисленных слоев опыта читателя. В похожем положении находится современный живописец. Загрунтованный холст не пуст в начале работы. В конце может оказаться, что заложенные в нем языки полностью поглотили первоначальный импульс к созданию нового. В каком-то смысле художник похож на безымянного сутенера из «Тропика Рака» Генри Миллера: «Может быть, это не слишком приятно – склоняясь над женщиной, ощущать дыхание другого мужчины? ... Может быть, обхватив в темноте ее тело и пытаясь сыграть на нем новую мелодию, он не просто удовлетворяет свою страсть или свое любопытство, но сражается в одиночку с невидимой армией, взявшей приступом ворота, армией, которая прошла по ней, растоптав и оставив ее голодной». (Позже мы поговорим о том, почему мы выбрали именно такое сравнение). Таисия Короткова хорошо осведомлена о том, каким смысловым фоном обладает пустой холст, и делает все возможное, чтобы уйти от диктата навязываемых им решений. Внимательный зритель оценит существенную работу по расчистке и перезагрузке картинного пространства. Пожалуй, в серии, посвященной родам, это чувствуется лучше всего, ибо сам сюжет встраивается в несколько хорошо разработанных в европейской живописи рядов. Это, во-первых, корпус картин о медицине, смысловой центр которого занят полотном Рембрандта «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632). Во-вторых, это необозримое разнообразие произведений, посвященных материнству, как в светском, так и в религиозном аспекте. И, наконец, в-третьих – трактовка, предложенная самим художником. Итак, перед нами «12 работ, поделенных на три сюжетные части: студенты, мамы, дети». Это «некий круговорот: дети родились, обучились, зачали следующих, которые родились, обучились и так далее». Строгой последовательности смены кадров нет, поскольку на вопрос о том, что было раньше, курица или яйцо, ответить невозможно. Перед нами, если раскручивать эти аналогии дальше, вариация на любимую Средневековьем и Северным Возрождением тему трех возрастов человека. Репродуктивные технологии, таким образом, служат декорациями для moralite в духе Ганса Бальдунга Грина и его «Возрастов». Только у Грина одним из персонажей становится смерть. В серии Коротковой смерть показана лишь косвенно. Она предстает либо в виде обучающих материалов – муляжей зародышей на разной стадии развития, куклы беременной женщины – либо как отсутствующий враг многочисленных студентов-медиков, готовящихся овладеть искусством победы над ней. Так осуществляется переход к другому сюжету, «просвечивающему» сквозь работы. Рембрандтовский «Урок анатомии доктора Тульпа» – вещь, написанная по заказу Николаса Тульпа для демонстрации его способностей. Такого рода картины существовали и до Рембрандта: они начали появляться вместе с первыми анатомическими атласами и с частичным снятием запрета церкви на вскрытие тел. В качестве пассивных актеров в этом театре доктора могли брать тела казненных преступников, один из которых – 28-летний Адриан Адрианс (он же Арис Киндт), повешенный за воровство, – и лежит на столе в картине Рембрандта, в центре внимания собравшихся. В силу относительной свежести сюжета рембрандтовский шедевр уже начинен дополнительными коннотациями. В статье 1958 года В. С. Хекшер указывает на то, что Тульп ориентировал Рембрандта на портрет автора широко известного анатомического атласа Везалия, помещенный в первом издании его книги. Долорес Митчелл в статье 1994 года высказывает предположение, что Рембрандт, видимо, без согласования с заказчиком, ассоциирует препарируемое тело с мотивом мертвого Христа и направляет наш сочувственный взгляд на тело грешника. Художник не акцентирует внимание на подтексте открыто: фигуры, живописно сгрудившиеся вокруг основного места действия, лишены патетической жестикуляции, но потенциально готовы к ней. Неудивительно, что в двух полотнах из серии можно увидеть параллели к «Уроку анатомии». В «Кесаревом сечении» и «Пересадке эмбриона» медицинские процедуры показаны как театральное действо. Инструменты на «просцениуме» «Кесарева сечения» указывают на главного героя – новорожденного младенца. Чтобы подчеркнуть его значительность, крайняя справа медсестра передает врачу ножницы, что можно трактовать как характерный для маньеризма и барокко указующий жест второстепенного персонажа вглубь картины. Только у Коротковой у этого жеста сбито направление: ножницы в руке у медсестры подчеркивают функциональность и обыденность происходящего. «Пересадка эмбриона» еще ближе к «Уроку анатомии»: тут наличествует даже неподвижное (под наркозом), хоть и не мертвое, тело, присутствующее на картине фрагментарно, в виде руки, сжатой в кулак. Эта трогательная деталь является единственным указанием на то, что перед нами – медицинская процедура над живым человеком. Врачи, однако, на него не смотрят: их внимание приковано к экрану, с помощью которого осуществляется управление операцией. Процесс доведен до автоматизма, напоминающего о том, что и как демонстрирует доктор Тульп, – он показывает на мышцу, отвечающую за движение пальцев, раскрывая зрителю механику жизни, не обусловленную душевными движениями. Короткова, в свою очередь, подчеркивает технологическую изощренность важнейших медицинских операций, где участие человека – матери, ни больше ни меньше – максимально пассивно. Если материнство в контексте той или иной религии славится разнообразием воплощений, то беременность – сюжет еще более новый, чем уроки анатомии. Его появление, безусловно, связано с развитием медицины и увеличением продолжительности жизни, когда на беременности стало можно акцентировать внимание без опасений «сглазить», пусть и высокохудожественно. Густав Климт в «Надежде I» (1908) пишет громадную фигуру беременной как символ надежды и, одновременно, предупреждение о ее тщетности: на задний план он помещает лицо, искаженное страдальческой гримасой, и череп. «Беременная» Марка Шагала (1913) намного более оптимистична, поскольку является характерным для его работ этого периода смешением христианского мифа с пейзажем еврейского местечка. Перед нами, безусловно, Мадонна с младенцем, который легко представим у нее на коленях, а не в животе. До Второй мировой войны трактовки беременности в целом располагаются между этим полюсами. Позже, с развитием феминистских движений, беременность и забота о младенце становится поводом для взгляда со стороны женщины, подчас радикального. Как отмечает в статье 2012 года Вероника Голицына, американка Мэри Келли в серии Post-Partum Document делает нечто напоминающее русскому зрителю об альбомах Ильи Кабакова. Только вместо абсурдистских рисуночков Келли фиксирует изматывающую повседневность. В одной из частей серии она, к примеру, прикладывает к бумаге подгузник своего новорожденного сына и рядом печатает (отметим то, что надписи наносятся не от руки, а механическим методом) его menu du jour. Сьюзен Хиллер фотографирует свой живот во время беременности как лунный пейзаж. «Мужскому взгляду», регулярно драматизирующему беременность, роды и материнство, ставящему эти процессы в центр некой внеперсональной игры стихий, борьбы добра и зла и прочих «больших идей», художницы-феминистки противопоставляют взгляд документалиста или ученого, кропотливо исследующего частности. Через семидесятые мы вплотную подходим к вопросу о том, почему надо было сравнивать живописца с сутенером при помощи цитаты из женоненавистнической, по нынешним политкорректным меркам, книги Генри Миллера. Цитата очищена нами от смачных грубостей, но тем не менее использована. Здесь мы вступаем в сферу, которая инстинктивно – никаких интеллектуальных оснований бояться ее нет – считается опасной на территории нашей страны. Наверняка и сама художница будет против использования термина. Дело в том, что Короткова конструирует феминистский взгляд на машинерию родов. Он не заявлен на уровне публицистики, но вычитывается из особенностей композиций и сюжетов. Было бы, наверное, преувеличением называть эту серию актом символической мужской кастрации. Тем не менее напряжение для мужского взгляда (то есть для автора этой статьи) слишком велико, чтобы не попытаться снять его с помощью профанной, снижающей фразы из «Тропика Рака». Ведь любая грубость, как пишут фольклористы, – это страх перед неизвестным и необъяснимым, и в некоторых случаях вынужденного перехода границ между мужским и женским миром – страх кастрации. Собственно, серия построена на нарушении границ. Механика родов чаще всего не дана нам в ощущениях и осуществляется в стерильных лабораториях, закрытых от посторонних. Благодаря Коротковой мы подсматриваем за рядом узкопрофессиональных и/или сугубо личных процессов. К тому же, героини серии, будущие матери, являются субъектами, а не объектами выбора в пользу детей. Это не игрушки внешних сил и не повод для обобщений. Здесь есть матери, но нет отцов, да и вообще мужского начала – у персонажей сильного пола отсутствует какая-либо растительность на лицах. Женщины колят себе гормоны, пересаживают эмбрион, вынашивают ребенка для кого-то другого («Суррогатная мать», заметим в скобках, – наверное, самый трогательный образ серии, очевидно, оттого, что любая мать время от времени чувствует себя суррогатом, довеском к развивающемуся плоду). Матерей окружают гендерно нейтральные существа. В «Студентах» юноша и девушка одеты в специальные тренировочные жилеты, помогающие им понять, какой вес у беременной женщины на разных сроках. Но главное, что позволяет назвать этот взгляд феминистским, – это преобладание документальности и сдержанности в демонстрации родовой машинерии. Она предъявлена прямо, без экивоков и сентиментальности. И в отечественном искусстве такой подход, без сомнения, революционен: ничего подобного до Таисии Коротковой никто не делал. Валентин Дьяконов>

◄20 апреля - 13 мая 2012 в Доме фотографии (Остоженка, 16) в рамках Фотобиеннале 2012  выставка "Вим Вендерс. Картины с поверхности Земли"> ◄20 апреля - 27 мая 2012 в Доме фотографии (Остоженка, 16) в рамках Фотобиеннале 2012  выставка Ай Вэйвэя "Нью-Йорк. 1983 - 1993">

Строго говоря, Ай Вэйвэй не фотограф, хотя в 1970-х и учился в Пекинской киношколе вместе будущими звездами китайской волны 1990-х Чен Кайге и Чжан Имоу – их тоже можно увидеть на нью-йоркских снимках вместе с другими друзьями художника. Эти фотографии были сделаны тогда, когда Ай Вэйвэй еще не проектировал вместе с Херцогом и де Мероном знаменитый стадион в форме птичьего гнезда в Пекине к Олимпийским играм 2008 года. Еще до того, как он в 2009-м выложил на своем сайте имена 5212 школьников и студентов, погибших во время землетрясения 2008 года, о чем правительство Китая предпочитало молчать. Собственно, именно после этого блог Ай Вэйвэя, на который ежедневно заходило сто тысяч человек, и был закрыт правительством. И до разрушения властями студии художника в Шанхае, на которое он ответил карнавально-поминальным жестом – пиром на весь мир с пивом и раками. Кстати, постройка студии была его первым архитектурным опытом (на него Ай Вэйвэя вдохновила книга о том, как философ Людвиг Витгенштейн спроектировал и построил дом своей сестре в Вене). И тем более до ареста и исчезновения в апреле 2011 года: его тогда допрашивали 80 с лишним дней, после чего выпустили, запретив покидать страну, давать интервью и вести блог. Далее>

◄20  апреля - 16 мая Российский аукционный дом (Москва, Гостиный двор) представляет выставочные проекты "Традиции авангарда" Александра Лозового и "Прикосновение к сердцу" Ахра Аджинджал. Пресс-показ и открытие 19 апреля> "Я устал от сверхинформативного искусства. Не хочу навязывать себя зрителю, но лишь коснуться его. Коснуться мягко, легко и тем самым воззвать к его сердцу". Ахра Аджинджал>

◄19  апреля - 13 мая в ЦДХ (Крымский вал, 10, 2 этаж, зал 7) ArtPreview представляет выставку "Город Ню...". Николай Силис, скульптура – малая пластика, графика и Галина Эдельман, Живопись.

◄19  апреля - 28 июня в музее «Новый Иерусалим» выставка произведений Олега Кудряшова, к 80-летию художника. «…Линия – и ничего другого не надо. Причём она не слишком рафинированная. Она очень простая – чиркнул здесь, чиркнул там, никакой каллиграфии нет. Просто конкретный опыт и память о том, что ты видел позавчера, вчера, сегодня… И самое ценное – это живое прикосновение, живой рисунок…». В музее «Новый Иерусалим» работы Олега Кудряшова впервые появились в 1998 году, когда он вернулся в Москву после 24-летнего пребывания в Лондоне. Эти 20 гравюр сухой иглой – малая часть того щедрого дара российским музеям, с которого художник начал новый этап своей жизни на родине. К выставке работ Олега Кудряшова музей «Новый Иерусалим» совместно с издательством «Арт-Волхонка» выпускает иллюстрированный каталог, в котором публикуются записи бесед с художником, его воспоминания и размышления об искусстве.

В открытии выставки примет участие известный джазовый музыкант Олег Юданов – барабанщик и перкуссионист, участник легендарной российской джаз-группы «Архангельск», которая в 70-80-е годы принадлежала к числу лидеров музыкального авангарда>

◄18 апреля - 13 мая 2012 в Доме фотографии (Остоженка, 16) в рамках Фотобиеннале 2012 две выставки посвященные Ингмару Берману: "Ингмар Берман. Image Maker" и "Ингмар Бергман: человек который задавал сложные вопросы">

◄18 апреля - 27 мая 2012 в Доме фотографии (Остоженка, 16) в рамках Фотобиеннале 2012 выставка Аркадия Шайхета "Продолжение. 1928-1931">

◄24 ноября 2011 - 2 сентября 2012 Московский музей современного искусства (Петровка, 25) представляет новую экспозицию коллекции музея "ИСКУССТВОестьИСКУССТВОестьИСКУССТВО". Куратор Дмитрий Озерков (Эрмитаж). Разговор о картинах и скульптурах лежит в основе понимания искусства. Произведения обсуждают зрители, критики, искусствоведы; художники цитируют в своих работах картины и скульптуры предшественников. В любом произведении искусства уже в момент его создания заложено множество комментариев. Умное рассматривание искусства и разговор о нём – это артикулирование мыслей и идей, заложенных в произведении. Процесс этот бесконечен, более того, его начало и конец неуловимы, поскольку первые комментарии давно не восстановить, а последний, возможно, будет произнесён в далёком будущем. В этой связи комментирование искусства представляется как главная практика его осмысления. Название новой экспозиции Московского музея современного искусства «ИСКУССТВОестьИСКУССТВОестьИСКУССТВО» отсылает к стихотворению Иосифа Бродского «Два часа в резервуаре» (1965). Тавтологически закрученная строчка, отражение присущей искусству саморефлексии, стала отправной точкой для главной идеи экспозиции – понимания искусства как всеобъемлющего и всесторонне открытого комментария. Комментарий, по сути, являет собой универсальную связь времён – сквозной элемент истории искусства и одновременно стимул к развитию новых художественных процессов. Выставка задумана как увлекательное путешествие по миру идей XX-XXI веков, выраженных различными изобразительными средствами. При создании своих произведений художники стремились к изображению и преобразованию различных форм познания действительности. Подлинное произведение искусства заключает в себе импульс, сила которого побуждает к обсуждению идеи произведения, комментированию, размышлению, а в идеале, призывает и к созидательному мировоззрению, распространению этих высших идей. Таким образом, искусство, одновременно, и отражает жизнь, и основополагающим образом на нее влияет. Среди художников, чьи работы будут представлены на выставке, Борис Анисфельд, Казимир Малевич, Давид Бурлюк, Александр Родченко, Александр Лабас, Андрей Вознесенский, Игорь Макаревич, Дмитрий Пригов, Иван Чуйков, Виктор Пивоваров, Франциско Инфанте, Виталий Комар и Александр Меламид, Юрий Альберт, Константин Звездочетов, Тимур Новиков, Айдан Салахова, Александр Джикия, Олег Кулик, Ирина Нахова, Георгий Пузенков, Андрей Ройтер, Андрей Бартенев, арт-группа «Синие носы», Елена Ковылина, Аня Желудь, и другие. В экспозицию также войдут специальные проекты Ольги Трейвас, Дмитрия Теселкина, Шахара Маркуса и Ивана Плюща.

◄19  апреля - 20 мая в галерее 11.12 выставка Владимира Семенского "Литораль". Открытие 18 апреля. И, на самом деле, все работы, которые мы видим, написаны на берегу. Это не только берег Чёрного моря или Индийского океана, это ощущение берега как конца земли и предела обыденности, осознание и переживание предела среды обитания человека. Речь идёт о конце мира, каким мы узнали его когда-то; он снова изменился и требует того же от человека; отсюда растерянность, мрачные прогнозы и психотические ожидания, которые художник слышит вокруг себя; отсюда усталость и внимательное исследование сценариев гибели всего живого, в которых обнаруживает себя время.

◄18 апреля 2012 - 8 сентября 2013 в ГТГ (Лаврушинский переулок, 10, зал № 39) выставка "ВИКТОР ВАСНЕЦОВ. Эскизы к росписям Владимирского собора в Киеве. 1885–1896. Программа «Третьяковская галерея открывает свои запасники». Пресс-показ 17 апреля в 14.00. Вернисаж в 17 апреля в 16.00. Виктор Михайлович Васнецов (1848–1926) – один из самых знаменитых русских художников второй половины XIX – начала XX века. Принять участие в оформлении интерьера храма-памятника, посвященного 900-летию Крещения Руси, художнику предложил историк искусства и археолог профессор А.В.Прахов, руководивший внутренней отделкой собора. Не сразу согласившись, поскольку считал «дело по значению и величию… черезвычайно серьезным», живописец посвятил ему десять лет жизни (1885–1896). Художнику пришлось решать в стенописях одну из главных задач церковной живописи: найти верное соотношение конкретного и идеального. Он соединил реалистически трактованные объемные фигуры с фоном, данным в условной манере русских миниатюр, а также поместил все изображения в орнаментально- ковровую оправу. Общий колорит росписей, построенный на радостных мягких и теплых тонах, позволил достичь гармонического единства. В журнале «Мир искусства» писали о храмовом монументальном ансамбле: «Это выдержанное цельное творение, в котором чувствуется живой порыв и большое декоративное чутье». П.М.Третьяков высоко ценил творчество В.Васнецова. Беспрецедентным стало поступление в галерею в 1893 году почти всех подготовительных работ к росписям в соборе.

◄17 апреля - 21 мая 2012 в галерее 21 (Москва, Пуговишный переулок, 11, стр.3) выставка "За сценами встречи", 3-й проект цикла "Нелокальные опытные модели". Куратор Сергей Огурцов. Художнкики: Илья Долгов, Наталья Зинцова, Юлия Ивашкина, Сергей Лоцманов, Станислав Шурипа, Виктор Юдаев. Открытие 17 апреля. Выставка "За сценами встречи" исследует вопрос возникновения произведения. Почему мы выделяем определенные вещи из потока жизни в качестве искусства? Является ли это случайным, волюнтаристским актом, или сама структура произведения предвосхищает взгляд зрителя?

Представленные работы не тематизируют встречу, как это часто случалось в классической живописи. Скорее, они пытаются заглянуть за повторяющиеся сцены встречи, обнажить синтаксис произведения и присутствие зрителя. Выставка фокусируется на трехмерном объекте, скульптуре>

◄17 апреля - 21 мая 2012 в ЦДХ (Москва, Крымский вал, 10, 2 зал) "Москва семидесятых", ретроспектива Николая Горлова (1917 - 1987), организованная галереей Елены Зениной> <слева - ЦПКиО, справа - ВДНХ, павильон Космос>

◄С 14 апреля  по 13 мая 2012 в галерее FotoLoft (Винзавод) выставка Рэя Госта "Фобиофилия">

◄С 12 апреля по 13 мая 2012 в цехе "Оливье" "Проекта Фабрика" (Москва, Переведенческий пер. 18) выставка "Checkpoint". Открытие 12 апреля. Куратор Потапов Владимир. Выставка «Checkpoint» – это условное сохранение и фиксация той «прибыли», которая за последние годы позволила обратить внимание на изменения в современной живописи.

«В 90-ые только идиот мог заниматься живописью» эта фраза А.Осмоловского красноречиво описывает ситуацию, в которой живопись как вид искусства была табуирована и репрессирована до унизительного "ликвидный продукт". Новое поколение художников диаметрально изменило ситуацию.  Коррекция ли это 90-ых или же это "валюта убежище", обусловленная общей стагнацией, временный тренд или же разворот?   Участники: Короткова Таисия Погоржельский Александр Кошелев Егор Мачулина Диана Плющ Иван (cлева - Билет) Кульков Влад Застава Юля (справа - Cherries_talk) Потапов Владимир Васильев Алексей Ткач Валентин Бегальская Вика Караффа-Корбут Тимофей>

◄С 13 апреля по 15 июля 2012 в LABORATORIA Art&Science Space (Москва, улица Обуха, 3) российско-австрийский художественно-научный проект "Пыль".  Открытие в День космонавтики 12 апреля. Организаторы выставки собрали работы, связанные с пылью самого разного характера - космической, электронной, ботанической, и даже физиологической.  Кураторы: Дарья Пархоменко, Симон Мраз. Авторы: Хервиг Вайзер (Herwig Weiser), Эрвин Вурм (Erwin Wurm), Криста Зоммерер и Лоран Миньоно (Christa Sommerer & Laurent Mignonneau), Дитмар Оффенхубер (Dietmar Offenhuber), Маркус Деккер (Markus Decker), Оркан Телхан (Orkan Telhan), Бартоломеус Траубек (Bartholomaeus Traubeck), Кирил Асс и Анна Ратафьева, Алексей Блинов, объединение Вверх!, Наталья Егорова, Дарья Кротова и Сергей Кротов, Максим Ксута, группа «Куда бегут собаки», Анатолий Осмоловский, Александра Паперно, ПРОВМЫЗА, Роман Сакин и Ольга Волкова, Ольга Чернышева, Сергей Шутов>

«Пыль мозга» – инсталляция Сергея Шутова, посвященная фосфенам – фигурам, светящимся точкам, рисункам, которые можно видеть с закрытыми глазами, стимулируя мозг специальным электроприбором, вглядываясь в себя как во тьму, как во внутренний космос.  Но можно смотреть и вовне, вглядываться и в дневную пыль, ту, что остается от вещей обычных, видимых при рассеянном «естественном» свете. В работе Алексея Блинова «О чем помнит пыль» с помощью датчиков, установленных на швабрах, посетители, убирая пыль, смогут услышать в наушниках то, что споют и расскажут ее частицы, сохраненные мгновения информации, сплетающиеся в одно глобальное повествование. Доводя эту логику до конца, группа екатеринбургских художников «Куда бегут собаки» в своей интерактивной работе отождествляет с «пылью» самих посетителей и на протяжении выставки будет взвешивать и подсчитывать объем «пыли», которая ее посетила. Пыль отмечает ход времени, процесс разрушения и исчезновения, предъявляет собой тот остаток, который вызывает ностальгические чувства. В работе Эрвина Вурма от предмета остается лишь его пыльный отпечаток, на обозрение публики выставляется само его отсутствие, угадываемое по контурам в пыли. Пыль теперь отмечает собой время после какого-то мгновения, словно становясь памятником, отсчитывающим время остановки жизни, как годовые кольца дерева отсчитывают ее начало. Это хранимое пылью начало демонстрирует генеративная звуковая инсталляция «Годы» Бартоломеуса Траубека, где срезы дерева с годовыми кольцами используются в качестве пластинок на виниловом проигрывателе. Считывающая кольца дерева видеокамера превращает время в музыку, делает доступным то, что тайно хранит в себе материальный предмет. В работе «Серенада пыли» Дитмара Оффенхубера, Маркуса Деккера и Оркана Телхана, звуковая волна преобразует частицы уличной пыли на своем пути, оживляя их. Эта интерактивная инсталляция реконструирует акустический эксперимент XIX века физика Августа Кундта, с помощью которого он измерял скорость звука в газах. Технологическая инсталляция Хервига Вайзера «Zgodlocator» переводит пыльное месиво в индустриальные звуки. Изменяя напряжение магнитного поля, зритель может сам манипулировать превращениями и звуками субстанций. Этот объект выглядит как окно в фантасмагоричный мир, в котором рождаются и умирают таинственные ландшафты. Музыка «пыли» сообщает о сверхабстрактной жизни, чей код не изучен, чье сообщение мы еще не можем принять, но которой пронизано все. Архивы и пыль – неразделимые понятия, что и исследует группа ПРОВМЫЗА в своей работе «20.21», видеорепрезентации уплотненного и жестко структурированного времени, представленного глазами посетителя библиотеки. Можно возразить, что теперь, в «электронный» век, пыли больше нет, однако и в самом стерильном цифровом пространстве частицы информации, пиксели знания, – все вместе не более, чем пыль и шум. Об этом - видеоинсталляция объединения Вверх!, превращающая случайные видео из интернет в «пыльные» цифровые ландшафты. Каждое из них – отдельный осмысленный мир, все вместе – огромный «хаосмос». Австрийские художники Криста Зоммерер и Лоран Миньоно, пионеры технологического искусства, специально для выставки создали интерактивную инсталляцию, которая превращает человеческую речь в шум и дым. Пыль вдруг может осесть самостоятельно в некий остаток, контур, рельеф, который напоминает о человеке, как если бы само присутствие человека во вселенной уже было неизгладимо. Кирил Асс и Анна Ратафьева проявят с помощью угольной пыли увядшую архитектурную плоть, память старой декоративной эпохи. И выводя эту инкарнацию пыли из прошлого в настоящее, Анатолий Осмоловский напишет с помощью этого хрупкого летучего вещества лозунг «подлинная свобода в жесточайшей логике развития все остальное – произвол». Афоризм текущего мгновения – это интенсивность мысли, которую смог увидеть художник, живущий в «здесь и сейчас». 13 апреля в рамках выставки «ПЫЛЬ» пройдет лекция «Чувствуя пространства / расстанавливая чувства» Дитмара Оффенхубера, художника и исследователя MIT. Он расскажет о своих исследованиях в области ощущений и мотивации в урбанистической среде, которые он проводит в лаборатории Senseable City, и о художественных и исследовательских проектах, таких как Trash | Track и Forager, связанных с отслеживанием передвижений мусора с помощью технологических разработок, и позволяющих выявить закономерности и упорядочить эти процессы, на первый взгляд кажущиеся хаотичными. Подобное взаимоотношение порядка и хаоса также характерно для работы «Серенада пыли», которая будет представлена на выставке, и о которой Оффенхубер расскажет вместе с соавторами - Маркусом Деккером и Орканом Телханом.

◄11  апреля - 20 мая ретроспективная выставка и фестиваль "Тарковский. Space" к 80-летию Андрея Тарковского в галерее на Солянке (Москва)>

◄С 10 апреля  2012 в галерее pop/off/art на Винзаводе групповая выставка «Полная ложь. Искусство политической метафоры». Эта выставка – рефлексия художников галереи на политические события в стране последних лет. Финисаж выставки состоится 7 мая, в день инаугурации избранного Президента Российской Федерации. В этот день будет показан перформанс одного из художников галереи. На выставке демонстрируются фотографии Григория Майофиса из известной серии «Пословицы», новые картины Ростислава Лебедева и Влада Юрашко, графика Владимира Сальникова. Часть работ создана специально для выставки>

Михаила Молочникова и Тамару Иванову многое объединяет. Они делят общую мастерскую в Берлине и легко нашли общий язык: они – люди одного поколения, успевшие получить советское художественное образование, ремесленное в хорошем смысле слова, и советский опыт художественного инакомыслия, пусть и не слишком долгий. Ремесло, у Михаила Молочникова – архитектурное, у Тамары Ивановой – полиграфическое, кормило, позволяя им оставаться формалистами-инакомыслящими по отношению как к официальному искусству, так и к альтернативной культуре. Честное ремесло, откровенный формализм и независимость привели их обоих, хоть и разными путями, к экспериментам с книгой, из которой так или иначе выходят все представленные на выставке «Сделано в Берлине» работы>

◄С 11 апреля по 20 мая 2012 в галерее RuArts (Москва, 1-й Зачатьевский переулок, 10) в рамках Фотобиеннале 2012 выставка трех:  Марка Боннвиля, Лорана Вилере и Бориса М "Mosgorod", в которой французские фотографы представят московской публике свое видение существующего только в их воображении фантастического мегаполиса, в пейзажах которого угадывается реальная Москва с узнаваемыми чертами других мировых столиц. Открытие 10 апреля>

◄С 11 апреля 2012 по январь 2013 в ГТГ (Крымский вал, 10, зал 24) "Радость труда и счастье жизни. Идеалы ушедшей эпохи". Открытие 10 апреля. Сменная экспозиция скульптуры на Крымском Валу посвящена таким идеализированным понятиям советской эпохи 1930–1950-х годов, как радость труда и счастье жизни, отраженным в скульптуре тех лет. Она продолжит серию скульптурных мини-экспозиций из фондов музея. Будут показаны характерные для своего времени работы, передающие образы ударников труда, спортсменов, актеров, типичных представителей эпохи>

◄10 апреля - 29 июня 2012 в ГТГ (Крымский вал, 10, залы 21-22) графика Петра Митурича. К 125-летию со дня рождения. Искусство П.Митурича (1887–1956), одного из лучших русских графиков ХХ века, развивалось в кругу художников, поэтов и музыкантов авангардного направления. При этом мастер никогда не отказывался от традиционных форм изобразительности. В 1910–1920-е годы он был близок с В.Татлиным. После 1932 года, когда в советском искусстве был утвержден курс на социалистический реализм, П.Митурич оставался верен своим представлениям, попадая в круг неофициальных художников. В экспозицию войдут работы из фондов Третьяковской галереи, которая владеет наиболее полным собранием работ художника>

◄С 7 апреля по 15 мая 2012 в галерее ЛЕС (Москва, Вавилова, 65А, Дом художников) выставка Никиты Сологубовского и Сергея Надточия «Части первых неразумных мыслей с неким смыслом…»>

◄4 апреля 2012 года Московский музей современного искусства в рамках своей образовательной программы открывает новый курс лекций известных искусствоведов по «Современному зарубежному искусству» и «Истории современного московского искусства». Курс лекций посвящен актуальным темам современного искусства зарубежного и российского искусства. 1. Апрель — Июнь. Цикл лекций «Современное зарубежное искусство». Лектор ФАИНА БАЛАХОВСКАЯ, редактор рубрики "Искусство" журнала Timeout (искусствовед, арт-критик). 4 апреля (ср). Разрыв с традицией. Что бы было, если бы не было современного искусства. 11 апреля (ср). Растили ли абстрактный экспрессионизм в лабораториях ЦРУ? Разные пути абстракции. 18 апреля (ср). Популярный поп-арт. Уорхол и Мэрилин – начало счастливой эпохи. 25 апреля (ср). Интеллектуальная магия концептуализма. 16 мая (ср). Минимализм, который трудно не заметить. 23 мая (ср). Выход на пределы: перформанс, акционизм, искусство улиц. 30 мая (ср). Постмодернизм смешавший все. 6 июня (ср). Самая дорогая акула. Искусство в превосходных степенях - больше, дальше, дороже. Стоимость: стоимость одной лекции 700 руб., абонемент на весь цикл (8 лекций) 2400 руб., (стоимость одной лекции по абонементу 300 руб.). 2. Цикл лекций «История современного московского искусства». Лектор: АЛЕКСАНДРА ОБУХОВА (искусствовед, куратор). 18 мая (пт). 1960-е. «Неофициальное искусство». 25 мая (пт). 1970-е. Соц-арт и концептуализм. 1 июня (пт). 1980-е. Концептуализм и «Новая волна». 8 июня (пт). 1990-е. Московский акционизм. 15 июня (пт). 2000-е. Новые технологии и традиция. Стоимость: стоимость 1 700 руб., абонемент на весь цикл (5 лекций)1500 руб., (стоимость одной лекции по абонементу 300 руб.). Приобрести билеты можно в кассе музея>

◄6 апреля - 3 июня 2012  Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства при поддержке Общероссийской общественной организации «Деловая Россия» представляет фестиваль «Коллекционеры и коллекции».  Фестиваль «Коллекционеры и Коллекции» собирает в одном музее редчайшие экспонаты самых разных жанров искусства: утерянный на века шедевр Возрождения; спасенные реставраторами иконы; искусные изделия, принадлежавшие богатым и знаменитым династиям; восточный текстиль, достойный украшать любой музей мира> <Фрагмент отрывного календаря издательства И.Д. Сытина с изображением сцены на ресторанной кухне>

◄С 5 апреля по 3 июня 2012 в новом амстердамском музее кино EYE выставка "Found Footage: Cinema Exposed">

◄VI ежегодный всероссийский конкурс «Инновация» - ГЦСИ (Москва) - за 2011 год. Церемония награждения лауреатов cостоялась 3 апреля в ЦД Artplay. Лауреатами стали:

◄Номинация «ПРОИЗВЕДЕНИЕ ВИЗУАЛЬНОГО ИСКУССТВА» Бродский Александр. CISTERNA («Цистерна»). Инсталляция. Осуществлена в галерее COLLECTOR, Москва. Номинирована НП ВКЦ Е.К.АртБюро.

◄Номинация «КУРАТОРСКИЙ ПРОЕКТ». Виктор Мизиано. Невозможное Сообщество. Выставка. Осуществлен в Государственном музее современного искусства Российской академии художеств, Москва. Номинирован кафедрой ВИИ Российского Государственного гуманитарного университета.

◄Номинация «ТЕОРИЯ. КРИТИКА. ИСКУССТВОЗНАНИЕ» Андрей Фоменко. Советский фотоавангард и концепция производственно-утилитарного искусства. Книга. Санкт-Петербург: изд-во СПГУТД, 2011. - 204 с. ISBN 978-5-7937-0617-9. Номинирована Санкт-Петербургским отделением Российского института культурологии.

◄Номинация «РЕГИОНАЛЬНЫЙ ПРОЕКТ» Ева Гожондек, Стах Шабловски, Ирина Чеснокова, Евгений Уманский. АНКЛАВ. Международный художественный проект. Балтийский филиал Государственного центра современного искусства (Калининград, Россия) совместно с Центром современного искусства «Уяздовский Замок» (Варшава, Польша). Осуществлен в Калининграде и Варшаве. Номинирован Балтийским филиалом ГЦСИ.

◄Номинация «НОВАЯ ГЕНЕРАЦИЯ» Таус Махачева. Быстрые и неистовые. Проект: видео, 21 мин 6 сек, фотографии. Осуществлен в Махачкале, демонстрировался на выставке «Переписывая миры», 4 Московская биеннале современного искусства, основной проект, Центр дизайна ART PLAY, Москва. Номинирован членом Экспертного совета Еленой Яичниковой.

Главными героями нынешней "Инновации" стали Наташа Тамручи, Ольга Шишко и Виктор Мизиано. С Виктором Мизиано понятней всего - по праву его проект "Невозможное Сообщество" признан лучшим кураторским проектом. Осмелюсь заявить, что это было очевидно до церемонии награждения.

Уникальный для наших реалий каталог-исследование "Расширенное кино Expanded Cinema", редактором которого является руководитель «МедиаАртЛаб» Ольга Шишко, получил лишь специальные призы, но оценить, скажем так, откуда что взялось, можно лишь зная, какой путь был пройден Ольгой Шишко за 20 лет продвижения искусства новых медиа в России. И совершенно очевиден успех Наташи Тамручи как галериста - 3 проекта, реализованные в Открытой галерее, в главной номинации: Кузькина, МишМаш и Стасюнаса. Есть повод отметить, что в этой галерее с самого её открытия практически не бывало проходных выставок, а  работающие с галереей художники очевидно прогрессируют. Ю.П.>

◄1 апреля - 3 июня 2012 в Гридчинхолле (Московская обл., Красногорский район, село Дмитровское, ул. Центральная, 23) выставка "The carpet is the message". Куратор Мария Кравцова.  В советское время ковер был признаком богатства и достатка, предметом из разряда must have, вожделенным дефицитом, наравне с югославской стенкой и фарфоровым сервизом из ГДР. Для многих наших современников этот предмет интерьера так и остался символом комфортного быта. Для других, например, для художника Алладина Гарунова шерстяное плетения ковра с типичным для Востока орнаментом служит напоминанием о том, что современность во многом сформирована традицией, а для Фаига Ахмеда пространством для постмодернисткой игры.

Для экспозиции отобраны работы художников, с разными целями обращающихся к традиционному декоративно-прикладному искусству. По словам куратора Марии Кравцовой, проект в Гридчинхолле акцентирует внимание на тех смысловых нагрузках, которые несет эта бытовая вещь, и на то, как интерпретируют ковер современные художники. Помимо вышеупомянутых авторов, отметим художника Таира Салахова, чьи последние работы связаны с ковроткачеством и текстилем, а также группу AES+F и ее знаменитый «Исламский проект», в котором образы будущеих полностью исламизированных Европы и Америки помещались на традиционном для исламского мира носителе – ковре. Посетитель выставки окажется в синтетическом пространстве. Одновременно с произведениями современных художников он увидит высокие образцы художественных ремесел ─ антикварные кавказские ковры и произведения современных ковровых мануфактур из коллекции специалиста по старинным коврам и гобеленам Марка Патлиса.

◄3 апреля - 13 мая 2012 в зале Грунтовальной машины "Проекта Фабрика" (Москва, Переведенческий пер. 18) "Утомленные шапито-шоу". Выставка "Утомленные Шапито-Шоу". Экспозиция "Предстояние" (в зале Грунтовальной машины): Выставка фотографий со съемочной площадки фильма. Авторы фотографий участники съемочной группы: Александр Панов (постановщик), Мария Миронова (хлопушка), Жак Поляков (композитор), Настя Бродская (директор). Экспозиция "Цитадель" (в студии "Шапито"): Картины Риммы Хадиевой - портретная серия героев. Творческое наследие Александра Маслаева и работы Пахома Пахомова, созданные во время съемок.

◄29 марта - 31 мая 2012 в Третьяковской галерее (Крымский Вал, 10, залы № 60–61) Константин Коровин. Живопись. Театр. К 150-летию со дня рождения. Открытие 28 марта. Крупнейший выставочный проект года представляет творчество Константина Алексеевича Коровина (1861–1939). Он ярко проявил себя во многих сферах искусства – станковой и монументальной живописи, декоративно-прикладном и театрально-декорационном искусстве, архитектуре и литературе.  Несмотря на то что К.Коровина больше знают как импрессиониста, в его творчестве были периоды, когда он работал как реалист, а также в русле неоромантизма и модерна. Третьяковская галерея впервые проводит масштабную персональную выставку К.Коровина. В экспозицию, собранную из 24 российских и зарубежных музеев, войдут около 240 произведений: живопись, монументальные панно, эскизы и подлинные декорации и костюмы к опере Н.А.Римского-Корсакова "Золотой петушок" 1934 года. <Портрет дочерей Ф.И.Шаляпина. 1916>

Долгожданную и столь масштабную ретроспективу К.Коровина (представлено около 240 лучших произведений из Третьяковской галереи, 22 музеев России, из Казахстана и Белоруссии, а также из частных коллекций) Галерея проводит в своих залах спустя девяносто лет после первой выставки, организованной в 1922 году при жизни художника. В состав выставки также будут включены документальные материалы, фотографии, книги и журналы, раскрывающие различные стороны деятельности К.Коровина> <cлева - "Девушка с гитарой", 1916 (Вологодская карт. галерея); в центре - фрагмент "Париж. Улица Венеция"; справа - "Вид Монако", 1922; продана на Sotheby's 2007 за пол миллиона фунтов>

Выставка отражает многообразную деятельность К.Коровина в живописи, театре, монументальном искусстве. Экспозиция внутри раздела станковой живописи построена по разделам «Творчество 1880–1890-х годов», «Портрет», «Север», «Охотино. Деревенские пейзажи», «Париж», «Крым. Гурзуф», «Ноктюрны», «Натюрморт», «Предреволюционное искусство», «Эмиграция». Для выставки из разных музеев отобраны лучшие эскизы декораций и костюмов к балетам «Дон Кихот» Л.Минкуса, «Конек-Горбунок» Ц.Пуни, «Щелкунчик» П.И.Чайковского, операм «Демон» А.Г.Рубинштейна, «Хованщина» М.П.Мусоргского, «Садко» и «Сказка о царе Салтане» Н.А.Римского-Корсакова. Настоящим открытием для публики станет показ двух уникальных, чудом сохранившихся декораций и костюмов к опере Н.А.Римского-Корсакова «Золотой петушок (постановка 1934 года, театр г. Виши, Франция). Весь сценический материал к этому спектаклю в свое время приобрел оперный певец, бессменный исполнитель партии Звездочета Г.И.Раисов. Позже коллекция была куплена внуком художника В.Д.Поленова А.А.Ляпиным, а в 1986 году подарена им в ГЦТМ им. А.А.Бахрушина. На выставке впервые будут представлены подлинные декорации к этому спектаклю «Стан Шемаханской царицы» и «Град-столица». Важным в творческой биографии К.Коровина был период жизни в Охотине. В 1897 году художник купил землю близ Переяславля-Залесского и построил одноэтажный сосновый дом, в котором часто гостили Ф.И.Шаляпин, В.А.Серов, С.А.Виноградов, М.Горький. В Охотине в творчестве художника родился особый жанр – ноктюрн. Крымские пейзажи К.Коровина составляют отдельную страницу его творчества. В 1904 году художник приехал навестить в Ялту тяжело болевшего А.П.Чехова («Кафе в Ялте», 1905. ГТГ), а чуть позже приобрел участок земли на берегу гурзуфского залива. По проекту К.Коровина в 1910 году была построена вилла «Саламбо», откуда открывался красивый вид на море («Балкон в Крыму», 1910. Ульяновский областной художественный музей). Впечатления от крымских базаров с их богатством и красочностью послужили поводом для создания натюрмортов («Рыбы, вино и фрукты», 1916 и 1917. Обе – ГТГ, «Рыбы», 1916. ГРМ). К.Коровин известен не только как живописец, но и как архитектор и декоратор. В разделе монументального искусства представлены четыре из десяти панно, исполненных художником для павильона «Крайний Север» Нижегородской художественно-промышленной выставки 1896 года, специально отреставрированные к выставке. Они были заказаны меценатом и промышленником С.И.Мамонтовым, который, мечтая об освоении и популяризации далекого и богатого края, способствовал путешествию К.Коровина и В.Серова на Север в 1894 году. Через несколько лет после Нижегородской выставки по предложению С.И.Мамонтова панно украсили стены главного вестибюля Ярославского вокзала в Москве, а в 1961 году были переданы Третьяковской галерее. В большой картине «Гаммерфест. Северное сияние» (1894–1895. ГТГ) обобщены впечатления художника от путешествий по Северу (Мурманск, Архангельск и др.). Одно из открытий выставки – декоративное панно «Старый монастырь» (1906. ГТГ). Поступив в собрание Третьяковской галереи в 1946 году, оно долгое время хранилось в запасниках на валу. В стилистике этого фриза (более семи метров в длину) угадываются характерные признаки модерна. После революции, лишившись мастерской, холстов и красок, К.Коровин оказался в тяжелейшей ситуации. Переехав из Москвы в Островно, на берег озера Удомля в Тверском крае, художник впервые начал писать по памяти, выполняя небольшие произведения-миниатюры на картоне. В этот же сложный период жизни он создал замечательные полотна, главным образом – портреты близких друзей: «Портрет Ф.И.Шаляпина» (1921. ГЦММК им. М.И.Глинки), «Портрет Е.Б.Вахтангова» (1922. Музей-квартира Е.Б.Вахтангова) и др. В 1923 году художник вместе с семьей уехал в Германию, а затем во Францию, где прошли последние годы его жизни.

◄28 марта - 31 мая 2012 года в Галерее на Ленивке (Москва, ул. Ленивка, д.6/7) выставка Мстислава Добужинского. «Семейный альбом». На ней будет впервые представлена серия (более 200 работ), объединенная под названием «Семейный альбом». Неизвестный архив одного из создателей эстетики начала XX века, участника легендарного объединения «Мир искусства», –восстанавливает более чем двадцатилетний период истории Добужинских: портреты жены, детей, зарисовки домашних интерьеров. Со всегда узнаваемым изяществом автор показывает в них и большие события страны: Первую мировую войну, перелом 1917 года. Открытие 27 марта>

◄21 марта - 19 мая 2012 в галерее Елены Врублевской (Москва, Рождественский бульвар, 19) выставка Бронислава Виноградского "Творчество состояний, или Иcкусство управляемых совпадений". Открытие выставки 20 марта в 19:30. Автор в течение многих лет занимается дешифровкой и разгадкой рабочих кодов «Книги Перемен» и многих древнекитайских техник и практик, основанных на «Книге Перемен» и «Дао Дэ Цзине», что органично нашло отражение в представленных работах. Тексты, написанные на картинах являются неотъемлемой частью произведений, и не просто дополняют содержание, образующееся как следствие соединения движений руки, пера, духа, воли и замысла художника, а так же являются записью движения смыслов в сознании автора. То есть, если движения смыслов перенести на бумагу, соединив различные понятия, изложенные в словесной форме, то получится узор, не менее живой и увлекательный, чем рисунки. Узор, гармонично дополняющий и взаимодействующий с линиями на листе, белым полем и сочетанием цветов>

◄15 марта – конец ноября 2012 года в Историко-мемориальном музее "Пресня" (Большой Предтеченский пер., д.4) Фонд V-A-C представляет новый междисциплинарный проект «Педагогическая поэма», организованный на пограничной территории между современным искусством, историей и критической теорией. Проект назван в честь книги знаменитого советского педагога Антона Семеновича Макаренко. С 15 марта до конца ноября 2012 года, с перерывом в июле и августе, в Историко-мемориальном музее «Пресня» пройдет около 100 лекций и мастер-классов всемирно известных художников, историков и теоретиков культуры. К участию в проекте приглашены: Кирилл Алексеев, Владимир Архипов, Александр Бикбов, Ольга Брюховецкая, Дмитрий Виленский, группировка "ЗИП", Екатерина Деготь, Ольга Житлина, Вадим Захаров, Михаэль Леви (Michael Lowy), Александр Иванов, Никита Кадан, Томаш Кенде (Tamas Kende), Егор Кошелев, Марийян Крталич (Marijan Crtalic), Владлен Логинов, Кирилл Медведев, Андрей Олейников, Николай Олейников, Анатолий Осмоловский, Алексей Пензин, Давид Рифф, Сергей Попов, Кирилл Светляков, Наталья Смолянская, Влад Софронов, Театр.док, Авдей Тер-Оганян, Станислав Тютюкин, Евгений Фикс, Джинни ван Хеесвик (Jeanne van Heeswijk), Ольга Чернышева, Мария Чехонадских, Игорь Чубаров, Хито Штейерль (Hito Steyerl).

Программа построена на совмещении теоретического материала, практических занятий и коллективной работы над художественным проектом — инсталляцией, которая будет размещена в пространстве музея «Пресня» в ноябре и декабре 2012 года. Авторы «Педагогической поэмы» Арсений Жиляев и Илья Будрайтскис описывают идею проекта следующим образом: «Отказаться от риска — значит отказаться от творчества», — говорил ныне почти забытый советский педагог Антон Семенович Макаренко, автор знаменитой «Педагогической поэмы». Работая с детьми-беспризорниками в первые годы становления советского государства, в ситуации политической нестабильности, он стремился заменить «ветхого Адама» на нового человека коммунистического будущего. В современном обществе больше нет разделяемой всеми веры в утопическое будущее человечества, для которого нужно воспитывать свободную личность. Нет убежденности в том, что образование — это важнейшие право каждого человека, а не услуга, повышающая личную капитализацию на рынке труда. Нет понимания того, что история продолжается, и к ней имеет отношение каждый. Именно эти обстоятельства заставляют нас принять вызов времени и пойти на риск создания новой «Педагогической поэмы». Мы не ставим своей целью воспитание навыков выживания в культурной индустрии, но предлагаем совместный творческий поиск в мире истории и знаний. Не будет преувеличением сказать, что сегодня в глазах российского общества история как общеобразовательная дисциплина и исторический музей как часть культурного досуга лишены всякой привлекательности. Историю все чаще воспринимают как пыльный каталог давно прошедших событий, не имеющих прямого отношения к современности. Редкие обращения к прошлому имеют место либо в виде политических спекуляций, либо в форме популярного чтива, или, что хуже всего, в «дидактическом» отношении, в стремлении «извлекать уроки». Этой деисторизации противостоит переживание истории как длящегося, живого человеческого опыта, который предполагает личное восприятие того, что Филипп Арьес называл «эстетической стороной истории». Экспозиция исторического музея призвана оказывать прежде всего эстетическое воздействие, но в отличии от музея искусства, историзирует его, развенчивает иллюзию герметичного произведения. Создавая эффект, подобный брехтовскому очуждению, предметы прошлого заставляют зрителя по-другому ощущать свое настоящее. В Советском Cоюзе самым масштабным результатом работы художника в историческом музее являлись панорамы и диорамы — гигантские тотальные инсталляции, апеллирующие к историческому воображению зрителя, его способности как анализировать, так и сопереживать событию. Жанр диорам возник в начале XIX века благодаря опытам изобретателя фотографии Дагера, но наиболее мощное развитие он получил в странах коммунистического блока, где еще сохранялась традиция революционного преодоления границ искусства и жизни. Один из ярких примеров подобного творчества — диорама «Героическая Пресня. 1905 год» Е. И. Дешалыта, находящаяся в центре экспозиции музея «Пресня». Совмещение эстетических эффектов реалистического искусства с научным подходом (диорамы сопровождалась подробным историческим комментарием) заставляет говорить о том, что советские диорамы предвосхитили многие находки современного искусства. Именно тесная связь истории с восприятием искусства и возможность ее исследования коллективным педагогическим усилием находится в центре внимания нашего проекта, одним из результатов которого станет коллективная инсталляция в пространстве исторического музея» Фонд V-A-C, продолжая работу с молодыми российскими художниками и кураторами, стремится к расширению пространства искусства и созданию живых связей с городом, к реконструкции механизмов культурной памяти посредством актуальных художественных практик. Музеи, дома культуры, НИИ и производственные пространства — все это подлинные депозитарии культурной памяти горожанина, инструмент критической перспективы и источник чувственного урбанизма. Однако сегодня эти пространства частично утратили свой статус и аудиторию, в то время как автономное существование искусства в музейно-галерейном контексте приводит его к утрате связей с городом и самоизоляции. Придать им иную жизнь —одна из задач выставки. Все мероприятия открыты для публики и бесплатны; участники могут стать членами рабочей группы, то есть посещать все лекции и семинары, или свободно выбирать отдельные мероприятия. Результатом «Педагогической Поэмы» станет коллективная инсталляция в пространстве Историко- мемориального музея «Пресня». Занятия будут проходить в Историко-мемориальном музее «Пресня» по адресу г. Москва. Большой Предтеченский пер., д.4. "В современном обществе больше нет разделяемой всеми веры в утопическое будущее человечества, для которого нужно воспитывать свободную личность.  Нет убежденности в том, что образование — это важнейшие право каждого  человека, а не услуга, повышающая личную капитализацию на рынке труда.   Нет понимания того, что история продолжается, и к ней имеет отношение каждый.  Именно эти обстоятельства заставляют нас принять вызов времени и пойти  на риск создания новой «Педагогической поэмы». Мы не ставим своей целью  воспитание навыков выживания в культурной индустрии, но предлагаем совместный творческий поиск в мире истории и знаний." Арсений Жиляев, Илья Будрайтскис>

◄13 марта - 13 мая 2012 в Фонде Культуры «Екатерина» ( Кузнецкий Мост, 21/5, подъезд №8) в рамках 9-го международного месяца фотографии в Москве «Фотобиеннале 2012» выставки: - Лю Болинь «Человек-невидимка». Куратор: Ромэн Дегуль; - G.R.A.M «Парламент»; - Бернар Плоссю «Из Калифорнии в Нью-Мексико. Юго-запад Америки, 1966-1985». Куратор: Аньес де Гувьон Сен-Сир. Открытие состоится 12 марта в 19:00>

◄Лю Болинь родился в 1973 г. в провинции Шаньдун, в 1995 окончил Академию Изящных Искусств, получил степень магистра в Центральной Академии Изящных Искусств в 2001 году по специальности «Скульптор». Лю Болинь – яркий представитель так называемого «нового искусства», возникшего из- за сдвигов происходивших в бывших социалистических странах. Либерализация, модернизация, демократизация затронули все сферы жизни современного китайского общества. На его творчество оказала особое влияние двухполюсная культурная модель, в которой традиции и иностранные влияния, старое и новое находятся в непрерывном взаимодействии и противоречии. Динамично-меняющаяся окружающая действительность создает потребность в способности менять свою окраску под окружающую действительность подобно хамелеону. Мимикрия – то свойство, которое иногда необходимо современному среднестатистическому человеку, чтобы максимально снизить дискомфорт от нахождения в обществе. Серия Болиня «Урбанистический Комуфляж» посвящена отдельной личности, лишенной индивидуальности, которая могла бы выделить ее из толпы. Это человек сам по себе, его тело ничего не выражает и не двигается, глаза закрыты, словно он заглядывает в самого себя, предаваясь самоанализу. Персонажи не находятся здесь, они как бы отсутствуют и оставляют сюрреалистическое впечатление. Индивидуальность по-настоящему размыта и недоверчивый человек предпочитает исчезнуть и затеряться среди декораций. Фигура стоящего человека может быть незамеченной, потерянной в рисунке фона. На первом плане небрежно проплывает лозунг, оставляя свой след, так или иначе моделируя восприятие изображаемого. ◄Австрийская художественная группа G.R.A.M. была основана Гюнтером Холером-Шустером, Мартином Бером, Рональдом Вальтером и Армином Раннером в 1987 г. в Граце.  В проекте «Парламент» (2011) художники G.R.A.M. обращаются к современнойполитической культуре и исследуют то, как депутаты в разных странах мира выходят рамки приличий и в ходе словесных перебранок нередко прибегают к рукоприкладству, а порой и к откровенно грубой силе. Сцены настоящих драк можно видеть как в парламентах Азии, так и Европы, а недавно получили широкую огласку и подобные инциденты в Южной Корее, Таиланде, Украине и Турции. Художники выбрали десять драк в различных парламентах мира и нашли статистов, с помощью которых эти сцены были реконструированы в муниципальном зале заседаний города Граца. Эта акция поставила вопрос о различных прочтениях современных визуальных документов, о проблеме реализма в фотографии. Подобная постановка спонтанных действий дезориентирует и тревожит зрителя, призывая ответить на ряд вопросов. Каковы причины антипатии, которую люди вдруг начинают испытывать друг к другу? Имеем ли мы дело с изображением реальности или с перформансом?

◄Здание кинотеатра «Ударник» – уникальный памятник архитектуры конструктивизма, часть комплекса знаменитого Дома на набережной. Историческое здание будет отреставрировано, и в его стенах откроется музей современного российского искусства.

Создание музея инициировано Культурным фондом «АртХроника», который и будет воплощать проект в жизнь. Культурный Фонд «АртХроника», получивший право долгосрочной аренды «Ударника», видит своей первоочередной задачей восстановление уникального объекта культурного наследия. В течение 2012 года будет сформирован Попечительский совет и назначен директор нового музея. В разработке концепции и стратегии музея будет участвовать специально приглашенный экспертный совет, в который войдут специалисты, имеющие опыт в музеестроительстве. В этом же году на конкурсной основе будет выбрана архитектурная организация, которая займется реставрацией «Ударника». Постоянная коллекция музея будет регулярно пополняться произведениями современного российского искусства. Основой коллекции послужит уже существующее собрание Культурного Фонда «АртХроника». «Ударник» также станет площадкой для крупных выставочных проектов, имеющих международное значение, – культурных форумов, фестивалей искусства и биеннале. Проект «Ударник» – это не только выставочный центр и музей, но и площадка для образовательных программ. В новом арт-центре планируется проведение мастер-классов, лекций, круглых столов и научных симпозиумов. ◄Интервью с Шалвой Бреусом 1.03.2012. Артхроника>

◄В издательстве Медиаком вышел сборник статей Петера Вайбеля, впервые переведенных на русский язык. В конце сентября книга появилась в продаже (Фаланстер, Гилея и др). Петер Вайбель, австрийский куратор, художник и руководитель крупнейшего в Европе Центра искусства и Медиа-технологий (ZKM) в Карлсруэ (Германия). Сборник аналитических статей Петера Вайбеля «Мир как переписываемая программа» представляет Петера Вайбеля с еще одной стороны – как теоретика медиаискусства. В своих теоретических работах Петер Вайбель создает фрагменты современной универсальной теории, способной объединить естественные науки и гуманитарные, вопросы искусства, общества и технологии. Энциклопедическая эрудиция автора позволяет ему свободно перемещаться между множеством дисциплин, таких как история искусства, философия, эстетика, квантовая механика, история науки, теория информации, политическая теория, история техники, социология, психоанализ, теория кино etc. Петер Вайбель - куратор основного проекта 4 Московской биеннале современного искусства. Перевод книги был поддержан грантом Немецкого культурного центра им. Гете (Гете-Института), финансируемого Министерством иностранных дел Германии.

◄С 5 октября постоянно в ГТГ (Крымский вал, 10, зал 11) экспозиция АЛЕКСАНДР РОДЧЕНКО. «РАБОЧИЙ КЛУБ». Открытие 4 октября. Постоянная экспозиция «Искусство ХХ века» пополнится уникальной реконструкцией интерьера «Рабочего клуба». Предназначенный для занятий и отдыха, «Рабочий клуб» был создан Александром Михайловичем Родченко (1891–1956), одним из основоположников конструктивизма, для оформления советского раздела Международной выставки декоративного искусства и художественной промышленности, проходившей в Париже в 1925 году. Реконструкция этого интерьера, выполненная в 2008 году немецкими специалистами по чертежам А.Родченко и сохранившимся фотографиям, представит важнейшую грань творчества А.Родченко как создателя новых социально-утилитарных структур>

◄В издательстве Gallina Scripsit вышла книга Натальи Абалаковой "Глиняный холм". Еще один роман о языке, написанный... по-русски! Используя структуралистский опыт современного письма, пытаясь говорить, не говоря, автор сохраняет повествовательную фабулу - как некий каркас, на котором развертывается вселенная из слов: драматические миниатюры, лирические отступления, фантасмагорические пассажи, рефлексии, сентенции..> Наталья Абалакова - известный художник-концептуалист, теоретик искусства, литератор. С конца 70-х гг. совместно с поэтом и художником Анатолием Жигаловым осуществляет "Проект Исследования Существа Искусства применительно к Жизни и Искусству" (ТОТАРТ), в рамках которого создаются перформансы, акции, инсталляции, кино- и видеофильмы.

◄1 мая 2007 года в Третьяковкой галерее открылся новый вариант экспозиции "Искусство ХХ века".  1 этап Нового варианта экспозиции «Искусство ХХ века» – искусство 1910–1920-х годов (залы 1–14) и экспериментальный раздел экспозиции – новейшие течения (залы 39–42) – был осуществлен в мае 2006 года и, как показали рейтинги, проведенные ведущими изданиями и арт-критиками, вошел в число лучших экспозиционных проектов 2006 года. Сегодня открывается 2 этап: искусство 1920–2000-х годов (живопись, скульптура, графика; залы 15–38), который был подготовлен в течение юбилейного года. Авторы экспозиции делают акцент на проблемах нового художественного языка ХХ века и ставят целью показать, как он зарождался, развивался, трансформировался, «выживал», возрождался и обновлялся в условиях социально-политической жизни России ХХ века.

◄Григорий Брускин наставляет директора ГМИИ Ирину Антонову. Интересно, в чем? Cудя по интервью, г-жу Антонову интересуют сейчас исключительно воспоминания, поэзия Пушкина 27-28 годов и театр. Причем вплоть до "Голой пионерки" в "Современнике" и "Господ Головлевых" в МХТ.

◄1 сентября 2004 года открылся клуб СИНЕ ФАНТОМ, существовавший до 2002 года в Музее Кино. Теперь кинотеатр "Фитиль" стал новым домом для клуба. Подробная информация в пресс-релизе и на сайте WWW.CINEFANTOM.RU >   ◄Московский концептуализм", М., 2005, 416 с., илл. (ISSN 1726-3050) Книга Московский концептуализм (WAM 15/16, составители Екатерина Дёготь и Вадим Захаров) - уникальное издание, впервые в России и в мире представляющее фундаментальный корпус искусства московского концептуализма как золотой фонд современной художественной практики. В ней представлено более 150 произведений двадцати московских художников и групп, среди которых Илья Кабаков, Андрей Монастырский, Комар и Меламид, Инспекция Медицинская герменевтика и многие другие. Значительная часть произведений - инсталляции, объекты, документация перформансов - публикуется впервые.  e-mail: Пластинин Юрий © 1991-2012 ARTINFO дизайн ARTINFO размещение ARTINFO